PAUL CEZANNE Y EL COLOR DE LA LUZ (PRIMERA PARTE)

"Cézanne site/non site" es el original nombre que el Museo Thyssen-Bornemisza de Madrid ha dedicado al pintor francés Paul Cézanne, considerado por los críticos de arte , en el afán del ser humano por etiquetarlo todo, como el padre del arte moderno, pues en su obra se encuentra la semilla del cubismo que durante la primera década del siglo XX revolucionaría el arte de la pintura de la mano de grandes genios como el malagueño Pablo Picasso (1881-1973), el madrileño Juan Gris(1887-1927) o el francés George Braque (1882-1963) Nada sería igual después de este movimiento que abandonaba las formas tradicionales de representación de la naturaleza , que olvidaba la perspectiva y buscaba las formas geométricas para dar vida a sus sensaciones .Suponía la ruptura con la pintura tal y como la habíamos conocido hasta entonces y abría el camino a los diferentes estilos que irían naciendo y evolucionando a lo largo del siglo XX. Pero antes de Picasso, Gris y Braque un hombre tímido, retraído, amante de la soledad, en cierta forma huraño y que no tuvo el reconocimiento que habría merecido en vida, plantaba en el silencio de su estudio o en los luminosos campos de Aix-en-Provence la semilla de aquella revolución artística que él no llegaría a ver y que , por otra parte, tampoco pretendía, pues lo que buscan los grandes artistas no es crear una escuela, marcar una tendencia o una revolución, lo que tratan de encontrar es su propio camino, la forma de expresar lo que sienten con su propia voz, en este caso con su  singular forma de pintar, de plasmar los colores, de iluminar sus obras. Como decía Pablo Picasso cuando le preguntaban sobre el origen del cubismo "Cuando hacíamos cubismo , no teníamos ninguna intención de hacer cubismo, sino únicamente de expresar lo que teníamos dentro" 

Cartel de la exposición que el Museo Thyssen Bornemisza de Madrid dedica al pintor Paul Cézanne. Como se explica en la exposición el título de la misma "Site/Non Site" está inspirado en el artista estadounidense Robert Smithson (1938-1973) , creador a su vez del Land Art , obras de grandes dimensiones realizadas en zonas despobladas y destinadas a una vida efímera porque las hacía directamente sobre la tierra, buscando una relación entre el interior y el exterior , entre el trabajo realizado al aire libre y el realizado en el estudio. Y fue Smithson el que propuso esa misma relación en la obra de Cézanne. Para entender la pintura del maestro francés, según Smithson, había que tener en cuenta esta doble naturaleza de su obra, la realizada en el exterior , los paisajes, y esas otras obras realizadas en su estudio, las naturalezas muertas.  Esa doble relación , pintura en el taller con naturaleza muerta y pintura al aire libre con los paisajes es a lo que se refiere el Site/Non Site del título de la exposición. (Imagen procedente de http://unbuendiaenmadrid.com )

Después de visitar la exposición y disfrutar de la obra de Cézanne he querido compartir su vida y obra con vosotros, y el que viva en Madrid todavía tendrá la oportunidad de visitar la exposición hasta el próximo 18 de mayo de 2014.  Y ahora vamos a viajar en el pasado hasta el 19 de enero de 1839, cuando el matrimonio entre  el comerciante  Louis-Auguste Cézanne (1798-1886), dedicado al negocio de la exportación de sombreros , y su  pareja Anne-Elisabeth Honorine Aubert(1814-1897), tienen a su primer hijo en la ciudad de Aix en Provence, la antigua capital de la Provenza, en el sur de Francia, una tierra luminosa bañada por el Mediterráneo. Dos años después nacerá su hermana Marie Cézanne y en enero de 1844 los padres del pequeño Paul contraen finalmente matrimonio. Mientras, nuestro todavía pequeño protagonista sigue sus estudios de primaria entre 1844 y 1850 al tiempo que su padre confunda en 1848  el banco Cézanne y Cabassol. Entre 1850 y 1852 Paul asiste al internado de Sainte Joseph y en 1852 ingresa en el Collège Bourbon de Aix en Provence  donde conocerá a sus dos grandes amigos de la adolescencia , Jean Baptiste Baille (1841-1918), que en el futuro sería  ingeniero y profesor de óptica y acústica en París, y un nombre que seguro reconoceréis, Émile Zola (1840-1902), una de las grandes figuras literarias del último tercio del siglo XIX y máximo exponente de la literatura naturalista.  Eran tan amigos que siempre iban juntos y llegaron a ganarse el sobrenombre de "los tres inseparables" En la biografía escrita por Ulrike Becks Malony nos cuenta que "los tres jóvenes pasaban su tiempo libre cazando, pescando y bañándose en el río Arc" 

Con esta obra "Retrato de un campesino" se abre la exposición del Museo Thyssen y es también una de sus últimas obras realizada en algún momento de 1906. La obra es un ejemplo del título de la exposición, ya que está realizada en la terraza del estudio de Cézanne, por lo tanto en parte en el interior y en parte en el exterior, una división marcada por el muro pintado de un intenso amarillo  que se encuentra detrás del hombre retratado. Pero a través del color Cézanne pretende superar esa división ya que los colores de la ropa del hombre parecen querer confundirse y fundirse con la vegetación de jardín a sus espaldas , desdibujando la frontera entre la figura y lo que le rodea. Con ello, como se explica en la exposición, lo que pretendía Cézanne era devolver la continuidad o la unidad entre el hombre y la naturaleza, una unidad que el progreso , según Cézanne, estaba rompiendo. Un detalle a tener en  cuenta es que el modelo no tiene rostro, aunque se cree que el retratado era su anciano jardinero Vallier. Cuando  a Cézanne le faltaban modelos llegaba incluso a utilizar el reflejo de su rostro en un espejo para poner su propia cara los retratados , pero en este caso prefirió privar a la figura de un rostro identificable, tal vez para acentuar su fusión con la naturaleza Su obra fue evolucionando  a lo largo de toda su vida hasta llegar a esta pintura, donde el dibujo casi desaparece y todo es color , lo que parece anunciar la llegada de la pintura abstracta (Imagen procedente de http://listas.20minutos.es )

Pero no eran tres jóvenes corrientes "Mantienen largas conversaciones sobre arte, leen a Homero y Virgilio, se divierten redactando poesías" Y Cézanne destaca en esta última actividad escribiéndolas además en latín  y su amigo Zola, que ya sentía la pasión por escribir que le acompañaría toda la vida, le decía a su querido Cézanne "Mis rimas pueden ser más puras que las tuyas, pero las tuyas son más poéticas, más verosímiles. Tú escribes con el corazón, yo con el entendimiento". Son años felices para el Cézanne adolescente que ve como su familia se incrementa en 1854 cuando nace su segunda y última hermana, Rose Cézanne. Aunque todavía no sabe que hará con su vida y la pasión de la pintura todavía no ha nacido en él, al menos no para dedicar su vida a ello, en 1857  ingresa en la Ecole Spéciale de Dessin d Aix (Escuela Especial de Dibujo de Aix) Un año más tarde los tres amigos inseparables tendrán que separarse cuando tienen que iniciar sus estudios superiores. Paul Cézanne , siguiendo los deseos de su padre que quiere prepararle para que siga sus pasos en el banco, inicia sus estudios de derecho aunque sin abandonar sus clases en la Escuela de Dibujo de Aix donde llega a obtener un premio. Logra salvarse de ir al servicio militar gracias al dinero de su padre , que paga a un sustituto para que acuda en su lugar. Sin embargo, los estudios de derecho son una losa para Paul Cézanne que no siente ninguna inclinación por ellos y si cada vez un mayor interés por la pintura. El mismo año en que Paul comienza a estudiar derecho su padre comprará una casa de campo , la finca de Jas de Bouffan, que había sido antigua propiedad del gobernador de Provenza y que a partir de ahora será la residencia de verano de la familia Cézanne y jugará un papel importante en la obra posterior de Paul. 

Esta obra no aparece en la exposición pero la incluyo porque en ella podemos ver la casa de campo de la familia Cézanne, Jas de Bouffan. Esta obra se titula "Jas de Bouffan" y fue realizada hacia 1875. Jas de Bouffan podría traducirse como "Casa del Viento"  y había sido la antigua residencia del gobernador de Provenza. Algunas habitaciones se encontraban en muy mal estado y no fueron habitadas . Cézanne pediría permiso a su padre para decorar los muros de una de ellas. Así nacieron  los murales de las Cuatro Estaciones que decoraban  uno de los salones de Jas de Bouffan (Imagen procedente http://es.wikipedia.org )

Zola se había trasladado a París, y conociendo el amor por la pintura que había nacido en el corazón de Cézanne, le anima a que deje Aix en Provence y los estudios de derecho y se vaya a vivir con él a la capital francesa  para dedicarse de pleno a la pintura , pero Paul no se atreve a desobedecer a su dominante padre, que está empeñado en que su hijo  siga sus pasos en el banco. Zola insiste desde París y llega a escribirle enojado por la indecisión de Paul, por su miedo a seguir su auténtica vocación "¿Es la pintura para tí solamente un capricho que te entró cuando un buen día notaste que te aburrías?" le  reprocha su amigo  Zola "¿Quieres qué te diga una cosa? Te falta fortaleza de carácter. Rehuyes todo tipo  de esfuerzo, tanto intelectual como práctico. Tu principio consiste en dejar que las cosas sigan su marcha y entregarte al tiempo y al azar" y concluye su diatriba que en realidad era intento de animar a Paul para que tomara una decisión clave para su vida "Me das lástima, ya que tienes que padecer esa inseguridad, y eso sería para mí otro motivo más para dar el todo por el todo. Una cosa o la otra, hazte realmente un abogado o un pintor, pero no seas un ser ambiguo, con una toga manchada de pintura. " Le estaba diciendo que fuera fiel a sí mismo  y en 1861 Paul ya no puede más, abandona derecho y tras convencer a su autoritario padre viaja a París y comienza a acudir a la Académie Suisse , una academia privada fundada por Charles Suisse, del que se decía que era un antiguo modelo del pintor Jacques Louis David (1748-1825) y que se había convertido en el lugar de formación de casi todos los grandes pintores franceses, desde Eugène Delacroix(1798-1863) a Édouard Manet(1832-1883) o Camille Pissarro (1830-1903), pues allí se formaban para afrontar el examen de ingreso en  École des Beaux Arts (Escuela de Bellas Artes) de París. 

Fotografía de Paul Cézanne en 1861 , a los veintidós años de edad, cuando decidió dejar Aix en Provence para hacer caso a los consejos de su íntimo amigo Emile Zola e instalarse en París, aunque su carácter retraído y huraño en muchos momentos no era el más adecuado para adaptarse a una ciudad cosmopolita como era París. Nunca se sentiría a gusto en la ciudad  y preferiría la vida en su Provenza natal , o , en todo caso , junto a la naturaleza  (Imagen procedente  http://www.elarteporelarte.es ) 

"La lectura de Paul Alexis en casa de Zola" realizada por Paul Cézanne entre 1869 y 1870. Tampoco está incluida en la exposición porque casi todas las obras que podréis contemplar son posteriores, a partir de 1875. En este cuadro retrata a su gran amigo de la adolescencia, el escritor Emile Zola, (de rojo , dando la espalda y empuñado una pluma) y el secretario de Zola , Paul Alexis, que además era periodista, escritor y amigo común de Zola y Cézanne desde la época en Aix en Provence . Pertenece a su primera época como pintor llamada "El período oscuro" porque emplea tonos oscuros, como en este caso donde hay fuertes contrates de luz entre colores claros y colores muy oscuros , con predominio del negro. Zola trataba de atraer a su amigo a París para que pudiera dedicarse a la pintura lejos de la figura autoritaria de su padre que deseaba que su hijo se encargara en el futuro del banco  que él había fundado. Zola llega incluso a organizarle el tiempo una vez que estuviera en la capital francesa "De 6 a 11 de la mañana podrías pintar con modelo en una escuela-taller, después vendría la hora de la comida , y a continuación , entre 12 y 4 de la tarde, podrías ir al Louvre o al museo Luxembourg a copiar una obra maestra  que te interesase especialmente.Serían por tanto nueve horas  de trabajo, creo que eso bastaría , y que con ese programa tendrías a la fuerza que salir adelante"  Pero a Cézanne le costaría tiempo decidirse a dejar Aix en Provence para establecerse en París   (Imagen procedente de http://es.wahooart.com )  

Sería en la Academie donde Paul conocería a otros grandes pintores de su generación como Claude Monet(1840-1926)  o Pierre Auguste Renoir (1841-1919) pero será con Pissarro con quién  sentirá una mayor afinidad. Sin embargo, Paul ama la soledad y tiene un carácter retraído que no se adapta bien a la vida cosmopolita de París  y llegará a confesar a un amigo "Pierdo el tiempo aquí, no creo que me convierta en un parisino" y así fue, porque en 1862, después de suspender el examen de ingreso en la Escuela de Bellas Artes,  hace de nuevo las maletas y regresa a Aix en Provence para comenzar a trabajar en el banco de su padre, aunque no abandona la pintura porque sigue trabajando en un estudio dentro de la residencia familiar de Jas de Bouffan. Pero como decía Goethe "Las grandes pasiones son enfermedades incurables" y Paul no podía sanar , por fortuna para todos nosotros, de su amor a la pintura, así que de nuevo regresa a París ese mismo año, en  noviembre de 1862, contando con el apoyo económico de su padre con el compromiso de que ingrese en la Escuela de Bellas Artes, pero la solicitud de ingreso de Paul será de nuevo rechazada. Y si no estabas en la Escuela de Bellas Artes tenías casi imposible prosperar en tu carrera como pintor.Era la Escuela la que marcaba el camino a seguir por la pintura, un camino marcado por el clasicismo en la composición, basada en temas mitológicos  o históricos, donde lo más importante es un dibujo que represente con la mayor fidelidad posible la realidad y el color es apenas un ornato necesario pero secundario, un tipo de pintura formal que buscaba una belleza idealizada , inspirada en las formas del Renacimiento. Pero no todos estaban de acuerdo con esta dictadura artística de la Escuela de Bellas Artes y comenzaban a surgir disidentes.

Como seguro que ya habéis advertido esto no es una obra de Paul Cézanne, sino la célebre "Almuerzo en la hierba" de Édouard Manet que fue expuesta en 1863 en el denominado Salon des Refutes o Salon de los Rechazados, donde expusieron los autores que habían sido rechazados por el oficial Salón de París. La obra causó un gran escándalo por el realismo de la escena en la que parecía una mujer desnuda y mirando serena al espectador del cuadro, mientras sus dos acompañantes parecen charlar entre si ajenos a la desnudez de su compañera , un escándalo que se agudizaba aún más porque las figuras eran reconocibles. Ella era la modelo habitual del pintor, Victorine Meurent (1844-1927) que también era pintora . En cuanto a los hombres, uno de ellos era el hermano del pintor, Gustave Manet y a su lado su futuro cuñado el escultor holandés Ferdinand Leenhoff (1841-1914). El arte  a través de los nuevos pintores quería transformarse y abandonar los cuadros históricos y mitológicos que dominaban el Salón de París, (Imagen procedente de http://educacion.ufm.edu ) 

En aquel tiempo la pintura era algo vivo, que originaba acaloradas discusiones en los cafés de París , pero los criterios de la Escuela de Bellas Artes permanecían inconmovibles a pesar de la aparición de jóvenes pintores con ideas nuevas y rompedoras, pero sus obras  eran indefectiblemente rechazadas por el jurado de la Escuela para participar en la gran exposición que cada año, desde 1725 , se celebraba en París organizado por la Escuela de Bellas Arte de París y que se había convertido en la exposición de pintura más importante del mundo.  En el año 1863 el jurado del Salón rechazó un numero tan elevado de obras que hubo hasta protestas populares forzando la intervención del emperador Napoleón III (1808-1873) que impulsó la creación de un salón paralelo donde se expusieran las obras rechazadas  para ser expuestas en el Salón de París, y que por ello sería bautizado con el nombre de  Salon des Refusés, Salón de los Rechazados que iba a convertirse en un gran éxito y también en motivo de escándalo , sobre todo por la obra de Édouard Manet, "Almuerzo sobre la hierba", en la que el pintor representaba a una mujer desnuda compartiendo tranquilamente la comida con dos hombres mientras mira fijamente hacia el espectador . Los críticos rechazaron la obra  y el propio Émile Zola escribiría sobre ella que "Uno no está acostumbrado a una reproducción  tan simple y directa de la realidad". Pero el éxito del Salón radicó precisamente en no dejar indiferente a nadie y despertar el debate sobre las nuevas corrientes pictóricas que cuestionaban el clasicismo de la Escuela de Bellas Artes. Paul Cézanne expondrá en el Salón de los Rechazados, aunque en los años siguientes continuará intentándolo, siempre con el mismo resultado, el rechazo. 

"Retrato de Achille Empéraire"realizado por Cézanne entre 1867 y 1870 y que era en realidad un homenaje a este pintor amigo de Cézanne que nunca alcanzaría el éxito y el reconocimiento como pintor que anhelaba. Como veis, siguen dominando los tonos oscuros característicos del período oscuro de la pintura de Cézanne , un tiempo que se prolongaría aproximadamente  entre 1860 y 1870. Sobre la obra escribe el poeta y crítico Sebastian Gasquet(1873-1921), autor de una biografía de Cézanne donde recuperaba los recuerdos de la amistad que mantuvieron "Un enano - se refiere a Achille Empéraire  - pero con una magnífica  cabeza hidalga,  un alma ardiente, nervios de acero y voluntad férrea  en un envoltorio deforme, llama del genio en un cuerpo encorvado , medio Don Quijote , medio Prometeo" (Imagen procedente de http://reproarte.com ) 

Mientras, prosigue pintando en la Académie Suisse , estrechando lazos de amistad con el pintor  Achille Empéraire (1829-1898), un hombre de baja estatura y de cuerpo deforme,  que era también de Aix en Provence y que al igual que Paul buscaba abrirse camino como pintor pero sin ningún éxito . Escribe Ulrike Beks que Paul sigue sin encajar en el ambiente artístico de París, donde nunca se sentirá cómodo "Es un cuerpo extraño en este ambiente. Su fuerte acento  provenzal, su descuidada indumentaria, su aspecto rústico y su trato desconfiado hacen de él un marginado, un personaje ridículo en el mundo artístico parisino"  Sigue pasando temporadas en Jas de Bouffan  donde sigue trabajando. A estos años pertenecen obras como el "Retrato de Louis-Auguste Cézanne, padre del artista, leyendo "L´Evenement" realizado en 1866 , el "Retrato de Achille Empéraire" donde retrata a su amigo, varias obras dedicadas al tema del sexo y la seducción como "La orgía" hacia 1864 y "La orgía y el banquete" en 1867  o el retrato de su amigo Émile Zola en 1869 en "La lectura de Paul Alexis en casa de Zola". En la exposición del Museo Thyssen-Bornemisza  sólo he visto dos obras pertenecientes a este período "Curva del camino en Provenza" de 1866 y una pequeña obra titulada "La cabaña" de la misma época. Todavía Cézanne esta buscando su propio lenguaje aunque ya muestra su preocupación por los colores  y las formas geométricas que iban a caracterizar gran parte de su obra. La pintura de estos años es denominada "el período oscuro" porque  utiliza sobre todo colores oscuros y en particular el negro, con una violencia expresiva que desaparecerá en sus obras posteriores donde el papel del color será clave  En lo que se refiere a  la vida sentimental del joven Paul estaba dominada por una marcada timidez en su trato con las mujeres  y, según lo califica Ulrike, "su pánico al contacto corporal" Pero en 1869 por fin entra una mujer en su vida, una joven encuadernadora llamada Marie-Hortense Fiquet(1850-1922)

"Retrato de Louis-Auguste Cézanne, padre del artista, leyendo L Evénement" realizado durante una estancia del pintor en  la casa paterna  en Aix en Provence .Como escribe Ulrike Becks en su biografía del pintor, Cézanne pinta aquí a su padre como un anciano venerable sin mostrar  el carácter dominante del padre de Cézanne y la humillante dependencia que Paul tuvo de su padre durante buena parte de su vida por falta de recursos económicos . El periódico elegido no es al azar, ya que "L´Evénement" era el periódico para el que trabaja Emile Zola, el gran amigo de Paul, Y detrás de la figura del padre podemos ver  el cuadro de un bodegón que es una obra de Cézanne, tal vez queriendo representar una armonía entre padre e hijo que nunca existió (Imagen procedente de http://www.artelista.com/ )

La joven Hortense, once años menos que Paul, además de su trabajo como encuadernadora también se ganaba la vida posando como modelo en la Académie Suisse donde pintaba Paul e iniciaron una relación . Y llega el año 1870 cuando la vida cotidiana se ve interrumpida por el estallido de la guerra entre Francia y Prusia, la Guerra Franco-Prusiana que se prolongará de julio de 1870 a mayo de 1871 , donde Francia será derrotada , causando la caída del emperador  Napoleón III y la proclamación de la III República Francesa. Para evitar ser reclutado por el ejército, Paul abandona París con Hortense  y se establecen  en un pueblo pesquero de Provenza próximo a Marsella,L´Estaque. ¿Por qué no había ido a la residencia familiar? Porque temía la reacción de su padre si se enteraba de la relación amorosa de Paul y que decidiera retirarle su ayuda económica vital para Paul que apenas ganaba dinero con la pintura.  Así que se establecen en L´Estaque y mantienen en secreto su relación . De vez en cuando seguirá pasando temporadas, en solitario, en la casa de campo familiar y se mantiene al margen de los acontecimientos que suceden en Francia. Hortense se convertirá en una de sus modelos más retratadas, siendo la protagonista de  más de cuarenta retratos , donde suele retratarla con un aspecto severo aunque lo que de verdad le atrae es pintar al aire libre, una atracción contagiada por quién Paul consideraba como su maestro y casi como un padre, Camille Pissarro. En 1871 termina la guerra, el Imperio Francés desaparece y es sustituido por la República. Con el cambio de régimen, también cambian los gobiernos municipales, y el nuevo consistorio de Aix en Provence le ofrece  participar en la escuela de dibujo y el museo de Aix en Provence, pero Cézanne no estaba interesado en nada que no fuera estrictamente la pintura y  se desentenderá de cualquier asunto público. 

"Curva del camino en Provenza" realizada en 1866 y que si puede contemplarse en la exposición del Museo Thyssen. El camino en la pintura tiene una finalidad tradicional, atraer la mirada del espectador hacia el interior del cuadro, siguiendo, como si fuera caminando por él, el recorrido del camino  Pero para Cézanne, las curvas de los caminos significan otra cosa,  es una promesa, una esperanza, porque ignoramos lo que hay detrás de la curva. Y como nada es casual en su pintura ¿por qué pinto un camino en curva y no recto?  El camino recto acorta el viaje , es más práctico, pero el camino  sinuoso aporta nuevos paisajes y sorpresas . Cézanne se desesperaba al contemplar como la sociedad moderna destruía el paisaje, la magia de la naturaleza y guardaba sin embargo su admiración para las calzadas romanas "Estos caminos romanos están siempre admirablemente situados , desde todos sus puntos  se ven cuadros. A nuestros ingenieros les trae completamente sin cuidado el paisaje" En la exposición podemos ver varios ejemplos de esta pintura de caminos como "El camino a Pontoise" de 1875-1877, "El camino del bosque" de 1870-1871 o "Curva del camino en el bosque " 1873-1875 (Imagen procedente de http://www.evangelizarconelarte.com )   

Cézanne se afana en representar el mundo provenzal, sus campos , su naturaleza que ve desaparecer ante sus ojos arrastrada por el progreso "Vivimos bajo la cédula de los inspectores de carreteras - se lamenta el pintor - es el reino de los ingenieros, la república de las líneas rectas" y se pregunta "¿Acaso hay una sola línea recta  en la naturaleza?  Lo tiran todo a cordel , tanto en la ciudad como en el campo?" y eso ha sucedido incluso en su Aix en Provence natal "La ciudad de Aix está estropeada por  el urbanista. Uno tiene que darse prisa si aún quiere ver algo. Está desapareciendo todo". Cézanne desconfía de todo menos de la naturaleza y se lamenta porque  es difícil pintar sin atraer la atención sobre su vida privada. Habría querido perderse en el bosque , diluirse en el paisaje de Provenza, esos paisajes que retrata en obras como "La trinchera con la montaña Sainte Victoire" donde por primera vez aparece un elemento que será una constante de su obra, y no sólo en los paisajes sino también en las naturalezas  muertas, la Montaña de Sainte Victoire , una montaña símbolo de Provenza con sus 1011 metros de altura. Paul Cézanne regresa con Hortense en 1872 a París pero sigue sin encajar en París y apenas se relaciona con nadie como nos lo cuenta uno de sus pocos amigos, el pintor Achille Empérarie "Lo encontré aquí olvidado de todos. No tiene ningún amigo inteligente o cordial. Es el tipo más solitario que uno se pueda imaginar." Una soledad que se verá interrumpida por el nacimiento de su hijo Paul y ese mismo año acepta la invitación de su querido Pissarro que vive en Pontoise, en el Valle del Oise al norte de París. A pesar del carácter reservado que ya conocemos de Cézanne, con el único que no tenía estas reservas era con Pissarro del que diría "Pissarro fue como un padre para mí, semejante al buen Dios" mientras que Pissarro es de los pocos que confía plenamente en el talento de Cézanne. 

"La trinchera de ferrocarril y la montaña Sainte Victoire" realizado en 1870 . Aquí ya vemos como abandona los tonos tan oscuros de su primera época  y emplea unos colores más vivos y luminosos característicos del impresionismo y sobre todo a la derecha podéis ver uno de los elementos más reconocibles en la pintura de Cézanne, casi una obsesión, la Montaña de Sainte Victorie  que aparecerá repetidas veces a lo largo de las siguientes décadas no sólo en los paisajes, sino lo que es más sorprendente, en las naturalezas muertas, los bodegones. Eso lo veremos mañana cuando lleguemos a esa etapa de su obra (Imagen procedente de http://elimpactoambiental.wordpress.com )

Cézanne envidiaba a Pissarro porque había nacido muy lejos de Francia, en las Islas Vírgenes, lejos de cualquier maestro y tendencia pictórica, libre para ser él mismo sin influencias de nadie. Pissarro le aconsejara  "Pinte usted siempre con los tres colores básicos(rojo, amarillo, azul) y sus combinaciones más inmediatas. No trabaje pieza a pieza. Emplee colores por todas partes observando atentamente la coloración, relacionándola con el entorno. Pinte con pequeñas pinceladas e intente así fijar sus percepciones. El ojo no debe concentrarse en un punto concreto, sino que debe percibir todo a la vez y captar al mismo tiempo los reflejos de los colores en su entorno. Trabaje usted conjuntamente el cielo , el agua, las ramas y la tierra y mejórelo constantemente hasta que todo concuerde. Pinte con decisión y sin remilgos pues es importante fijar la impresión primera. ¡Nada de timideces frente a la naturaleza! Uno debe tener el arrojo y correr el riesgo de equivocarse  y cometer fallos. Sólo hay un maestro : la naturaleza" La influencia de estos consejos en la obra de Paul sería decisiva . Era habitual verles a los dos sentados uno al lado del otro, con sus caballetes  trabajando sobre el mismo paisaje, pero con resultados diferentes, cada uno con su propia voz. Como recordaba después Paul "estábamos siempre juntos, a pesar de lo cual cada uno conservaba para sí lo verdaderamente importante, que son las propias sensaciones" Sus líneas de trabajo  avanzan como dos líneas paralelas , sin cruzarse pero siempre en la misma dirección. En realidad, Pissarro le estaba introduciendo en un nuevo estilo, el impresionismo, aunque  todavía nadie lo llamaba así. Pissarro dirá satisfecho de su amigo "Tenemos grandes esperanzas en nuestro amigo Cézanne. He visto un cuadro suyo de una fuerza notable y de gran expresividad . Si, como espero,  se queda un tiempo más en Auvers, donde él quiere vivir, llegará a causar la admiración de algunos artistas que lo han juzgado demasiado prematuramente"

Fotogafía de Paul Cézanne   (a la izquierda de la imagen con barba oscura) y Camille Pissarro tomada en 1874 en Auvers  Gracias a Pissarro , Cézanne abandonó por primera vez en su pintura los tonos oscuros , le anima a que emplee los colores básicos rojo , amarillo y azul y le insta a que se afán en llevar al lienzo lo que observe de la naturaleza que le rodea  sin realizar interpretaciones propias y , sobre todo, sin añadir elementos de la  fantasía. Es decir, llevar al cuadro la impresión que le causa lo que contempla, lo que está en la raíz del origen del impresionismo (Imagen procedente de http://artblogbybob.blogspot.com.es )

Durante su estancia con Pissarro conocerá al doctor Paul -Ferdinand Gachet (1828-1909) , un médico parisino cuyo apellido seguro que os resulta familiar y ello es porque fue amigo de otro pintor genial, Vincent van Gogh (1853-1890), del que haría dos retratos , uno de los cuales sería subastado por una cantidad record en 1990. Gran amante del arte y de los pintores alejados del academicismo de la Escuela de Bellas Artes, Gachet conoce a Cézanne a través de Pissarro y le invita a que se traslade a vivir con él en el cercano pueblo de Auvers y allí Cézanne sentirá por primera vez que alguien , al margen de Pissarro, aprecia de verdad su obra. Un año más tarde Pissarro le vuelve a ayudar presentándole a un comerciante de pinturas llamado Julien François Tanguy (1825-1894) , que también se interesará por la obra de Cézanne y a partir de ese momento le proporcionará material pictórico  a cambio de algunas de sus obras, algo que no venía nada mal a Cézanne que apenas tenía dinero para alimentar a su pequeña familia  y no le llegaba ni para comprar pintura. Los intentos de exponer en el Salón de París terminan en fracaso una y otra vez, y no sólo él sino otros pintores como  Claude Monet o Edgar Degas (1834-1917) están cansados de ver como año tras año sus obras son rechazadas por el Salón de París por no ajustarse a la ortodoxia de la Academia Francesa y deciden fundar la llamada Sociedad Anónima, cuyos estatutos fueron redactados por el propio Pissarro, y organizan la que llamaron Primera Exposición que tendría lugar entre en el 35 del Boulevard des Capucines en París entre el 15 de abril y el 15 de mayo de 1874. 

"La casa  de ahorcado en Vaubers" realizad entre 1872 y 1873  en el pueblo donde vivía el doctor Gachet, el hombre que le invitó a vivir una temporada en su casa junto a su familia, una época muy feliz para Cézanne que parece trasladarse a esta pintura luminosa y que es la misma que luego presentaría  en la conocida como Primera Exposición en 1874 y donde fue una de las pocas obras que logró encontrar comprador . En realidad ni él ni ninguno de los participantes en esta primera exposición del impresionismo  , lograría un verdadero beneficio económico, ni siquiera cubrían sus gastos  y Cézanne tendría que recurrir una vez más a la ayuda económica de su padre para salir adelante (Imagen procedente de http://www.theartwolf.com ) 

Se convertiría en la primera exposición del movimiento artístico que sería bautizado poco después con el nombre de Impresionismo. En él participaron 39 pintores de este nuevo movimiento que se alejaba de los cánones clásicos establecidos por la Academia de Bellas Artes, intentando plasmar la impresión, de ahí su nombre, que causaba en el artista la luz y el color en un instante concreto . El desarrollo y evolución del impresionismo rompería las rígidas reglas que habían dominado el arte en general y la pintura en particular, abriendo las puertas a nuevas formas de expresión y estilo que se sucederían durante las décadas siguientes desde el sintetismo al que se adscribiría parte de la obra del propio Gauguin, al fauvismo, el cubismo o la abstracción. Y entre aquellos pintores se encontraba Camille Pissarro y nuestro Paul Cézanne  . En cuanto al nombre con el que fue conocida esta nueva corriente del arte se debía al célebre crítico de arte francés Louis Leroy (1812-1885) que en la primera exposición de 1874 había descrito con estas palabras las sensaciones que le había provocado una de las obras expuestas, "Impresión, sol naciente" de Claude Monet "Me estaba diciendo a mí mismo que, dado que estaba impresionado, alguna impresión debía de haber en la obra ¡y que libertad, qué factura!El papel de empapelar  en su estado embrionario  está más acabado que esto!" Curiosamente, el título empleado por Leroy en su crítica sería por el que fue conocido el nuevo estilo pictórico, el Impresionismo. La exposición recibe las burlas tanto de la crítica como del público  y hay pintores como Édouard Manet, que ataca a Cézanne refiriéndose  a él como "un albañil que pinta con su paleta". Sin embargo, una de las pocas obras que se vendería en la exposición de los impresionistas sería "La casa del ahorcado en Auvers" de Paul Cézanne que fue vendida por 300 francos. . Aunque la exposición ha fracasado Cézanne se siente reforzado y escribe a su madre "Comienzo a sentirme superior a los que me rodean y usted ya sabe que he llegado a esa buena opinión de mi  sólo después de madura reflexión" A los treinta y cinco años de edad, en el ecuador de su vida, Cézanne comenzaba la época más productiva de su pintura que se prolongaría hasta el día de su muerte, pero eso lo veremos mañana en la segunda parte de la vida del considerado padre de la pintura moderna. 

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PAUL GAUGUIN, UN PINTOR EN BUSCA DEL PARAÍSO (PRIMERA PARTE)

¿Qué es el paraíso? Según el Diccionario de la Lengua Española el paraíso es "Cielo, lugar en que los bienaventurados gozan de la presencia de Dios" en una definición que une la palabra Paraíso con la historia bíblica recogida en el Génesis, donde podemos leer "Plantó después Yavé Dios un jardín en el Edén, al Oriente, y en él puso al hombre que había formado. Hizo Yavé Dios germinar del suelo toda clase de árboles agradables a la vista y apetitosos para comer, además del árbol de la vida , en medio del jardín, y del árbol de la ciencia del bien y del mal"(Génesis 2,8-11). Aquel jardín era el Edén , el Paraíso en la Tierra del que fue expulsado después de desobedecer la prohibición de comer del árbol de la ciencia del bien y del mal "¡He ahí al hombre que ha llegado a ser como uno de nosotros por el conocimiento del bien y del mal!No vaya ahora a tender su mano y tome del árbol de la vida, y comiendo de él viva para siempre!"(Génesis 3, 22-23) y concluye la historia el Génesis indicando que Yavé Dios "Arrojó, pues, al hombre y puso delante del jardín de Edén los querubínes y la llama de la espada flameante para guardar el camino del árbol de la vida"(Génesis 3,24). De esta forma narra la Biblia la expulsión del hombre del Paraíso y cuando un hombre busca un lugar donde encontrar la paz, donde evadirse del ruido del mundo y hallarse a sí mismo, se emplea la imagen del aquel Paraíso Perdido al que desde nuestro nacimiento querríamos regresar.

Se que es una forma un poco extraña de iniciar un artículo sobre la vida de un pintor, pero es que Paul Gauguin, del que en el momento en que escribo se está celebrando una exposición en el Museo Thyssen-Bornemisza con el título de "Gauguin, el viaje a lo exótico",  es el  pintor del paraíso perdido, el hombre que abandonó su familia, su hogar, su patria, para buscar muy lejos de allí el sentido de su existencia, pues no se sentía francés, ni europeo, su sangre, él lo sentía así, no pertenecía a aquel mundo civilizado, sino a un mundo más salvaje, libre  y espontáneo como escribió en una ocasión en 1889 en una  carta "Tu sabes que tengo sangre india, sangre inca, y esto se refleja en todo lo que hago, en la base de mi personalidad, intento confrontar la civilización podrida con algo más natural basado en lo salvaje" En aquel tiempo Gauguin estaba muy cerca de iniciar el viaje que cambiaría definitivamente su vida, pero no quiero adelantarme a la historia y vamos ahora  a remontarnos aún más en el tiempo, hasta el siete de junio de 1848 cuando nace en París Eugène Henri Paul Gauguin . Sus padres son el periodista Clovis Gauguin y Aline Marie Chazal.

"Barricade de la rue Sufflot" del pintor francés Émile Jean Horace Vernet(1789-1863)  que representa los combates en las barricadas que se levantaron en París entre el 23 y el 25 de febrero de 1848, donde miles de manifestantes exigieron la abdicación del rey Luis Felipe I de Francia , la aprobación del sufragio universal y el establecimiento de la II República, lo que finalmente lograron,una revolución que sería la primera de las muchas que se produjeron aquel año en toda Europa exigiendo el final definitivo de las estructuras del Antiguo Régimen. El nacionalismo y el liberalismo que habían germinado a lo largo de la primera mitad del siglo florecían ahora con toda su fuerza . El protagonista de nuestra historia, Paul Gauguin, nacía en los primeros meses de vida de la II República Francesa, un régimen apoyado por su padre, antimonárquico convencido que apenas cuatro años después tuvo que huir con toda su familia a América después del golpe de estado de Luis Napoleón Bonaparte en diciembre de 1851  (Imagen procedente de http://commons.wikimedia.org )



 Era aquella una época convulsa, y el mismo año del nacimiento de Gauguin , Europa fue recorrida por una sucesión de revoluciones , llamadas precisamente Revoluciones de 1848, donde las sociedades europeas quisieron sacudirse definitivamente las formas políticas del Antiguo Régimen y terminar con los gobiernos absolutistas impuestos en gran parte del continente después de la derrota definitiva de Napoleón Bonaparte (1769-1821) en la Batalla de Waterloo y la celebración del Congreso de Viena donde se restablecieron las fronteras y también los regímenes políticos absolutistas anteriores a la Revolución Francesa y el ascenso de Napoleón al poder. Pero durante toda la primera mitad del siglo XIX el liberalismo fue ganando fuerza apoyado por el incipiente espíritu nacionalista surgido del Romanticismo y también los primeros movimientos obreros que reclamaban no sólo mejoras en su calidad de vida sino también mayor participación en la política y gobierno de sus países. El descontento acumulado durante décadas desencadenó las revoluciones de 1848 y aunque finalmente fueron sofocadas mostraron que los días del absolutismo y del Antiguo Régimen en Europa estaban contados. Sería en Francia donde se iniciaría esta cadena de sublevaciones y supuso la caída del rey Luis Felipe I de Francia (1773-1850), el último de los reyes que tendría Francia, al tiempo que se proclamaba la II República Francesa.

Eran buenos tiempos para el padre del pequeño Gauguin, ya que Clovis Gauguin era un destacado periodista antimonárquico. Se elige como primer presidente de la nueva república a Carlos Luis Napoleón Bonaparte (1808-1873), sobrino de Napoleón  Bonaparte, por un mandato de cuatro años y comienzan a adoptarse medidas liberales como la abolición definitiva de la esclavitud en todos los territorios franceses e instaura el sufragio universal masculino. Pero el cargo de presidente de la República no incluía la posibilidad de reelección, algo que no gustaba a Carlos Luis Napoleón Bonaparte que ya en 1850 comienza a realizar viajes por todo el país para resaltar si figura ante el pueblo y forzar un cambio en el reglamento para poder ser reelegido. Los republicanos, entre los que estaba Clovis Gauguin, rechazaban esta propuesta , pero después de que  la Asamblea Nacional rechazara las pretensiones de Carlos Luis Napoleón de modificar la Constitución, este decidió tomar el poder por la fuerza y el 2 de diciembre de  1851 daba un golpe de Estado y el 21 de diciembre de ese mismo año organiza un plebiscito para dar una patina de legitimidad a su acción. Apenas un año después, el 7 de diciembre de 1852 , en un nuevo plebiscito controlado por Carlos Luis Napoleón, se pone fin a la Segunda República después de sólo cuatro años de existencia , y se proclama el nacimiento del Segundo Imperio y él se convierte en emperador con el nombre de Napoleón III.





Retrato del emperador francés  Napoleón III del pintor alemán  Franz Xaver Winterhalter (1805-1873), era sobrino de Napoleón Bonaparte y se convertiría en el primer y único presidente de la II República Francesa , entre 1848 y 1852 pero su ambición le hizo rechazar la restricción marcada por la constitución que limitaba a un sólo mandato la presidencia de la República y organizó un golpe de estado , proclamándose a continuación emperador de Francia con el nombre de Napoleón III al tiempo que iniciaba una persecución contra los que apoyaban el régimen republicano,como el padre de Gauguin. El joven Gauguin no heredaría de su padre sus inquietudes políticas, tal vez porque no llegó a conocerlo ya que murió durante el viaje a América , cuando Gauguin apenas tenía cuatro años de edad .  (Imagen procedente de http://commons.wikimedia.org )

El nuevo régimen inicia la persecución de los opositores y entre ellos estaba Clovis Gauguin que se ve obligado a huir, abandonando Francia en 1852  para buscar refugio en América, pero durante el viaje Clovis Gauguin fallece y Paul Gauguin queda al cuidado exclusivo de su madre que finalmente halla cobijo en el hogar de unos parientes que vivían en la capital peruana,Lima. Allí permanece el pequeño Gauguin, hasta que en 1855 regresan a Francia para vivir en la casa de su tío Isidore Gauguin en la ciudad de Orleans, donde también seguirá sus estudios hasta 1865. Con diecisiete años el joven Gauguin ya tenía un espíritu inquieto y aventurero y se enrola en la marina mercante , iniciando un periodo de viajes que se prolongaría durante gran parte de su vida. Permanecerá navegando durante cinco años, primero en la marina mercante y después en la Armada Francesa, hasta que en 1870 decide establecerse de nuevo en París con un empleo sorprendente, corredor de bolsa  en la Bolsa de París. Dos años antes, en 1868, había fallecido su madre, pero Gauguin no quedó desamparado ya que tuvo la protección de Gustave Arosa, un coleccionista de arte y próximo al círculo de los pintores impresionistas. En 1873  Gauguin contrae matrimonio con una joven danesa llamada  Mette-Sophie Gad con la que tendrá cinco hijos Émile(1874-1955), Aline(1877-1897), Clovis(1879-1900), Jean René(1881-1961) y Paul-Rollon(1883-1961).

El mismo año que nació su primer hijo, Émile Gauguin (1874-1955) que llegaría a ser un reconocido crítico de arte, Paul Gauguin conoce por intermediación de Gustave Arosa a uno de los principales representantes del impresionismo . Este nuevo estilo pictórico había recibido su nombre en 1873 aunque venía desarrollándose desde años antes. Ente sus pioneros se encontraban los pintores Claude Monet(1840-1926) y Edgar Degas (1834-1917). Monet había visto como sus obras habían sido rechazada año tras año por el Salón de París que admitía sólo las obras que seguían los esquemas establecidos por la Academia basados en una reproducción  fiel de la realidad que no tenía en cuenta los efectos de la luz mientras que Monet , Degas y otros jóvenes pintores defendían que la pintura debía ser más espontánea y recoger la sensación del instante, la impresión que en el momento causara en el artista la naturaleza que observaba. En el libro "Vidas secretas de grandes artistas", la escritora Elizabeth Lunday incluye estas palabras de Monet que resumen su filosofía artística y las intenciones del impresionismo "Trata de olvidar  que objetos tienes delante: un árbol, una casa, un campo. Simplemente piensa : aquí hay un pequeño rectángulo de color azul, allí una circunferencia rosa, ahí una raya amarilla , y píntalo tal y como te parece".

Portada del catálogo de la llamada Primera Exposición organizada por la Sociedad Anónima, fundada por Monet y Degas , que se convertiría en la primera exposición del movimiento artístico que sería bautizado poco después com Impresionismo. En él participaron 39 pintores de este nuevo movimiento que se alejaba de los cánones clásicos establecidos por la Academia de Bellas Artes, intentando plasmar la impresión, de ahí su nombre, que causaba en el artista la luz y el color en un instante concreto . El desarrollo y evolución del impresionismo rompería las rígidas reglas que habían dominado el arte en general y la pintura en particular, abriendo las puertas a nuevas formas de expresión y estilo que se sucederían durante las décadas siguientes desde el sintetismo al que se adscribiría parte de la obra del propio Gauguin, al fauvismo, el cubismo o la abstracción. Y todo empezó en el 35 del Boulevard des Capucines en París entre el 15 de abril y el 15 de mayo de 1874, fechas en que se celebró la Primera Exposición . El escritor irlandés Oscar Wilde resumiría la revolución del impresionismo con esta sencilla frase "Antes del impresionismo no había sombras azules."  (Imagen procedente de http://commons.wikimedia.org )

Cansados de la incomprensión de los ambientes académicos, Monet y Degas crearon la Sociedad Anónima en la que se integraron no sólo pintores sino también escultores y grabadores, que en 1874 organizaron la Primera Exposición, al margen del Salón oficial controlado por la Academia de Bellas Artes. Precisamente aquí se expondría una obra de Monet titulada "Impresión, sol naciente" cuyo título explicaría el propio Monet con estas palabras "El paisaje no es otra cosa que una impresión, una impresión instantánea , de ahí el título , una impresión que me dio. He reproducido una impresión en le Havre, desde mi ventana, sol en la niebla y unas pocas siluetas de botes destacándose en el fondo... me preguntaron por un título para el catálogo, no podía realmente ser una vista de Le Havre y dije "pongan impresión" Este título sería recogido por la prensa  con un tono irónico, como en la crítica publicada en el periódico satírico "Le Charivari" por el crítico, pintor y dramaturgo Louis Leroy  que bajo el título de "La exhibición de los impresionistas" escribió un artículo en el que indicaba su reacción ante la obra de Monet "Me estaba diciendo a mí mismo que, dado que estaba impresionado, alguna impresión debía de haber en la obra ¡y que libertad, qué factura!El papel de empapelar  en su estado embrionario  está más acabado que esto!" Curiosamente, el título empleado por Leroy en su crítica sería por el que fue conocido el nuevo estilo pictórico, el Impresionismo.

"Impresión , Sol naciente" de Claude Monet. Una pintura que retrata el puerto de Le Havre al amanecer y que realizaría Monet entre 1872 y 1873 y sería expuesto en en la Primera Exposición de 1874 . La crítica que sobre este cuadro realizó Louis Leroy serviría para bautizar al nuevo movimiento como Impresionismo. Fue ese mismo año cuando Gauguin, por medio de su tutor y protector Gustave Arosa, conoció a una de las figuras impresionistas, Camille Pisarro y entró en contacto con el mundo de la pintura. Años más tarde escribiría "El arte es plagiador o revolucionario." y  ese principio regiría su carrera como pintor, reinventándose e innovando y no limitándose a seguir el camino marcado por los impresionistas que fueron sus maestros  (Imagen procedente de http://commons.wikimedia.org )

Ese mismo año en que se celebraba la primera exposición impresionista, Gustave Arosa presentaba Gauguin a uno de los pintores de este movimiento, Camille Pisarro (1830-1903) y visita la exposición despertando su interés por el arte. En la exposición del Thyssen Bornemisza se explica que hubo una obra en concreto que no entra dentro del movimiento impresionista, aunque puede considerarse que su autor fue uno de los precursores del impresionismo, Eugéne Delacroix (1798-1863), y la obra que le causó esa impresión tan viva a Gauguin que le decidiría a tomar clases de pintura y convertirse en pintor era titulado "Femmes d´Alger dans un appartement" , traducido en la exposición como "Mujeres de Argel en un interior", realizado por Delacroix en 1834, dos años después de haber visitado el interior de un harén en la ciudad de Argel durante el transcurso de una misión diplomática al servicio de Francia. La técnica utilizada en esta obra y el intenso colorido de la composición inspiraría a los pintores impresionistas  y a Gauguin le decidiría a dedicarse a la pintura . En los años siguientes consagra cada vez más horas a estudiar y trabajar en la pintura, participando a partir de 1876 , apenas dos años después de conocer a Pisarro y visitar la exposición impresionista, en las siguientes exposiciones del movimiento impresionista.

El exotismo oriental y los brillantes colores de "Mujeres de Argel en sus habitaciones" de Eugéne Delacroix sería crucial en la vida de Paul Gauguin. Al menos, así se afirma en la exposición que el Museo Thyssen Bornemisza dedica cuando escribo este artículo al pintor francés. Cuando Gauguin quedó deslumbrado por esta obra que le decidió a dedicar su vida a la pintura . A partir de ese momento comenzó sus clases de pintura y  en 1876 ya participó en una exposición con los demás impresionistas. La obra de Delacroix es el resultado del viaje que el pintor había realizado en 1832 al norte de África en misión diplomática enviado por el rey Luis Felipe I . El empleo del color en la obra, la viveza de los verdes, rojos, amarillos inspiraría a los pintores impresionistas que le sucedieron, por lo que sería considerado el precursor del impresionismo.   (Imagen procedente de http://www.histoire-image.org )

Pero el 19 de enero de 1882 la Bolsa de París se hunde como consecuencia de la suspensión de pagos del banco Union Générale arrastrando en su caída a muchos agentes de bolsa y la propia Bolsa de París logra salvarse sólo gracias a un préstamo realizado por el Banco de Francia que la permitió tener liquidez suficiente para seguir funcionando. Pero esa ayuda no salvaría a Gauguin que ,como muchos otros agentes bursátiles, perdió su trabajo. Y en ese momento Gauguin vio aquello casi como una liberación, decidió dejarlo todo por lo que sentía que era su verdadera vocación , la pintura. Pero como podéis suponer, aunque la pintura era su pasión no le procuraba los mismos ingresos que su anterior trabajo y tratando de escapar de la pobreza viaja con su familia a la nación de su esposa, Dinamarca, estableciéndose en Copenhague, donde también vivían los padres de Mette-Sophie Gad, aunque las relaciones con ellos no son demasiado buenas. Tres años después de su llegada, en 1885 Gauguin decide regresar a París , acompañado por su hijo Clovis Gauguin(1879-1900),  mientras que el resto de la familia permanece en Copenhague ayudados por la familia de Mette.  Será una época muy dura, donde Gauguin coquetea con la pobreza hasta el extremo de que se ve obligado a enviar a Clovis a Dinamarca ante la imposibilidad de mantenerle, mientras que él se traslada a una pequeña población situada en la Bretaña y llamada Pont Aven.

Fotografía de la Pensión Gloanec , que había sido abierta en 1860 por Marie Joanne Gloanec(1839-1915) que se convertiría en punto de encuentro de muchos artistas de la época cuando se encontraban en Bretaña. En esta fotografía se puede ver a Paul  Gauguin segundo sentado por la izquierda  y Marie Jeanne Le Gloanec es la mujer que podéis ver en la ventana de la derecha. Sería aquí donde Gauguin haría amistad con el pintor Charles Laval con quién emprendería el viaje a América   (Imagen procedente de http://www.nieuwsbronnen.com)

Allí se alojará en la Pensión Gloanec, que era un lugar frecuentado por los pintores que visitaban la región  y será allí donde se encontrará con otro joven pintor, Charles Laval(1861-1894), del que también se pueden ver diferentes obras en la exposición del Thyssen, naciendo casi de inmediato una estrecha amistad entre ambos artistas. En la primavera de 1887 Gauguin propone a Laval que le acompañe en un viaje a América para escapar de la pobreza en que vivían en Francia y empujados por el anhelo de la aventura y el exotismo, de ver otros paisajes que alimenten su pintura.Gauguin escribe "Lo que más deseo es salir de París , que es un desierto para un hombre pobre . Me dirijo a Panamá para vivir como un salvaje". Su objetivo, como vemos , era Panamá, que en aquel momento pertenecía a Colombia y donde vivía su hermana Marie Gauguin que estaba casada con un colombiano que prometió a Gauguin un buen trabajo a su llegada y su primera visión del continente americano será la isla de Taboga, situada en el Golfo de Panamá y apenas a unos veinte kilómetros del emplazamiento de Ciudad de Panamá.  Conocida también como la "Isla de las Flores"  porque toda ella está cubierta de una exuberante vegetación, Gauguin escribe sobre  ella que  "está casi deshabitada y es muy fértil. Llevo mis colores y mis pinceles y me empaparé de ellos lejos de todos los seres humanos".

A continuación llega al continente y comienza a trabajar en el Canal de Panamá , cuyas obras se habían iniciado en 1882  bajo la dirección del empresario francés Ferdinand Marie de Lesseps(1805-1894), que ya había conducido con éxito las  obras de otra de las grandes obras de ingeniería del siglo XIX , el Canal de Suez que comunicaba el Mediterraneo con el Mar Rojo. Pero el ambiente de las selvas que rodeaban el lugar donde se estaban realizando las obras que pretendían cumplir el antiguo anhelo de unir el Pacífico con el Atlántico era particularmente insano. Se estima que sólo entre 1881 y 1889 murieron en su construcción, que no concluiría hasta 1914, más de veintidós mil hombres víctimas sobre todo del paludismo , disentería y otras enfermedades tropicales. El trabajo en el Canal es durísimo y Gauguin lo odia , apenas permanecerá quince días allí, no sin antes haber sufrido una detención por orinar en una calle.  Se ve obligado a guardar un tiempo de reposo para recuperar fuerzas y una vez que ya se siente mejor abandona Panamá y , siempre en compañía de Laval, pone rumbo hacia la isla de Martinica , situada en el Mar Caribe y parte de las Pequeñas Antillas que forman un arco que se extiende desde Puerto Rico hasta la costa de Venezuela.



"Idas y venidas. Martinica" fue pintada por Paul Gauguin durante su estancia en Martinica en 1887, en aquel primer viaje fuera de Europa, en el que , según sus propias palabras, pretendía "vivir como un salvaje" Aunque su estancia en Panamá fue muy dura debido a las enfermedades que le acosaron al igual que a su amigo Laval, en Martinica hallaría un vestigio que aquello que taba buscaba, el paraíso perdido. El título de esta obra "Idas y venidas" se lo puso Gauguin porque en él retrata las idas y venidas de las porteadoras de las exóticas frutas de la isla, desde las guayabas a los cocos y mangos,  que recorrían el camino  junto al que se hallaba el pintor realizando su obra . Pero los verdaderos protagonistas de esta obra no son las mujeres que llevan la fruta, sino el paisaje,  que aparece retratado como grandes manchas de un color vivo y brillante que transmite una sensación de vigor e intensidad . Al fondo de la obra podéis ver el volcán Monte Pelée en erupción . Esta obra la subastaría cuatro años después, en 1891, para financiarse con su venta el viaje a Tahití. Su comprador fue otro pintor, Edgar Degas(Imagen procedente de http://www.lokenter.com ) 

La isla, descubierta por Cristóbal Colón en 1502 , en manos de Francia desde el siglo XVII y de donde era originaria Josefina de Beauharnais(1763-1814), esposa de Napoleón Bonaparte, está dominada por un gran volcán , el Monte Peleé de 1392 metros de altura, cuyo nombre significa Montaña Pelada. Cuando Gauguin llegó allí debió admirarse de aquel enorme volcán que ya había entrado en erupción en diferentes ocasiones a lo largo del último siglo y que pocos años después, en 1902, volvería a asolar la isla en una catastrófica erupción que arrasó la capital de la isla , Saint Pierre, y causó más de treinta mil muertos. Pero en aquel momento la isla le pareció a Gauguin un auténtico paraíso  y escribe en una carta  "A ambos lados cocoteros y otros árboles frutales, pero lo que más me agrada son las figuras. Todos los días hay un vaivén con negras ataviadas con ropas de mil colores , de movimientos gráciles  e infinitamente variados" Comienza a trabajar inspirado por la belleza que le rodea "De momento me limito a hacer boceto tras boceto, para empaparme de su carácter, más tarde las haré posar. Llevan pesadas faldas en la cabeza y al mismo tiempo van parloteando incesantemente. Sus ademanes son muy particulares  y las manos desempeñan un papel enorme en armonía con los balanceos de sus caderas ".  Entre los cuadros de esta época se puede ver en la exposición "Idas y venidas. Martinica" , pintado por Gauguin en 1887  y también una obra de su compañero de viaje, Charles Laval, "Paisaje de Martinica".

Pero después de esta primera incursión en ese mundo exótico y salvaje, al menos así lo veía Gauguin, las enfermedades y la debilidad le obligan a regresar a Francia. Laval, también muy enfermo, aun permanecería unos meses más en las Pequeñas Antillas enfermo de disentería y su estado llega a ser tan lamentable que incluso piensa en suicidarse, aunque finalmente mejora y regresa también en 1888. Mientras, Gauguin, ya en  París , encuentra el apoyo de Theo Van Gogh (1857-1891), un exitoso marchante de arte holandés que era además hermano de un desconocido pintor llamado Vincent Van Gogh(1853-1890). Theo le ayudará a salir adelante e incluso le organizará una exposición de su obra mientras Gauguin regresa de nuevo a Bretaña, a Pont Aven, donde varios jóvenes pintores se convierten en sus discípulos, como Émile Bernard(1868-1941), Paul Sérusier(1864-1927) y Maurice Denis(1870-1943). Estos jóvenes, liderados por Sérusier, formarían el grupo Nabis que sobre todo se preocupaban por el color , influenciados por Gauguin. Pero el propio Gauguin recibiría la influencia de uno de sus discípulos, Émile Bernard, que buscaba una forma de pintar aún más espontánea que el impresionismo y que recibiría el nombre de Sintetismo , resumida por Maurice Denis  con estas palabras "Es bueno recordar que una pintura, antes de ser un caballo de batalla, una mujer desnuda o alguna otra cosa es, esencialmente, una superficie plana cubierta con colores conjuntados en un cierto orden."  Esta corriente pictórica a la que se iba a unir Gauguin recibía el nombre de sintetismo porque trataba de  sintetizar en la obra el color, los sentimientos del artista y la apariencia externa de lo retratado.

 "La visión tras el sermón" fue pintada en 1888 por Gauguin durante su segunda estancia en Pont Aven después de su regreso en 1887 de su viaje por Panamá y Martinica. Allí se rodeó de un grupo de jóvenes pintores como Maurice Denis, Émile Bernard y Paul Sérusier que formaron el grupo Nabis, cuyas obras fueron la base del estilo pictórico conocido como Sintetismo, de la que "La visión tras el sermón" es una de las obras más destacadas. Gauguin representa la escena bíblica de la lucha de Jacob contra un ángel  descrita en el Génesis "Quedóse así Jacob solo, y un hombre  luchaba con él hasta despuntar el alba. Viendo el hombre que no le  podía , le golpeó en la articulación  del muslo y se descoyuntó  el tendón de Jacob durante la lucha con él" Gauguin trata de captar y transmitir los sentimientos que esta lucha despierta en los fieles que salen de la iglesias después de acudir a misa. La obra está influenciada por la pintura japonesa entre otros elementos por la postura que adoptan Jacob y el ángel como si fueran dos luchadores de sumo, mientras que el árbol que veis en la parte central de la composición simboliza la división entre el mundo real de las feligresas y el mundo fantástico o imaginario donde se desarrolla la escena de la pelea. . Es evidente en la obra una de las características principales del sintetismo, el uso libre del color que no tenía que ajustarse a la realidad sino a los sentimientos del artista. En este caso la hierba no aparece en su color verde natural, sino de un rojo brillante que acentúa el dramatismo de la escena (imagen procedente de http://www.foroxerbar.com )


Es entonces cuando Gauguin acude a la población de Arlés en respuesta a la insistencia de Vicent Van Gogh, que residía allí y había  alquilado una casa que le había llamado la atención por el color amarillo de su fachada con el objetivo de convertirla en un estudio de artistas. Aunque Gauguin era reacio , será Theo el que le convenza y cuando se lo comunica a Vincent este se entusiasma , prepara con esmero la habitación que ocupará su amigo y la decora pintando en sus paredes girasoles y naturalezas muertas. Su hermano Theo, una vez más, le había enviado el dinero necesario para acondicionar su querida casa amarilla para convertirla en su soñado estudio para artistas al que pensaba llamar "L´atelier du Midi" . Vincent había invitado a otros artistas pero Gauguin era el único que había respondido ante la insistencia de Theo.Ya conté esta historia en el artículo que dediqué a Van Gogh pero es necesario recuperarla ahora que se cruzaban los destinos de los dos pintores. Gauguin llega a Arlés  el 21 de octubre y espera establecer una relación con Vincent como la de un maestro con su alumno, y durante las primeras semanas Vincent le sigue a todas partes casi como haría un niño. Gauguin le anima a que pinten juntos diferentes partes históricas de Arlés.

Sin embargo , el carácter de Vincent no estaba hecho para ser sumiso durante mucho tiempo y actuar como un alumno ante su maestro, y pronto comenzarán las discusiones y los enfrentamientos ante las diferentes formas de ver el arte que ambos mantienen. La situación llega a un punto de no retorno la noche del 23 de diciembre de 1888 . Sobre lo que pasó entonces hay diferentes versiones, ya que Vincent nunca habló de ello en sus cartas y la versión que tenemos de Gauguin debe ser mirado con precaución ya que él estaba implicado directamente en este hecho. Me remito a las palabras del escritor y periodista español  Juan Antonio Cebrián(1965-2007) en su obra "Pasajes de la historia", que relata así lo que pudo haber sucedido "Gauguin le dice a Van Gogh que piensa regresar a París; entonces , Vincent, en un arranque de rabia inusitado, empuña una navaja de afeitar intentando agredir a un templado Gaugin, que se limita a mirar fijamente al embrutecido Vincent; esto es suficiente para que Vincent, destrozado por lo que había estado a punto de cometer, corte de un tajo el lóbulo de su oreja derecha;era su forma de pedir perdón por el demonio que le ahogaba por dentro" Como veis se cortó nada más que el lóbulo y no la oreja entera, Cebrián dice la derecha en otros libros dicen que es la izquierda, como nos ha dado a conocer el cine en algunas de sus versiones sobre este hecho.

"Van Gogh pintando girasoles" , realizado por Paul Gauguin en 1888 durante su estancia en Arlés junto a Vincent Van Gogh, donde retrata al genial pintor con uno de los motivos principales de su obra, los girasoles. Van Gogh había decorado la habitación que preparó lleno de ilusión para Paul Gauguin con girasoles . Así lo describía el propio Gauguin "En mi habitación amarilla había girasoles de ojos púrpura sobre un fondo amarillo. Estaban en un jarrón amarillo sobre una mesa amarilla. En una esquina del cuadro estaba la firma del pintor: Vincent. El sol amarillo que brillaba a través de las cortinas amarillas de la habitación inundaba de oro toda esta magnífica flor. Oh, sí, el divino Vincent amaba el amarillo .Yo adoraba el rojo" Estas diferencias entre ambos no se iban a limitar a los colores y podéis ver en el texto el tumultuoso final que tuvieron , dando lugar a una de las escenas más celebres de la vida de ambos artistas. El retrato parece reflejar el tenso estado mental de Van Gogh, como él mismo reconocería después de observar la obra de Gauguin "Era yo realmente, tal como estaba entonces, extremadamente cansado y cargado de tensión.", una tensión que Gaugin trata de reflejar en el movimiento crispado del brazo estirado sobre el lienzo y la mirada  errática de Van Gogh. Fue realizada en diciembre de 1888 poco antes de que se produjera la violenta ruptura entre ambos, que a pesar de ello siguieron admirándose mutuamente (imagen procedente de http://commons.wikimedia.org )

Pero no acaba aquí la truculenta escena pues "con la oreja ensangrentada , lleva la parte seccionada a un prostíbulo que él frecuentaba para que Rachel, su favorita, cuide de aquel trozo" La versión de Gaugin era que el propio Vincent se había autolesionado después de enterarse de la noticia del matrimonio de su hermano con Johana Gesina Bonger (1862-1925) . Sea como fuere la mañana del 24 de diciembre el comisario de policía de Arlés halló a Vincent en la cama de su casa con la oreja ensangrentada y el lóbulo seccionado. Fue traslado al hospital Hôtel-Dieu de Arlés mientras que Gaugin se alejaba de allí y no volvería a ver nunca más a Vincent. Y así llegamos a 1891 , cuando un Gauguin arruinado y enfermo decide emprender su particular búsqueda del Paraíso Perdido y en esta ocasión su destino serán los confines de las posesiones francesas en el Pacífico, la Polinesia, gracias al éxito de una exposición donde contribuyó a ello las excelentes críticas realizadas por uno de los más importantes críticos de arte de la segunda mitad del siglo XIX, Octave Mirbeau(1848-1917). La época más importante en la  vida de Gauguin y la que le haría pasar a la historia del arte iba a comenzar pero eso lo veremos mañana en la segunda parte de esta historia.