CAMILLE PISSARRO, EL PINTOR TRANQUILO

 

Hace un día desapacible, el cielo presenta un color gris amenazador, el viento es frío para ser el mes de junio y lejos de ser un día del final de la primavera más bien pareciera un anuncio del próximo otoño. Añoras la luz del verano que no llega, los prados bañados por la luz del sol, la suave brisa que te acaricia en una tarde estival, las profundas sombras de las arboledas que te ofrecen cobijo bajo sus ramas del calor inclemente. Añoras esa imagen del campo que los habitantes de las grandes ciudades, rodeados de asfalto, de ruido, de gente, de humo , hemos idealizado en nuestras mentes como una especie de paraíso perdido , un reducto de paz , de armonía , donde recuperaríamos el contacto con nuestra esencia. Recuerdas las palabras del escritor francés Víctor Hugo  "Produce una inmensa tristeza pensar que la naturaleza habla mientras que el género humano no escucha." y sientes que es verdad, que nos hemos olvidado de ella entre nuestras prisas cotidianas, nuestros edificios de cristal y hormigón que nos aislan del lugar de donde venimos, de esa naturaleza que siempre fue nuestro hogar y que ahora mantenemos alejada, maltratándola. Pero entonces atraviesas la puerta de un museo, pagas tu entrada y penetras en la sala donde se exponen las obras de un pintor que conoces vagamente pero que no tiene el renombre de las grandes figuras de la pintura y , de repente, te hallas inmerso en esa naturaleza que añorabas, desde docenas de cuadros parece como si se abriera una ventana a una naturaleza cálida, acogedora, apacible de brillantes colores verdes, de cielos azules, de caminos rurales que se pierden en bosques y campos, de pequeñas aldeas rodeadas de  huertas donde los labriegos trabajan en las faenas agrícolas como si apenas hicieran esfuerzo alguno, disfrutando de la libertad de un mundo sin patronos, sin horarios, sin prisas.  Miras el nombre del pintor. Es Camille Pisarro.


Autorretrato de Camille Pissarro realizado en 1903 , el mismo año de su muerte y con el que curiosamente la exposición del Museo Thyssen-Bornemisza abre esta muestra de su pintura y que yo también he escogido para abrir este artículo. Considerado "padre del impresionismo" aunque no fue el único, pues el movimiento surgió de la unión de las inquietudes de varias decenas de pintores entre los que estaban Claude Monet(1840-1926), Edgar Degas(1834-1917), Paul Cézanne (1839-1906) o Pierre Auguste Renoir (1841-1919)  que en 1874 se organizaron en la llamada Sociedad Anónima y realizaron su propia exposición al margen del Salón Oficial de París, patrocinado por la Academia de Francia  y donde una vez tras otra habían sido rechazadas las novedosas técnicas pictóricas de este grupo de inquietos artistas que buscaban una nueva forma de expresión. Gracias a ellos el arte abrió una puerta a la experimentación que ha seguido abierta desde entonces. A Camille Pissarro, el mayor en edad de este grupo , le cupo el honor de escribir los estatutos de aquella Sociedad Anónima y convertirse en una especie de padre de aquellos pintores que iban a revolucionar el arte (Imagen procedente de http://www.museothyssen.org )

 

No exagero al deciros que eso es lo que me transmitió la visita a la  exposición que el Museo Thyssen -Bornemisza de Madrid  dedica al considerado "padre del impresionismo" al que yo no conocía demasiado al margen de su relación con otros pintores contemporáneos y amigos suyos como Paul Cézanne(1839-1906) o Claude Monet (1840-1926) , pero una de las grandes ventajas de vivir en una ciudad con grandes museos como Madrid es poder remediar parte de esa ignorancia dejándote seducir por una magnífica exposición como la que podrá verse hasta septiembre de este año 2013. Y quería compartir con vosotros a través de este relato  la vida de  un pintor que no tiene el dramatismo y la pasión de otros pintores del siglo XIX, aquellos hombres que revolucionaron la pintura buscando nuevas respuestas llenas de audacia, tanto en el color como en las formas , descubriendo un nuevo mundo que hasta entonces había permanecido oculto a nuestros ojos. En efecto, la vida de Pissarro no fue tan intensa en acontecimientos dramáticos como la de un Van Gogh (1853-1890) o la del propio Cézanne,  y por eso he titulado este artículo como "El pintor tranquilo" porque es lo que transmite Pissarro en sus obras, armonía, paz, tranquilidad en un entorno donde la naturaleza es la protagonista, pero una naturaleza domesticada por el hombre, un campo amable en el que el ser humano puede ser feliz y vivir en paz y armonía con lo que le rodea.  Y ahora os invito a que me acompañéis a conocer mejor a este hombre que tuvo que trabajar y luchar mucho para sacar a su familia adelante, pero que supo comunicar a través de su obra su espíritu bondadoso, alegre y amable que quedaba demostrado en esas palabras del escritor Émile Zola sobre la obra de Pissarro "Un buen cuadro de este artista  equivale a la acción de un hombre honrado".

Esta obra junto con la siguiente que os adjunto, la acuarela "Bananeros" , son las únicas de las obras de Camille Pissarro que os incluyo en este artículo no que están en la exposición del Museo Thyssen, pero la incorporo aquí porque además de ser una de sus pinturas de la primera época de Pissarro retrata a su tierra natal, la isla de Saint Thomas, en el Mar Caribe. Se titula "Dos mujeres a la playa" y fue pintada en 1856, cuando Pissarro tenía veintiséis años y había dejado ya su tierra natal para instalarse definitivamente en Francia y seguir su vocación artística después de convencer a sus padres. Muchos años después ,en 1896 , Pissarro hablará en nombre de toda aquella generación de pintores  que durante la segunda mitad del siglo XIX cambiaron la forma de ver el arte " No estamos pidiendo ser mejor considerados que los pintores clásicos - decía Pissarro -, sino que nos dedicamos a la búsqueda de nuestro propio sentimiento, lo que es diferente"  Aquellos hombres, como ´haría Pissarro a lo largo de toda su vida, buscaban una forma de expresarse al margen de los cánones establecidos. El impresionismo no fue más que otra estación en ese camino, al que seguirían otros caminos como el puntillismo, el fauvismo, el cubismo o la abstracción, diferentes nombres para un mismo objetivo, la búsqueda de dar vida a los sentimientos , a las emociones, a la propia visión del mundo de cada artista que luego ofrecen al espectador para que a su vez desarrolle su propia visión (Imagen procedente de http://www.reproarte.com )

Hay una versión muy resumida de las primeras décadas de vida del pintor que nos ha dejado él mismo en una carta dirigida a su marchante  y que nos recuerdan en esta exposición "Esta es mi biografía - nos dice Pissarro - Nacido en Saint Thomas. Vine a París en 1841 para entrar en la pensión Sabory. Al final de 1847 regresé a Saint Thomas , donde comencé a dibujar mientras estaba empleado en una casa de comercio. En 1852 abandoné el comercio y partí con Fritz Melbye, pintor danés, a Caracas, Venezuela, donde me quedé hasta 1855, en que regresé a París a tiempo para pasar tres o cuatro días en la Exposición Univeral. A partir de entonces me establecí en Francia .En cuanto al resto de mi historia como pintor está vinculada al grupo impresionista". Pero creo que  esto, si bien es conciso y cierto, resulta demasiado breve así que mejor vamos a viajar hasta el 10 de julio del año 1830 cuando en la caribeña isla de Saint Thomas, que desde el siglo XVII se hallaba en manos danesas y que sería adquirida por Estados Unidos en 1917 por veinticinco millones de dólares formando ahora parte del norteamericano archipiélago de las islas Vírgenes, nacía un niño al que sus padres pusieron por nombre Jacob-Abraham-Camille Pissarro . Era el tercero de los cuatro hijos de Abraham Gabriel Pisarro, un judío sefardí que a finales del siglo XVIII había emigrado junto a sus padres desde la portuguesa población de Braganza hasta la ciudad francesa de Burdeos , y de la dominicana Rachel Manzano-Pomié . Una curiosa mezcla de sangre en una familia adinerada que permitiría a Camille formarse bien y viajar. Como el mismo contaba había viajado a París en 1841 para continuar sus estudios y seis años después regresaba a su patria natal para ayudar a su padre en el negocio que tenía en la isla.



Acuarela "Bananeros"  realizada en 1854 durante su estancia en Venezuela  donde permanecería durante dos años junto a su amigo y primer maestro, el pintor danés Fritz Sigfred Georg Melbye, al que a su vez había conocido en Saint Thomas. No era no era extraño que hubiera encontrado al artista danés allí  ya que la isla pertenecía entonces a Dinamarca. Ya en estas primeras obras vemos su interés por el que iba a ser el motivo principal de casi toda su producción pictórica hasta la década de 1890, los paisajes. Sería en las últimas dos décadas de su vida cuando debido la ciudad, los puertos y los puentes se convirtieron en los protagonistas de sus obras, en gran parte debido a una dolencia ocular que le impedía pintar al aire libre  a partir de 1896 (Imagen procedente de http://commons.wikimedia.org )

 

Pero ya entonces tenía clara su vocación artística y aprovechaba cualquier momento libre en sus ocupaciones cotidianas para dibujar aquello que sería el distintivo de su obra , los paisajes tomado al natural. En una de estas excursiones a la naturaleza se encontró con el pintor danés Fritz Sigfred Georg Melbye (1826-1869), que se había establecido en 1849 en Saint Thomas. Entre los dos nace una estrecha amistad y Melbye se convierte en el maestro de Pissarro y será quién le anime a acompañarle en 1850 a un viaje a la República Dominicana , pasando unos meses en la ciudad de Santo Domingo donde Melbye pinta la que podría ser la primera obra sobre un paisaje de la República Dominicana  y Pissarro también realiza varias acuarelas. Después de unos meses allí regresan a Saint Thomas y a continuación Fritz viaja a Venezuela. Regresa un año después aunque sólo para volver a viajar a Caracas en 1852 y ahora acompañado por el joven Pissarro. Los dos pintores pasarán los siguientes dos años en Venezuela . Melbye decide quedarse durante más tiempo pero en 1854 Pissarro regresa a Saint Thomas y convence a sus padres para que le permitan viajar de nuevo a París para dedicarse a lo que sabía que era su verdadero destino , la pintura. Llega a la capital francesa en 1855 justo cuando se celebra la Exposición Universal que tendría lugar entre el 15 de mayo y el 15 de noviembre de 1855 bajo el título de  Exposición Universal de los productos de la agricultura, de la industria y las bellas artes de París . Era la primera de estas exposiciones universales que reservaba un espacio a las bellas artes y allí entraría en contacto Pissarro con las nuevas tendencias pictóricas representadas por pintores como Jean-Baptiste Camille Corot (1796-1875), uno de los mejores paisajistas de su época rompiendo con el academicismo anterior con una pintura más fresca y espontánea que abandonaba el estudio para retratar la naturaleza con el caballete inmerso en ella.

"Vile d´Abray" de Jean Baptiste Camille Corot realizada hacia 1867. Esta obra, que por supuesto no se encuentra incluida dentro de la exposición dedica a Pissarro ya que es de uno de sus maestros, la incluyo sólo para que la comparéis con la que os he puesto un poco más arriba, "Dos mujeres a la playa", realizada en 1856, un año después de conocer a Corot. Si os fijáis  hay cierto parecido en la forma difuminada en que se representa la escena, lejos del detallismo característico de las obras academicistas aceptadas en la época que buscaban representar la realidad como si fuera una fotografía, sin dejar libertad para la propia traducción de esa realidad por parte del artista. El propio Corot tuvo que soportar muchas críticas que le consideraban un pintor mediocre que dejaba sus pinturas incompletas. Corot fue uno de los precursores del impresionismo, aunque luego no apoyaría directamente el movimiento impresionista porque no estaba del todo de acuerdo con las avanzadas ideas sociales de este grupo. El propio Pissarro, su discípulo, mostraría a lo largo de toda su vida una gran simpatía hacia el anarquismo y las ideas socialistas     (Imagen procedente de http://commons.wikimedia.org )

La obra de Corot era controvertida y algunos le acusaban de no terminar sus cuadros, ya que era una pintura más ligera que la de los academicistas, y hasta el poeta Charles Baudelaire tuvo que salir en su defensa "Existe una gran diferencia entre un cuadro hecho y un cuadro acabado... La mirada del público está tan acostumbrada a esas piezas brillantes, limpias e industriosamente bruñidas que a Corot siempre se le reprocha que no sabe pintar." La influencia de Corot iba a ser decisiva para la formación de Pissarro que en estos años se dedica ,al igual que Corot, a la realización de paisajes al tiempo que perfecciona su estilo estudiando en la Escuela de Bellas Artes y la Academia de Jules Suisses donde conocería a dos de sus grandes amigos, los pintores Claude Monet y Paul Cézanne. Ellos serían algunos de los impulsores de un movimiento que unos años después iba a revolucionar el arte. Pero antes, en 1859, Pissarro participa por primera vez en el Salón Oficial de París  donde se exponían obras de pintores bajo el control de la Academia de Bellas Artes que era quién juzgaba que obras podían ser exhibidas y admitía sólo las obras que seguían los esquemas establecidos por la Academia basados en una reproducción  fiel de la realidad y rechazando cualquier obra que no cumpliera con los cánones establecidos por ellos. Monet, Cézanne y Pisarro ya son amigos y Pissarro acompaña en algunas excursiones al campo a Monet para pintar paisajes del natural y tratar de captar como la luz puede transformar lo que se retrata, algo que iba contra la ortodoxia de la Academia.  Un cambio se estaba fraguando .

Fotografía de Camille Pissarro y su esposa Julie Velay en 1877 cuando el pintor contaba con cuarenta y siete años de edad. Tendrían en total ocho hijos y la amplia producción artística de Pissarro en lo que se refiere al número de cuadros  se debe en buena parte a la necesidad de mantener a su gran familia. Para casarse con Julie tuvo que romper las convenciones sociales y la oposición de sus padres que se negaban a que su hijo se casara con aquella mujer de inferior clase social, ya que trabajaba para ellos como criada aunque era hija de un viticultor, y no era judía como Pissarro y su familia. Nada de eso impediría que ambos pasaran juntos el resto de su vida    (Imagen procedente de http://commons.wikimedia.org )

Pissarro sigue apareciendo en el Salón Oficial donde es anunciado como un discípulo de Corot. En 1866 Pissarro se establece durante dos años en la pequeña población de Pontoisse , con unos seis mil habitantes entonces, situada en la Isla de Francia, la región francesa cuya capital es la propia París. A lo largo de los siguientes veinte años Pissarro vivirá de forma intermitente en esta ciudad  que habría elegido tal vez porque ningún otro pintor se había asentado en aquella zona, por lo que podía trabajar sin que nadie dijera que seguía los pasos de otros artistas. En los cuadros de estos años comienza a mostrar la madurez de su estilo, que adquiere unos tonos más vivos y luminosos, dejando atrás los colores más sombríos de sus primeros años. Unos años antes, en 1860, había conocido a una joven de veintidós años , Julie Velay(1838-1926), que trabajaba en la casa de sus padres como criada y se enamora de ella . La relación escandaliza a sus padres, tanto por la baja condición social de Julie como por no ser judía, pero Pissarro no piensa dejarla, mostrando ya su carácter independiente y contrario a los convencionalismos de la sociedad de su tiempo que luego le llevará a adoptar una actitud de simpatía hacia el pensamiento socialista y anarquista .Ya en 1869 se establece junto con Julie en Louveciennes, otra localidad en la región de París, pero pronto tendrán que abandonarla , porque en julio de 1870 estalla la guerra entre Francia y Prusia  que tendrá un desarrollo catastrófico para los intereses de Francia y en septiembre las tropas prusianas ponen cerco a París. Antes, muchos franceses habían buscado refugio lejos de la ciudad, entre ellos el propio Pissarro que había viajado con su amada Julie a Inglaterra. Ambos se casarán en Londres en 1871 y a lo largo de su matrimonio tendrán ocho hijos, lo que obligará a Pissarro a trabajar durante toda su vida con gran intensidad para mantener a una familia tan amplia.

La Varenne Saint Hilare vista desde Champigny hacia 1863 , una de las obras donde ya reconocemos al Camille Pissarro impresionista con uno de sus motivos principales, los campos de Francia, bañados por la luz del sol , cono verdes intensos y con el hombre integrado en la naturaleza, pero una naturaleza domesticada por la mano del hombre . El comisario  de la exposición de Pissarro y director del Thyssen-Bornemisza,  Guillermo Solana , explica sobre nuestro protagonista "Así como Monet, Renoir entre otros estaban interesados en el estudio estético de la burguesía parisina y asumían el campo sólo como espacio de ocio y descanso, Pissarro decide vincularse a un espacio concreto y profundizar en el paisaje elegido, los pueblos donde vivió como Louveciennes, Pontoise y Éragny, en sus gentes y costumbres" Una pintura aparentemente sencilla, pero que nos transmite el amor que Pissarro  sentía por aquel mundo donde el hombre y la naturaleza conviven en armonía, una mirada idealizada donde no caben el sufrimiento del trabajo en el campo sino la satisfacción de la labor realizada y el saberse dueño de su propio tiempo. Era un mundo sin patronas y donde el sol marcaba el ritmo de la vida   (Imagen procedente de http://www.quadri-e-stampe.it ) 

 Pissarro se llevará allí la sorpresa de encontrarse también con su amigo Claude Monet y trabajarán juntos durante todo aquel año que permanecieron en la capital inglesa . Escribe Pissarro sobre aquellos días y también sobre las obras de los maestros ingleses que conocieron allí, como las de Willian Turner (1775-1851) considerado "el pintor de la luz" que tendría una considerable influencia en el movimiento impresionista del que tanto Monet como Pissarro estarían entre sus fundadores "Monet y yo estábamos llenos de entusiasmo por los paisajes de Londres . Monet trabajaba en los parques mientras yo, que vivía en Lower Norwood , un suburbio encantador por entonces, estudiaba los efectos de la niebla , de la nieve y de la primavera. Trabajábamos del natural. También visitábamos los museos. Las acuarelas y los cuadros de Turner y de Constable, las telas de Old Crome, tuvieron indudablemente una influencia en nosotros" y añade "Sobre todo nos sentíamos impresionados por los paisajistas que entraban más en nuestras visiones sobre el aire libre , la luz y los efectos fugitivos"  Aquí se despojaría Pissarro definitivamente de los tonos oscuros de su pintura que se vuelve luminosa, esa luminosidad que ,como os decía al principio del artículo, te deslumbra cuando te hallas ante sus paisajes que parecen ventanas abiertas a la naturaleza. Tanto Monet como Pissarro desarrollarían aquí la técnica del impresionismo. Claude Monet escribiría tiempo después estas palabras que resumen su filosofía artística y las intenciones del impresionismo "Trata de olvidar  que objetos tienes delante: un árbol, una casa, un campo. Simplemente piensa : aquí hay un pequeño rectángulo de color azul, allí una circunferencia rosa, ahí una raya amarilla , y píntalo tal y como te parece".

"Camino de Versalles, Louveciennes. Sol de invierno y nieve " realizada en 1870 , el mismo año en que estuvo allí con él su amigo Claude Monet. Ambos realizarían obras sobre un mismo motivo pero cada uno de ellos con su propia interpretación. En esta pintura en concreto aparece uno de los motivos más representados en los cuadros de sus primeas décadas, los caminos que se dirigen hacia el fondo del cuadro, invitándonos a seguirlo con la mirada, a querer recorrerlo para averiguar hacia donde nos conduce. . Los árboles marcan nuestra mirada  pero no están dispuestos simétricamente, como exigía el academicismo imperante, sino que los vemos situados de forma irregular. Sin embargo , las sombras que se proyectan sobre el camino si son simétricas, lo que nos hace suponer que hay otros árboles que no salen en la imagen pero que proyectan esas sombras. Aunque esto os pueda parecer irrelevante inquietaba a los críticos de arte de su tiempo que acusaban a Pissarro de "obligar a los espectadores a suponer demasiado". La imaginación no estaba precisamente muy valorada   (Imagen procedente de http://www.museothyssen.org )

En 1871 termina la guerra franco-prusiana y Pissarro y su ya esposa Julie regresan a su hogar en Louveciennes para descubrir que había sido saqueada por las tropas prusianas y deciden establecerse de nuevo en Pontoise y permanecerán allí hasta 1882. Durante su estancia en Londres había conocido al marchante de arte Paul Durand-Ruel (1831-1922) que será uno de los principales apoyos para los pintores impresionistas cuando el movimiento comience su andadura en el mundo del arte ante la incomprensión de los académicos. En 1873 recibe en su hogar de Pontoise a su amigo Paul Cézanne y al igual que había sucedido con Monet en Londres, ambos trabajarán juntos  realizando diferentes versiones de un mismo motivo, como una calle o un paisaje. Sobre Cézane escribe en 1872 "Nuestro Cézanne nos da muchas esperanzas. Tengo en mi casa una pintura de notable vigor , de fuerza notable. Si, como espero, permanece durante un tiempo en Auvers , donde va a residir, muchos artistas que lo condenaron apresuradamente se asombrarán" Vemos en sus palabras el carácter bondadoso y protector de Pissarro , que lejos de sentir envidia por el talento de sus amigos, los admiraba y protegía y por eso luego merecería el nombre de Padre del Impresionismo, porque se comportó como el protector y padre de todos ellos, también porque por edad era el mayor de ellos. Los grandes protagonistas de las obras de Pissarro en estos años son los paisajes, donde los caminos que se abren entre la hierba, los árboles y el maravilloso verde de su pintura los auténticos protagonistas de estos cuadros. Trata de transmitir la paz y la armonía del mundo rural , retratando escenas de la naturaleza mezclada con otras de la vida cotidiana en el campo. Pero sus protagonistas no muestran el sacrificio y la dureza asociada con la vida del campesino, sino la satisfacción del que disfruta con lo que hace y se sabe libre , sin nadie que le ordene, dueño de su tiempo.



"El Oise , cerca de Pontoise, día nublado" de 1876 , realizado durante su segunda estancia en Pontoise . Una vez más os encontramos con los caminos de Pissarro, en este caso con una pareja de campesinos que pasea tranquilamente a orillas del río Oise , precedidos por otra figura que monta a caballo mientras nuestra mirada se dirige hacia el fondo donde la alta chimenea nos anuncia la presencia de la industria, pero una industria perfectamente integrada en el mundo rural e incluso la fábrica parece una casa más del pueblo. Pissarro no veía la industrialización como una amenaza para la vida en el campo sino como una oportunidad  para el progreso que permitiría un futuro mejor  (Imagen procedente de http://www.algomasquearte.es )
 

Ya en 1874 pintores como Claude Monet o Edgar Degas (1834-1917) están cansados de ver como año tras año sus obras son rechazadas por el Salón de París por no ajustarse a la ortodoxia de la Academia Francesa y deciden fundar la llamada Sociedad Anónima, cuyos estatutos fueron redactados por el propio Pissarro, y organizan la que llamaron Primera Exposición que tendría lugar entre en el 35 del Boulevard des Capucines en París entre el 15 de abril y el 15 de mayo de 1874. Se convertiría en la primera exposición del movimiento artístico que sería bautizado poco después con el nombre de Impresionismo. En él participaron 39 pintores de este nuevo movimiento que se alejaba de los cánones clásicos establecidos por la Academia de Bellas Artes, intentando plasmar la impresión, de ahí su nombre, que causaba en el artista la luz y el color en un instante concreto . El desarrollo y evolución del impresionismo rompería las rígidas reglas que habían dominado el arte en general y la pintura en particular, abriendo las puertas a nuevas formas de expresión y estilo que se sucederían durante las décadas siguientes desde el sintetismo al que se adscribiría parte de la obra del propio Gauguin, al fauvismo, el cubismo o la abstracción. Y entre aquellos pintores se encontraba Camille Pissarro que sería el único que expondría en las ocho exposiciones del movimiento impresionista que tendrían lugar hasta el año 1886. En cuanto al nombre con el que fue conocida esta nueva corriente del arte se debía al célebre crítico de arte francés Louis Leroy (1812-1885) que en la primera exposición de 1874 había descrito con estas palabras las sensaciones que le había provocado una de las obras expuestas, "Impresión, sol naciente" de Claude Monet "Me estaba diciendo a mí mismo que, dado que estaba impresionado, alguna impresión debía de haber en la obra ¡y que libertad, qué factura!El papel de empapelar  en su estado embrionario  está más acabado que esto!" Curiosamente, el título empleado por Leroy en su crítica sería por el que fue conocido el nuevo estilo pictórico, el Impresionismo.

"En el huerto" de 1878,  una obra que el crítico italiano Diego Martelli compró a los pocos meses de haber sido realizada , dejando asombrado al propio Pissarro que hasta entonces no había tenido demasiado éxito y solía hallarse en considerables problemas económicos de los que le sacaban sus amigos, entre ellos Claude Monet que le prestaría el dinero para que en 1886 se comprara la casa en  Eragny sur Epte donde pasaría el resto de su vida (Imagen procedente de http://revistatarantula.com )

BREVE VÍDEO CON OBRAS DE CAMILLE PISSARRO

 

Como no me es posible más que incluir una muy reducida muestra de la bella pintura de Camille Pissarro y no he encontrado ningún documental en castellano dedicado a su obra, al menos quería mostraros este vídeo de diez minutos donde acompañados por la música podéis disfrutar de algunas de las maravillosas obras de Pissarro, muchas de las cuales pueden ser disfrutadas hasta el mes de septiembre de este año 2013 en el Museo Thyssen Bornemisza .

 

Sin embargo, y a pesar del buen trabajo del  marchante Paul Durant Ruel , Pissarro no tendría un gran éxito comercial hasta una edad avanzada. Por eso, en 1878 se asombra cuando el crítico italiano Diego Martelli (1838-1896) adquiere a los pocos meses de su realización la obra de Pissarro titulada " En el huerto" "Este último - decía Pissarro sobre Martelli - es bastante entusiasta de esta pintura (hace referencia a "En el huerto") Tiene tanta estima de mi arte que estoy confuso. No me atrevo a creerlo" Pissarro no se valoraba a sí mismo de la misma forma que valoraba a los demás, no creía que tuviera su mismo talento y por eso le asombraba que otros si lo reconocieran. Durante todos estos años sigue colaborando estrechamente con Cézanne  que siempre le tendría en una gran estima , como lo demuestran estas palabras muchos años después, ya al final de su vida "En cuanto al viejo Pissarro, fue un padre para mí. Era un hombre a ser consultado, como Dios".  En 1882 la familia Pissarro se traslada a Osny, situada a las afueras de Pontoise donde trabajará los siguientes tres años. Pissarro siente que el impresionismo ya ha dado todo lo que podía ofrecer y estaba buscando nuevas formas de expresión pero de momento no encuentra ese estilo . Sus cuadros ya son apreciados por muchos críticos , entre ellos el gran escritor Émile Zola que escribe sobre sus cuadros de paisajes " Hay en estos cuadros de la vida rústica como un eco de las penas y fatigas de la ruda labor en los campos. El pincel de Pissarro parece una azada que remueve penosamente la tierra".  El mismo Zola escribiría en otra ocasión "Un buen cuadro de este artista equivale a la acción de un hombre honrado" . La obra de Pissarro no tardará en ser muy cotizada y a partir de la década de los noventa conocerá el reconocimiento que no había tenido en sus primeros años.

"La forrajera" de 1884 , una de las obras que más me han gustado de la exposición por su luminosidad, a la que la fotografía de la obra no hace del todo justicia pues ante ella parece que la luz irradia de su interior. Una escena llena de paz, donde la mujer hace un alto en el trabajo en una tarde que adivinamos cálida, con un campo inundado de un verde resplandeciente , que observa como un niño, probablemente su hijo, se acerca a ella entre las hierbas que casi cubren la mitad de su pequeño cuerpo. El escritor Émile Zola escribía sobre estas escenas de la naturaleza de Pisssarro "En ellas se oyen las voces profundas de la tierra, se adivina la vida poderosa de los árboles" y es cierto, cuando te detienes ante ellas casi dirías que puedes sentir el olor del heno, la brisa que corre entre los árboles, el tímido calor de una mañana de primavera . Es una pintura que transmite vida, luz y una mirada amorosa sobre el  paisaje retratado y sobre las personas que lo habitan (Imagen procedente de http://www.elcultural.es )

En 1885 los Pissarro hace de nuevo las maletas para establecerse en Eragny-sur-Epte , situado en la Picardia, al norte de Francia, donde consigue comprar una casa gracias al préstamo que le hace su amigo Claude Monet. Aquí vivirá Pissarro los últimos años de su vida  y será en ese mismo año de 1885 cuando conozca a los pintores Georges Pierre Seurat (1859-1891) y  Paul Victor Jules Signac (1863-1935), que le introducirán por los caminos de un nuevo estilo, el puntillismo que será el estilo que dominará la obra de Pissarro durante los siguientes cinco años. El puntillismo, un nombre que nunca le gustó ni a Seurat ni Signac,  sustituía las pinceladas en el lienzo por puntos de color  que de cerca parecían no significar nada pero al alejarse formaban lo que el pintor había querido representar. Pissarro se entusiasma con esta nueva técnica pero si finalmente la abandonó hacia 1890 fue por el excesivo trabajo que requería , lo que retrasaba su realización y que  era incompatible por el ritmo de trabajo que requería para poder mantener a su familia aunque Signac también recoge en su diario personal  otra razón para el abandono de este estilo por parte de Pissarro "No consigue encontrar su etilo en nuestra técnica de oposición y contraste. Busca la unidad en la variedad , y nosotros la variedad en la unidad" A partir de 1890 el protagonismo es de los paisajes de Eragny . En sus cuadros integra las fábricas , ya que Pissarro era partidario del progreso y estaba convencido que era posible compatibilizar el respeto a la naturaleza que amaba tanto como al desarrollo industrial que traería un nuevo bienestar a la sociedad. Pero en 1895 se agrava una afección ocular que ya padecía  desde años atrás y se ve obligado a abandonar la pintura al aire libre porque el sol dañaba sus ojos. A partir de ahora se dedicará a retratar la vida en París así como también los puertos industriales de la costa atlántica francesa y otro de sus motivos favoritos, los nuevos puentes que veía como un símbolo del progreso

Pont Boieldieu y Pont Corneille, Rouen, efecto de lluvia, de 1896. Esta obra pertenece a su última época, cuando una dolencia en la vista le impide seguir trabajando al aire libre y tiene que cambiar sus obras sobre paisajes a otras donde la ciudad, los puertos  y los puentes son los protagonistas, como esta realizada en Ruan de los puentes sobre el Sena de  Boieldieu, que había sido construido apenas hacía ocho años y era  un símbolo del progreso que tanto gustaba a Pissarro,   y Corneille . Además se entusiasmaba por la vida, los colores, el movimiento que había en los puertos y en las ciudades , realizando series de cuadros con el mismo motivo pero tratados de diferentes formas . En este caso los retrata en un día de lluvia, pero en la exposición se puede ver  "El puente de piedra de Ruan, día nublado" realizado ese mismo año  y había hasta trece cuadros más realizados en ese mismo escenario bajo diferentes luces . Pissarro nunca dejaba de buscar nuevas formas de expresar sus emociones en la pintura y siguió haciéndolo hasta el mismo año de su muerte  (Imagen procedente de http://www.elcultural.es )

De esta forma nacen series de cuadros de un mismo escenario urbano bajo diferentes luces, condiciones climatológicas y estaciones del año . En 1896 pasa dos temporadas en Ruan para pintar sus puentes sobre el Sena. Escribe a su hijo  Lucien "He enviado al instante a Eragny quince cuadros donde he intentado dar una idea del movimiento, de la vida, de la atmósfera , del puerto tan poblado de barcos humeantes, puentes, chimeneas, barrios de la ciudad en la bruma, en la niebla, el sol poniente. " Y añadía  "He tenido suerte de tener barcos con mástiles rosas, amarillo oro, negros" . Estos cuadros estaban llenos de vida y si vais a la exposición encontraréis obras como el "Pont Boieldieu y Pont Corneille, Ruan, efecto lluvia" y el "Puente de Piedra de Ruan, día nublado" , ambas de 1896 .También se pueden ver algunos de los cuadros que formaban parte de una serie de obras dedicadas a los boulevares de París , para lo que alquiló una habitación en un hotel de la ciudad "Una serie sobre los boulevares me parece una buena cosa para hacer y a mi me divierte vencer la dificultad. He reservado una habitación espaciosa desde donde veo toda la enfilada de boulevares"  Son obras con un sorprendente enfoque de arriba a abajo, no olvidemos que lo hacía desde la altura de su habitación en el hotel, llenas de vida y con diferentes efectos, como los que aparecen en la exposición "Boulevard Montmartre, mañana de invierno" del 1897 y ese mismo escenario pero en un día muy diferente "Boulevard Montmartre, martes de Carnaval por la tarde" también de 1897 donde vemos el contraste entre la luz gris y las calles mortecinas del invierno con el alboroto y las luces del día de Carnaval.

"Boulevard Montmartre , mañana de invierno"  realizado en 1897 que se puede ver en la exposición junto con la obra que se encuentra justo debajo de estas líneas y que forman parte de su serie sobre los boulevares de París, retratados desde una habitación de hotel. Supo adaptarse a sus problemas de vista  dando un giro a su pintura que ahora mostraba los escenarios urbanos bajo diferentes luces y en diferentes épocas del año , cuadros llenos de vida y dinamismo . Como escribía a su hijo Lucien "Estoy encantado de poder intentar hacer estas calles de París , que se tiene la costumbre de llamar feas, pero que son tan plateadas, luminosas y vivas . Es lo moderno de lleno"     (Imagen procedente de http://arthistory.about.com )



"Boulevard Montmartre, martes de carnaval por la tarde" de  1897 . Realizado el mismo año y en el mismo lugar que la obra que está justo encima de esta , nos muestra el Boulevard de Montmartre bajo una perspectiva completamente diferente, en una tarde luminosa de carnaval, con las calles repletas de gente que contemplan un desfile. Casi nos parece poder escuchar las risas, las voces , el sonido producido por miles de personas que llenan de vida desbordante esta obra de Pissarro(Imagen procedente de http://floresypalabras.blogspot.com )

A los puertos industriales dedicará más de ciento veinte obras  a lo largo de dos décadas y serán ellos los protagonistas de sus últimas obras.  La exposición se cierra con esta carta escrita por Pissarro en septiembre de 1903 a su hijo desde uno de esos puertos que tanto entusiasmo le despertaban "Todos los días veo pasar ante mi ventana los grandes vapores transatlánticos y otros buques de la mañana a la noche y veo también los muelles , el tráfico  , es un espectáculo grandioso" Apenas dos meses después de escribir esta carta, el 13 de noviembre de 1903 Camille Pissarro, el hombre que sería recordado como el Padre del Impresionismo, el artista bondadoso, siempre de buen humor y con una vida tranquila lejana a los dramas de otros artistas, fallecía en París. En comparación con Monet, Gauguin, Cézanne, Van Gogh o Renoir, su nombre parece brillar menos pero cuando te encuentras ante sus obras , a esos paisajes cotidianos del campo, a las escenas de la vida rural, pareces sentir el calor, el aroma de las flores, la caricia de la brisa, la paz y armonía que emana de sus pinceladas que transmiten ,por encima de todo, una mirada amorosa sobre el mundo que le rodeaba, un profundo sentimiento de amor por la naturaleza y por el hombre . El poeta polaco Stanislaw Przybyszewski escribía que "El arte es aquello que representa lo que hay de eterno en el mundo." y Pissarro, con esas pinturas aparentemente tranquilas, en las que pareciera que no sucede nada, con escenas cotidianas, logra capturar esa belleza eterna que está presente a nuestro lado pero que a veces no nos da tiempo a percibir. Un mundo para ver despacio, unas obras para perderse en sus verdes, para sentarse bajo sus árboles, para charlar con esa labriega que descansa mientras ve acercarse a su hijo. Pissarro, el pintor tranquilo, sereno, armonioso. Un pintor luminoso que nos recuerda lo hermosa que es la vida.

"El huerto de Eragny" de 1896. Quería terminar este artículo sobre la exposición del Museo Thyssen Bornemisza y la vida de Camille Pissarro con esta obra que es de las que más me cautivaron, donde destaca el brillo de sus colores, aún más acusado después de su paso por el puntillismo que, como vimos fue la técnica que empleó entre 1885 y 1890 aunque luego la abandonara porque no encontraba en ella la forma adecuada para expresar sus emociones. Un recorrido por su pintura es como abrir una ventana al campo, a la luz, a la alegría que nos recuerda lo hermoso que puede llegar a ser el mundo que nos rodea, incluso aquel que nos parece más cotidiano y que por la misma razón no llama nuestra atención. Si la pintura transmite el espíritu de un hombre, sus obras nos muestran a un hombre bondadoso que miraba el mundo con entusiasmo y amor que se traduce en la luminosidad de estos cuadros, sólo en apariencia sencillos, porque como decía el  científico Albert Einstein "El arte es la expresión de los más profundos pensamientos por el camino más sencillo."   (Imagen procedente de http://lostonsite.wordpress.com )

PAUL GAUGUIN, UN PINTOR EN BUSCA DEL PARAÍSO (SEGUNDA PARTE)

En la primera parte de este relato habíamos recorrido la vida de Paul Gauguin desde su nacimiento en 1848 en el tumultuoso París revolucionario, le acompañamos junto a su familia en la huida a América cuando su padre , un destacado periodista antimonárquico, tuvo que abandonar Francia para no ser detenido durante la represión política que siguió a la caída de la II República Francesa y el advenimiento al poder del nuevo emperador Napoleón III(1808-1873) en 1851. Vimos que su padre moría en el viaje y era la madre de Gauguin la que a partir de entonces se haría cargo de sacar adelante a la familia.  Después de permanecer unos años en la casa de la familia de su madre en Lima, Perú, en 1854  regresaron a Francia. Su madre trabaja en París como modista mientras  el pequeño Gauguin estudió hasta los diecisiete años, cuando después de suspender su examen de ingreso en la Escuela de Navegación decide enrolarse, siguiendo su espíritu aventurero, en la marina mercante y a continuación en la Marina de Guerra francesa donde permanecerá hasta 1871. Ya en 1872, de vuelta a París y gracias a su tutor y protector Gustave Arosa comienza a trabajar en la Bolsa de París como agente de Bolsa al tiempo que el propio Gustave le pone en contacto con los pintores que en aquel momento iniciaban una revolución en la pintura , los impresionistas. En 1873 se casaba con la joven danesa Mette-Sophie Gad, con la que iba a tener cinco hijos y un año después asistía a la primera exposición de pintura impresionista, donde toma la decisión de convertirse en pintor.

Autorretrato con retrato de Bernard, o Los Miserables pintado por Gauguin en 1888.Ese mismo año Gauguin había aceptado la invitación de Vincent Van Gogh de viajar a Arlés para trabajar allí juntos, pero mientras aún estaba en Bretaña y Van Gogh en Arlés este último escribió a Gauguin y a uno de los discípulos de este, Émile Bernard(1868-1941),que también esperaba que acudiera a Arlés, que se intercambiaran entre sí sus autorretratos.Émile Bernard envió a Van Gogh su autorretrato en el que también aparecía Gauguin y Gauguin hizo lo propio , pintando su autorretrato incluyendo también el de Émile que podemos ver  al fondo de la obra. Así describía en una carta el propio Gauguin su obra, en la que él se había hecho representar a sí mismo en el papel de Jean Valjean, el protagonista de la novela "Los Miserables" de Victor Hugo(1802-1885), un personaje con el que se identificaba por tratarse de un hombre incomprendido y marginado por la sociedad como se sentía Gauguin "He hecho por Vincent, que me lo había pedido, un autorretrato. Creo que es una de mis mejores cosas, por ejemplo, es tan abstracto que resulta completamente incomprensible. Para empezar, es el busto de un bandolero, un Jean Valjean que además personifica un pintor impresionista desdeñado y, en cambio, perpetuamente ligado al mundo .La boca, los ojos y la nariz son como las flores que se encuentran en una alfombra persa y también personifican el aspecto simbólico. El color está sacado muy de lejos, de la naturaleza . Todos los rojos y violados fundidos a la superficie por las grandes llamaradas son como un horno que luce a los ojos  y todo aquello contra un fondo de color cromo puro sobre el que están esparcidos unos ramos de flores infantiles; algo así como la alcoba de una chica joven"  Como cambia la perspectiva de una obra cuando entendemos lo que su creador quería plasmar en el lienzo (imagen procedente de http://commons.wikimedia.org )

 

Después de dar clases de pintura y participar a partir de 1876 en las exposiciones organizadas por los impresionistas, en 1882 una crisis bursátil le dejaba sin trabajo. Acompaña a su esposa a la capital danesa, Copenhague, donde vivía la familia de ella, pero no permanecerá demasiado tiempo allí y dejando a su familia en Dinamarca regresa a Francia  para desarrollar su carrera como pintor. Después de vivir tiempos duros , en los que coqueteó con la pobreza, viajó a Bretaña , estableciéndose en Pont Aven , punto de encuentro de diferentes artistas que viajaban por Bretaña, y allí conoce a un joven pintor , Charles Laval(1861-1894), al que le unirá una estrecha amistad y con quién emprenderá su primer gran viaje en busca del paraíso, en la primavera de 1887, que le llevará hasta Panamá, donde trabajará por un corto espacio de tiempo en las obras del Canal de Panamá, y caerá enfermo afectado por las fiebres tropicales y la disentería. Después de abandonar el trabajo y recuperar las fuerzas, viajaría hasta Martinica, en las Pequeñas Antillas, donde por primera vez tiene la sensación de atisbar un esbozo de  la tierra prometida que buscaba y realiza sus primeras obras importantes. Ese mismo año, muy debilitado por las enfermedades, regresaba a Francia y volvía a residir en Pont Aven, donde se rodea de un grupo de jóvenes pintores, que crean un nuevo estilo pictórico, el sintetismo, que ya describí ayer. En 1888 responde a la invitación de Vincent Van Gogh(1853-1890), al que conocía a través de su hermano y marchante de arte Theo Van Gogh(1857-1891), y reside unos meses con él en Arlés.

Fotografía de Paul Gauguin en 1891, cuando gracias a una exposición donde pudo vender algunos de sus cuadros reunió el dinero necesario para emprender su gran aventura, el viaje a la Polinesia que en su imaginación se dibujaba como un territorio que aún vivía en una mítica Edad de Oro, una especie de Jardín del Edén en el que hallaría aquel Paraíso que había intuido durante su estancia en Martinica en 1887 pero que las enfermedades no le habían dejado disfrutar . Estaba decidido a lograr su sueño , como él decía " He querido establecer el derecho de atreverme a todo". (Imagen procedente de http://commons.wikimedia.org )

 

Vimos también como aquella relación entre ambos fue tumultuosa y tuvo un final casi trágico cuando en un incidente rodeado de leyenda Van Gogh perdió parte del lóbulo de su oreja derecha.Era diciembre de 1888 y los dos grandes artistas no volverían a verse más, aunque conservaron la admiración mutua , como lo demuestran estas palabras de Vincent Van Gogh dedicadas a las obras de Gauguin en Martinica , con una expresividad que aún hoy nos puede sorprender "¡Formidables! No fueron pintadas con el pincel, sino con el falo. Cuadros que al mismo tiempo que arte son pecados. Esta es la gran pintura que sale de las entrañas, de la sangre, como el esperma sale del sexo" Desde hacía años Gauguin sentía la necesidad de abandonar Francia  y Europa, de salir en busca de paisajes lejanos y exóticos para , según sus propias palabras , "vivir como un salvaje".  Terminaba ayer el relato con la exposición celebrada en el Hotel Brouot de París donde, en gran parte gracias a las buenas críticas de expertos como  Octave Mirbeau(1848-1917), logra el dinero suficiente para emprender la que iba a convertirse en su gran aventura, el viaje que determinaría su vida , la lejana Polinesia, la colonia francesa de Tahití.

Mapa de la Polinesia Francesa , donde se desarrollaría la última y más importante etapa en la vida de Paul Gauguin, primer en el período entre 1891 y 1893, cuando residió en Papeete, la capital de Tahití, y después, ya de forma definitiva desde 1895  hasta su muerte en 1903. En esta segunda etapa seguiría viviendo en Papeete pero a partir de 1901 se trasladó al archipiélago de las Marquesas, el más grande de la Polinesia, estableciéndose en la isla de Hiva´Oa . Buscaba su paraíso, el Edén donde escapar de una sociedad europea que encontraba fría y sin alma. Una vez había dicho "Siendo la vida como es, uno sueña con vengarse", y quizás trataba de apagar en estas tierras lejanas ese deseo de venganza , de hallar la paz y armonía que no encontraba en Francia pero que tampoco llegaría a disfrutar de ella en las islas más que en muy breves períodos de su vida, tal vez porque buscaba un paraíso que sólo existía en su imaginación y veía como llegaba demasiado tarde para retenerlo (imagen procedente de http://www.atlasescolar.com.ar ) 

 

Así, en 1891 llega a la capital de Tahití, Papeete, que significa "Agua de la cesta". Tahití había sido descubierta por el navegante español Pedro Fernández de Quirós (1565-1614) y forma parte de un grupo de más de mil islas que la geografía ha agrupado bajo el nombre de Polinesia, palabra griega que significa "Múltiples islas", un término creado por el erudito francés Charles de Brosses(1709-1777) en su obra publicada en 1756 y titulada "Histoire des navegations australes terrestres". Hoy se cree que la población de las islas que forman la Polinesia se inició por la denominada cultura lapita, originaria de Nueva Guinea y Nueva Caledonia, que luego se habría extendido hacia Melanesia , término procedente del griego que podría traducirse como "islas negras" ,y desde allí hasta la Polinesia, islas cuya colonización se habría iniciado tardíamente, hacia el año 1000 a. C , comenzando por islas como la propia Tahití , para  extenderse poco a poco hacia el este hasta alcanzar la isla de Pascua y Hawai entre los siglos IV y VI de nuestra era  y hacia el sur hasta llegar a Nueva  Zelanda en el siglo VIII.Durante el siglo XVIII hubo varios intentos de establecerse en Tahití por parte de los españoles , pero sería en el año 1842 cuando Tahití quedó bajo el protectorado de Francia, formando parte de lo que aún hoy es la Polinesia Francesa. A este territorio exótico, pero no tanto, ya que después de todo era ya una colonia francesa y su cultura se estaba transformando influida por la europea, llegó Gauguin en 1891 , dispuesto a vivir de la pintura y sumergirse en lo que él creía que era un paraíso terrenal.

"Parau Api" o "¿Qué hay de nuevo" la primera de las obras que podemos contemplar en la exposición de Gauguin del Museo Thyssen Bornemisza , pintada por Gauguin en 1892 y donde ya encontramos dos de las principales características de su obra durante su estancia en la Polinesia, el brillo de sus colores, en particular en esta primera estancia ya que en los últimos años se iría haciendo más oscura su pintura, y la mujer polinesia como protagonista absoluta de sus cuadros donde muy raramente aparece un hombre. Las amó y le ofrecieron los escasos momentos de su vida en que llegó a sentirse feliz (imagen procedente de http://www.museothyssen.org ) 

 

 

El año 1892 y 1893 son prolíficos para Gauguin, sumergido en aquel ambiente exótico. Durante su estancia escribe un diario en el que recoge sus impresiones  mientras vive en Tahití , al que da el título de "Noa Noa", que significa "fragancia", que luego ilustraría con xilografías ,una técnica basada en impresiones realizadas sobre planchas de madera, mientras no deja de pintar cuadros  como algunos de los que se pueden contemplar en la exposición del Museo Thyssen Bornemisza que ha dado origen a estos artículos, entre ellos el que abre la exposición, "Parau Api", que significa "¿Que hay de nuevo?", donde vemos a dos mujeres tahitianas sentadas sobre un suelo de brillante color amarillo, y que en la exposición aparecen acompañadas por estos versos del poeta y escritor alemán Herman Hesse(1877-1946) que parecen traernos los aromas exóticos de Tahití  "Ese viento hacia el que trepa/tiene una maravillosa fragancia/de lejanía y de otro mundo/ de aguas divisorias y fronteras lingüísticas/ de sur y de montaña/esta lleno de promesas". También podemos contemplar otra de las obras principales de esta época, "Matamoe", traducida como "Muerte. Paisajes con pavos reales", aunque en realidad "Matamoe" significa "Ojos dormidos", pero Gauguin aún no conocía bien la lengua canaca que hablaban los tahitianos. Este cuadro es uno de los pocos en los que aparece un hombre, en este caso empuñando un hacha, con lo que Gauguin trata de simbolizar por un lado lo salvaje en la figura del  hombre y por otro la civilización destructora en el hacha que sostiene en sus manos.

"Matamoe", donde podéis ver uno de los pocos hombres que Paul Gauguin incluiría en sus obras, un hombre que simbolizaría el espíritu natural y salvaje de los tahitianos empuña un hacha procedente de la civilización que parece querer corromper aquel paraíso. A lo lejos vemos como unas mujeres avanzan por el camino hacia una cabaña mientras que el primer plano está ocupado por dos bellos pavos reales. Sobre todo destaca la viveza de los colores, quizás una forma de mostrar el espíritu alegre que animaba a Gauguin en esta primera etapa en Tahití, cuando aún no había sentido como aquel Paraíso ya estaba dejando de serlo, al menos así se lo parecía a él. Ya en esta obra ha dejado atrás la influencia del impresionismo, desarrollando su propio estilo que es inconfundible , una exaltación de la vida primitiva, llegando incluso a caer en ocasiones en la ingenuidad, pero sobre todo son obras llenas de vida (Imagen procedente de http://www.artelista.com )

 

 

Porque ya en esta primera estancia en Tahití Gauguin se da cuenta que lo que él creía un Edén, estaba desapareciendo barrido por la civilización  europea , y en sus cuadros trata de retener los últimos alientos de aquel mundo que iba desapareciendo, como en otro cuadro de 1892 titulado "Mata Mua", "Erase una vez", donde Gauguin retrata un paisaje idealizado, un recuerdo del Edén, del Paraíso que está muy próximo a perderse. Vemos a unas mujeres danzando alrededor de la diosa de la Luna, Hina, mientras que en el primer plano podemos contemplar  a dos mujeres vestidas de blanco y sentadas, una de ellas tocando la flauta. Una escena que parece transmitirnos la imagen idílica de un mundo en paz y armonía con la naturaleza , ese Paraíso que pronto , así lo presentía Gauguin, iba a transformarse en un Paraíso Perdido irremediablemente ante el avance de la cultura europea.  En 1891 pinta "Haere Mai", "Venid", donde  pinta el lugar donde vivía al comienzo de su estancia en Tahití y sobre este cuadro Gauguin escribirá a sus amigos en Francia "Queridos amigos de la gran ciudad, esta es la gran palmera bajo la que duermo cada tarde, y esa silueta a la izquierda , mis vecinos.¿Ven esos cerdos negros? deambulan con libertad por esta tranquila llanura ¿y ven las montañas al fondo? Paso horas admirándolas , bañadas a la luz del atardecer. Ya no tengo ataduras, ahora soy libre para crear. El arte es una abstracción y lo extraigo de la naturaleza, soñando. Pienso más en la creación que en el resultado".

"Haere Mai" , que significa "Venid" , el cuadro al que se refiere la carta que incluyo más arriba y que reflejaba la alegría que Gauguin sentía de estar en aquel lugar . Esta obra, que también está incluida en la exposición que inspira este relato,  es como una ventana que nos abre el pintor para que observemos a través de sus ojos lo que veía cada día, las montañas, las palmeras, los cerdos que recorrían el campo, su vecina . Casi parece que  deteniéndonos ante él pudiéramos sentir la brisa del viento acariciando nuestro rostro , el olor de flores exóticas y el calor del trópico. Esa es la virtud del arte verdadero, transmitir vida  (Imagen procedente de http://www.repro-tableaux.com )

 

Otras obras de esta primera etapa en Tahití que podéis contemplar en la exposición son "Los cerdos negros" de 1891, "Mujeres en la ribera del río" de 1892 y "Parahi te maras", "Ahí está el templo", también de 1892. En 1893 escribe "Estoy preparando un libro sobre Tahití - hacía referencia a Noa Noa- que va a resultar muy útil para hacer entender mi pintura"  , una pintura que conservaba las características de la obra de Gauguin, con colores brillantes y una composición vibrante y llena de vida, donde la forma de las cosas va perdiendo importancia en favor del color como un anuncio del arte abstracto que se impondrá en el siglo siguiente,  y con un fuerte componente primitivista, en el sentido de recuperar imágenes del arte primitivo de pueblos como el tahitiano. Como describe el catálogo de la exposición "la exuberancia de la isla se convierte en los lienzos de Gauguin en una utópica Edad de Oro anterior al tiempo  o en un primordial Jardín del Edén  cargado de fragancias y explosiones cromáticas".Pero en 1893 Gauguin acusa la falta de dinero además de estar aquejado por una enfermedad en los ojos, por lo que decide regresar a Francia donde espera triunfar con sus obras, dejando en la isla a Tehamana , una joven de sólo trece años con la que había concertado matrimonio el año anterior. Ese mismo año ya recordaba con nostalgia  en su diario "Noa Noa" sus días en Tahití "¡Que agradable era ir de mañana a refrescarme al arroyo cercano, como me imagino que harían en el Paraíso el primer hombre  y la primera mujer" y concluye "¡Paraíso tahitiano , navey navey fenna, tierra deliciosa"

Páginas de su diario "Noa Noa", que significa Fragancia , en el que recogió sus impresiones acompañadas por dibujos y acuarelas de su primer viaje a Tahití en colaboración con el crítico Charles Maurice. Cuando en una entrevista publicada en mayo de 1895 para el periódico francés "El eco de París" le preguntaron porque había elegido Tahití para sus viajes , Gauguin respondió " Fui seducido una vez por esta tierra virgen y por su raza primitiva  y sencilla. Yo regresé y regresaré de nuevo . Para hacer algo nuevo es preciso remontarse a las fuentes, a la infancia de la humanidad. La Eva que yo he elegido es casi un animal, es por ello que ella es casta aunque esté desnuda.Sin embargo, - hacía referencia a los desnudos expuestos en los museos europeos- todas estas Venus expuestas en el Salón son indecentes , odiósamente lúbricas" Gauguin amaba de Tahití y sus habitantes lo que en ellos veía de natural y aún no corrompido por la civilización, aunque ya hacía más de medio siglo que los franceses ejercían el protectorado sobre aquellos territorios y poco quedaba de esa inocencia que Gauguin aún veía pero estaba condenada a desaparecer. En realidad la mirada de Gauguin tiene algo rousseauniano, la idea del buen salvaje  que hoy podríamos considerar paternalista y propia de la mentalidad colonial del siglo XIX , pero Gauguin se preocupó de verdad por la defensa de los derechos de los habitantes de Tahití y las Marquesas y utilizó sus escasas fuerzas en aquellos años a enfrentarse contra los abusos del poder colonial (Imagen procedente de http://www.reprodart.com )

Como escribiera el poeta y novelista Johann Wolfgang von Goethe (1749-1832) "Nadie anda impunemente bajo las palmeras, el modo interior de verse se transforma ciertamente en un país donde los elefantes y los tigres están en su casa", y ya en Francia Gauguin no dejaría de echar de menos su paraíso tahitiano. Además , el triunfo que esperaba no se producirá , aunque la muerte de su tío Isidore, con quién ya había convivido en su infancia y primeros años de juventud, como veíamos ayer, le permitirá recibir en herencia una cantidad de dinero suficiente para permitirle regresar  en 1895 a Tahití, y en esta oportunidad su marcha será definitiva. Arrastra una herida en la pierna que se había hecho en 1894 y que no terminaba de sanar pero la llegada a Tahití despierta de nuevo su actividad frenética . Sin embargo las enfermedades , entre ellas la sífilis, además de su dependencia del alcohol,  le irán causando un progresivo deterioro físico y mental que le empujaran incluso a un intento de suicidio . Su pintura refleja su estado de ánimo, haciéndose más sombría e inquietante donde refleja con más fuerza que antes . De esta época sobresale una de sus obras maestras , que también se puede ver en la exposición "¿De dónde venimos? ¿Quiénes somos? ¿Adónde vamos? "  realizada en 1897 , un año contradictorio en la vida del pintor, donde alternaba los periodos de euforia con otros en los que se sumía en una profunda depresión.

"¿De dónde venimos? ¿Quiénes somos? ¿Adónde vamos? "  , considerada por el propio Gauguin como su obra más importante, que pintó cuando ya había tomado la decisión de suicidarse una vez que la finalizara y que por suerte para él y para el arte no logró con éxito. He resumido en el texto del artículo el significado de este cuadro que trata de responder a las tres preguntas que le dan su título, pero dejemos que sea la voz de Gauguin la que nos lo explique mejor "Los dos ángulos superiores son amarillos de forma que parece un fresco doblado de los cantos y fijado sobre una pared dorada. Abajo a la derecha hay un bebé dormido y tres mujeres en cuclillas. Dos figuras vestidas de púrpura se confían sus conversaciones. Una figura enorme agachada, realizada deliberadamente a pesar de la perspectiva, levanta el brazo y mira sorprendida a los dos personajes que osan hablar sobre su destino. En el centro, hay una figura que recoge una fruta, dos gatos cerca de un niño, y una cabra. El ídolo, con los dos brazos levantados misteriosamente y con ritmo, parece indicar el más allá. Una figura agachada parece escuchar al ídolo. Y, finalmente, una vieja cerca de la muerte parece aceptar, resignada, lo que está pensando, y cierra la leyenda . El conjunto de la escena se sitúa entre un arroyo y bajo los árboles, al fondo está el mar , y, más allá, las montañas de la isla vecina" Gauguin había declarado antes de realizar esta obra que  quería "pintar antes de morir un gran cuadro que tengo en la cabeza"  y  fue sin duda una de sus obras más importantes, donde vemos a Gauguin respondiendo a las preguntas vitales que todo ser humano se plantea en algún momento de su existencia(Imagen procedente de http://commons.wikimedia.org )

 

Desde su regreso a Tahití se había enfrentado con el gobierno colonial que maltrataba la cultura tahitiana y al mismo tiempo sus obras no se vendían en Francia ni recibía ayuda de sus amigos allí. Para culminar las malas noticias en la primavera de 1897 su hija Aline(1877-1897), la segunda de los hijos que había tenido con Mette-Sophie Gad, en la que él había depositado muchas esperanzas porque veía en ella un gran talento artístico. A todo ello se une una grave infección en los ojos y problemas cardíacos , lo que le conduce a pensar en el suicidio si el próximo barco procedente de Francia no le traía buenas noticias sobre la venta de sus obras. Es justo en ese momento cuando realiza "¿De dónde venimos? ¿Quiénes somos? ¿Adónde vamos? ", un título que remite a las preguntas que le hacían cotidianamente los tahitianos ¿quién eres? ((o vai ´oe?), ¿De dónde vienes? (nohea roa mai ´oe?), ¿Dónde vas? (te haere ´oe hea?) pero ahora  se convertían en las preguntas que Gauguin se hacía a sí mismo. La obra le llevará un mes entero y cuando la concluye decide cumplir lo que se había prometido antes de empezar la obra, suicidarse. Tomando el frasco de arsénico que le había recetado su médico como remedio para una de sus múltiples dolencias, se sube a una montaña, no he podido determinas si fue a la más alta de la isla, el Monte Orohena de 2241 metros de altura,  y allí se tomó el contenido del frasco pero fue precisamente la gran cantidad de veneno ingerido lo que le salvó la vida, ya que le provocó el vómito  causando el mismo efecto que un lavado de estómago.

"Mujer Tahitiana" de 1898. Como casi todos los cuadros que incluyo en este artículo se encuentre entre los que podéis ver en la exposición dedicada a Gauguin. La mujer fue el tema principal de su obra junto con la naturaleza . Los frecuentes desnudos que podemos contemplar en sus cuadros rompieron con los últimos prejuicios que quedaban en la pintura y abrió el camino para las siguientes generaciones de pintores que ya no encontrarían obstáculos para representar desnudos en sus obras. También en esto fue Gauguin innovador y arriesgado , desafiando a los convencionalismos de su tiempo (Imagen procedente de http://commons.wikimedia.org )

Después de sobrevivir a este intento de suicidio tuvo la buena noticia de la gran acogida que tuvo el cuadro, que él calificaba como "Una obra filosófica temáticamente similar al evangelio." y que había creado como su testamento artístico, pues habitaba en su mente la idea del suicidio cuando la hizo. Pero este éxito le animó a seguir viviendo y pintando. La obra trata de responder a las tres preguntas que le dan su título, como si fuera un texto leído de derecha a izquierda, comenzando por la imagen del bebé que protagoniza la primera de las escenas junto con dos jóvenes que permanecen a su lado cuidándolo, un símbolo de la esperanza de la vida que empieza, con la que responde a la pregunta ¿De donde venimos?. A continuación, la parte central de la composición está ocupada por una mujer que trata de coger una fruta del árbol de la Ciencia del Bien y el Mal, como si se hallara en el Edén del que luego será expulsada , mientras a un lado de ella y al fondo se encuentran dos figuras conversando como si fueran filósofos que están preguntándose ¿de donde venimos?. Y finalmente, la tercera escena de la obra nos presenta a Vairumati, la madre del primer arioi, miembros de una sociedad religiosa de Tahití. Vairumati sería divinizada y para Gauguin tenía un valor simbólico similar a la Eva del Antiguo Testamento.Y a su lado una mujer anciana que se lleva las manos a la cabeza , en una postura que Gauguin tomó de una momia peruana que había sido hallada en esa postura. Las dos figuras representaban la muerte y el renacimiento, el ciclo de la vida humana.

Otra de sus obras más conocidas, "Dos Tahitianas" que va acompañado con el subtítulo "con flores de mango" de 1899. La mujer que nos mira directamente es Pau´ura , la que fue su esposa y con la que se iría a vivir al archipiélago de las Marquesas los últimos años de su vida  , que nos ofrece unos frutos rojos , cuyo color intenso centra toda nuestra atención. A su lado, otra joven lleva en sus manos flores disponiendo las manos en la posición de saludo utilizado en las islas . El fondo del cuadro es abstracto, para que nada distraiga nuestra atención de estas dos bellas jóvenes que en ningún momento parece que estuvieran posando, sino que más bien se diría que en su próximo movimiento acercaran las flores y los frutos para  darnos la bienvenida con ellos. Como escribiera el dramaturgo, poeta  y novelista irlandés Oscar Wilde(1854-1900) "No hay pose más difícil que la de ser natural" y Gauguin logra esa naturalidad que da vida a sus obras   (Imagen procedente de http://www.reproarte.com )

En 1898 Gauguin enviará este cuadro a París con otras obras realizadas en esta época como Hombre levantando los brazos y mujer sentada de espaldas de 1897 , Te pape nave nave (agua deliciosa) de 1898  y  Rave te iti aamu (El ídolo) de 1898. Obras donde las figuras carecen de volúmenes y parecen más como calcomanías que hubieran sido pegadas al paisaje , con aire ausente y frío, sin la vida que había caracterizado a las composiciones de años anteriores , con tonos más oscuros que parecen simbolizar la despedida de un mundo que se acaba  y siempre con la mujer como protagonista principal, una mujer que para Gauguin simbolizaba la vida feliz , como feliz le hicieron las mujeres que amó durante su estancia en la Polinesia .De las mujeres polinesias escribe en su diario "Noa Noa" que " La mujer maorí resulta un ser singular, pueril y majestuoso, escultural en sus raros instantes de inmovilidad, de ojos muy cándidos y muy agudos, con un encanto único, indefinible, quizás impenetrable".  Un año después, en 1899, pinta otra de sus obras maestras que además ha servido como cuadro de presentación de la exposición del Thyssen Bornemisza, "Dos tahitianas", aunque su primer título fue "Pechos con flores rojas" donde Gauguin retrata a dos mujeres tahitianas que llevan fruta y flores , presentándose ante nosotros para entregárnoslas después de pronunciar sobre sus ofrendas unos hechizos. Mujeres bellas, de piel de ébano , que simbolizan la fertilidad . Una de las dos mujeres, la que en el cuadro nos mira de frente, es Pau´ura, una joven que había conocido durante un primer viaje a las Marquesas, el mayor de los archipiélagos que forman parte de la Polinesia.

Esta es la fotografía de  Tohotaua, la esposa de uno de sus amigos, que Gauguin utilizaría para realizar el cuadro de la "Joven con abanico" realizado en 1902 . Tanto la fotografía como el cuadro se pueden contemplar en la exposición    (Imagen procedente de http://www.aloj.us.es )

Y como no podía faltar, este es el cuadro "Joven con abanico" que Gauguin pintaría en 1902, inspirado por la fotografía que veis más arriba y cuyas características trato de resumir un poco más abajo de este texto, cuando ya estaba en el archipiélago de las Marquesas, en la isla de Hiva' Oa, donde ya permanecería hasta su muerte en 1903 dedicado no sólo a la pintura sino también al grabado de madera y a esculturas en este material tratando de recuperar el espíritu del antiguo arte polinesio. Hasta el final, incluso cuando ya era consciente que no hallaría el Paraíso que tanto anhelaba hallar, siguió esforzándose por innovar, por crear al tiempo que consagraba sus últimas fuerzas a luchar por los derechos de los indígenas .Moriría convencido de que, según sus palabras "El salvaje es mejor que nosotros" y el se sentía como uno más de ellos "Porque es cierto -decía - soy un salvaje y los civilizados lo presienten"  (Imagen procedente de http://www.aloj.us.es )
 

Gauguin, que también está enfermo de lepra, se casara con Pau´ura y se irá a vivir con ella a las Marquesas,   estableciéndose en 1901 en la localidad de Atuona, en la isla de Hiva'Oa. Esta población fue la antigua capital de las Marquesas y una vez más Gauguin creyó hallarse en ese Paraíso que siempre había perseguido, sólo para descubrir que este paraíso no era tal debido a los abusos de las autoridades coloniales francesas sobre los habitantes de la isla. El enfermo y cansado Gauguin aún tuvo fuerzas para enfrentarse al gobierno para defender a los indígenas . A esta época corresponde otra de las obras de la exposición , "Muchacha con abanico" de 1902, donde retrata a una joven polinesia de nombre  Tohotaua, esposa de un amigo de Gauguin, a partir de una fotografía que podemos ver en la exposición junto al cuadro, si bien con la diferencia de que en la fotografía Tohotaua está vestida mientras que en la obra de Gauguin la retrata con el pecho descubierto , con uno de sus senos tapado por un abanico que sujeta con la mano derecha, lo que en la Polinesia tenía un significado de distinción  y el resto del cuerpo envuelto por un vestido blanco que contrasta con el bello color castaño de la piel de la muchacha y la tonalidad rojiza de su cabello. Pero en esta última etapa Gauguin más que a pintar se dedicará a realizar tallas y esculturas en madera donde trata de recuperar el primitivismo de la escultura indígena, tal vez cumpliendo lo que él mismo había dicho en una ocasión, "Para hacer algo nuevo hay que regresar a los orígenes".

En la exposición se informa que este cuadro , "Paisaje con perro", fue uno de los seis últimos cuadros que realizó Gauguin  , ya en el año de su muerte, 1903.  Según Gauguin la noche siempre había causaba pavor a los polinesios y escribía que "este pueblo siente un gran terror ante el espíritu de los muertos. Las fosforescencias de la noche son los espíritus de la noche , en quienes creen y a quienes temen" En esta obra la oscuridad, la noche y el perro inquieto que corre por el campo nervioso ante la presencia intuida de la Luna parecen simbolizar la llegada de la muerte y el convencimiento de Gauguin de la proximidad de su propio final. Moriría el 9 de mayo de ese mismo año (Imagen procedente de http://www.foroxerbar.com )

Y así entramos en el año 1903, con un Gauguin cansado y enfermo que parece sentir la inminente llegada de la muerte. Escribe "Finalmente he cumplido con mi deber y si mi obra no pervive al menos subsistirá la memoria de un artista que liberó la pintura de las cadenas académicas y de las plumas simbolistas" Podemos contemplar en la exposición uno de sus últimos seis cuadros, "Paisaje con perro", una obra de tonos oscuros, presentes en todas las obras de esta etapa final, donde un perro ocupa el centro de la composición, con una casa un poco más al fondo, corriendo por el campo como si presintiera la llegada de la luna igual que Gauguin siente la proximidad de su propia muerte. Aquel hombre que había escrito sobre sí mismo que durante su vida había buscado "un rincón de mi mismo todavía desconocido", moría en Atuona el 9 de mayo de 1903. En una de sus cartas expresaba su admiración por aquel mundo edénico del que él se sentía uno de sus últimos testigos antes de su extinción "El salvaje es mejor que nosotros. Te equivocaste un día al decir que incurriría en un error cuando decía que yo era un salvaje, porque es cierto, soy un salvaje y los civilizados lo presienten, pues en mis obras lo que sorprende y despista  e el elemento salvaje a pesar mio".

Autorretrato realizado por Paul Gauguin en 1903, el mismo año de su muerte a los 54 años de edad .  Veíamos como en 1889, antes de empezar su gran aventura, escribía "Tengo sangre india, sangre inca - su madre tenía familia en Perú donde estuvo residiendo unos años durante su infancia - y esto se refleja en todo lo que hago. Es la base de mi personalidad, intento confrontar la civilización podrida con algo más natural basado en lo salvaje". Quizás habría sido más acertado titular este artículo un pintor en busca de lo salvaje, pues eso es lo que buscaba Gauguin, un mundo primitivo, incorrupto, todavía virgen. Nunca lo encontró pero a cambio nos dejó una obra de una belleza y honestidad  que siguen vivas más de un siglo después (Imagen procedente de http://commons.wikimedia.org )

Aquí concluyo este recorrido por la vida de un hombre que quizás quiso buscar algo que no existía, que tal vez viajó tan lejos para huir de sí mismo, que sólo conoció la paz en momentos muy breves de su vida y no se si llegó a encontrar aquel "rincón de mi mismo todavía desconocido", pero nos dejó una obra vibrante, llena de color, de belleza y vida, aún en sus años finales más oscuros, que nos traen el eco de un mundo desaparecido, de un paraíso perdido del que Gauguin fue testigo y notario de su extinción.  No tengo conocimientos suficientes para transmitiros la profunda belleza y significado de su obra, pero espero, para el que no conociera su figura, haber despertado vuestra curiosidad y las ganas de visitar su exposición o ver su obra a través de los medios que hoy disponemos. Antes de viajar a la Polinesia Gauguin escribía "He tomado una firme resolución, la de irme a vivir para siempre a Oceanía. Pienso terminar allí mis días, libre y tranquilo, sin preocupaciones por el mañana y sin la eterna lucha contra los imbéciles". Por desgracia sólo pudo cumplir la primera parte de sus deseos, por fortuna para nosotros nos dejó la herencia de su maravillosa obra.



Tumba de Paul Gauguin en el cementerio de CavalryÁngel de la ciudad de Atuona , donde hoy viven no más de un millar de personas, situada en la isla de Hiva´Oa, en las Marquesas. Gauguin había llegado a Atuona en septiembre de 1901 a bordo de un barco con el poético nombre de "Croix du Sud", "La Cruz del Sur", y se construyó una casa en Atuona a la que dio el nombre de "Maison du jouir" o "Casa del placer" donde pasaría sus últimos años en compañía de Pau´ura . Junto a la entrada de su taller puso dos placas donde podía leerse "Sed amorosos y seréis felices" y en la otra "Sed misteriosos". Allí reposan sus restos, en la tierra a la que quiso pertenecer por voluntad propia , aquel paraíso que quizás ya se había perdido cuando llegó pero donde conoció también sus momentos de mayor felicidad y que fueron el origen de sus obras más hermosas. Muchos años después, el filósofo francés Émile Cioran(1911-1995) escribiría "El paraíso no era un lugar soportable, de lo contrario el primer hombre se hubiera adaptado a él; este mundo tampoco lo es, ya que en él se añora el paraíso o se da otro por seguro. ¿Qué hacer? ¿Dónde ir? No hagamos nada, no vayamos a ningún sitio, así, sin más." Tal vez tenga razón Cioran y sea inútil buscar paraísos perdidos, pero creo que no es tan importante encontrarlo como lo que vivimos mientras recorremos el camino que nos puede llevar hasta él. Ese camino es la vida y es lo que hizo que Gauguin encontrara lo mejor de su arte donde plasmó lo mejor de sí mismo  (imagen procedente de http://www.publico.es )