CAMILLE PISSARRO, EL PINTOR TRANQUILO

 

Hace un día desapacible, el cielo presenta un color gris amenazador, el viento es frío para ser el mes de junio y lejos de ser un día del final de la primavera más bien pareciera un anuncio del próximo otoño. Añoras la luz del verano que no llega, los prados bañados por la luz del sol, la suave brisa que te acaricia en una tarde estival, las profundas sombras de las arboledas que te ofrecen cobijo bajo sus ramas del calor inclemente. Añoras esa imagen del campo que los habitantes de las grandes ciudades, rodeados de asfalto, de ruido, de gente, de humo , hemos idealizado en nuestras mentes como una especie de paraíso perdido , un reducto de paz , de armonía , donde recuperaríamos el contacto con nuestra esencia. Recuerdas las palabras del escritor francés Víctor Hugo  "Produce una inmensa tristeza pensar que la naturaleza habla mientras que el género humano no escucha." y sientes que es verdad, que nos hemos olvidado de ella entre nuestras prisas cotidianas, nuestros edificios de cristal y hormigón que nos aislan del lugar de donde venimos, de esa naturaleza que siempre fue nuestro hogar y que ahora mantenemos alejada, maltratándola. Pero entonces atraviesas la puerta de un museo, pagas tu entrada y penetras en la sala donde se exponen las obras de un pintor que conoces vagamente pero que no tiene el renombre de las grandes figuras de la pintura y , de repente, te hallas inmerso en esa naturaleza que añorabas, desde docenas de cuadros parece como si se abriera una ventana a una naturaleza cálida, acogedora, apacible de brillantes colores verdes, de cielos azules, de caminos rurales que se pierden en bosques y campos, de pequeñas aldeas rodeadas de  huertas donde los labriegos trabajan en las faenas agrícolas como si apenas hicieran esfuerzo alguno, disfrutando de la libertad de un mundo sin patronos, sin horarios, sin prisas.  Miras el nombre del pintor. Es Camille Pisarro.


Autorretrato de Camille Pissarro realizado en 1903 , el mismo año de su muerte y con el que curiosamente la exposición del Museo Thyssen-Bornemisza abre esta muestra de su pintura y que yo también he escogido para abrir este artículo. Considerado "padre del impresionismo" aunque no fue el único, pues el movimiento surgió de la unión de las inquietudes de varias decenas de pintores entre los que estaban Claude Monet(1840-1926), Edgar Degas(1834-1917), Paul Cézanne (1839-1906) o Pierre Auguste Renoir (1841-1919)  que en 1874 se organizaron en la llamada Sociedad Anónima y realizaron su propia exposición al margen del Salón Oficial de París, patrocinado por la Academia de Francia  y donde una vez tras otra habían sido rechazadas las novedosas técnicas pictóricas de este grupo de inquietos artistas que buscaban una nueva forma de expresión. Gracias a ellos el arte abrió una puerta a la experimentación que ha seguido abierta desde entonces. A Camille Pissarro, el mayor en edad de este grupo , le cupo el honor de escribir los estatutos de aquella Sociedad Anónima y convertirse en una especie de padre de aquellos pintores que iban a revolucionar el arte (Imagen procedente de http://www.museothyssen.org )

 

No exagero al deciros que eso es lo que me transmitió la visita a la  exposición que el Museo Thyssen -Bornemisza de Madrid  dedica al considerado "padre del impresionismo" al que yo no conocía demasiado al margen de su relación con otros pintores contemporáneos y amigos suyos como Paul Cézanne(1839-1906) o Claude Monet (1840-1926) , pero una de las grandes ventajas de vivir en una ciudad con grandes museos como Madrid es poder remediar parte de esa ignorancia dejándote seducir por una magnífica exposición como la que podrá verse hasta septiembre de este año 2013. Y quería compartir con vosotros a través de este relato  la vida de  un pintor que no tiene el dramatismo y la pasión de otros pintores del siglo XIX, aquellos hombres que revolucionaron la pintura buscando nuevas respuestas llenas de audacia, tanto en el color como en las formas , descubriendo un nuevo mundo que hasta entonces había permanecido oculto a nuestros ojos. En efecto, la vida de Pissarro no fue tan intensa en acontecimientos dramáticos como la de un Van Gogh (1853-1890) o la del propio Cézanne,  y por eso he titulado este artículo como "El pintor tranquilo" porque es lo que transmite Pissarro en sus obras, armonía, paz, tranquilidad en un entorno donde la naturaleza es la protagonista, pero una naturaleza domesticada por el hombre, un campo amable en el que el ser humano puede ser feliz y vivir en paz y armonía con lo que le rodea.  Y ahora os invito a que me acompañéis a conocer mejor a este hombre que tuvo que trabajar y luchar mucho para sacar a su familia adelante, pero que supo comunicar a través de su obra su espíritu bondadoso, alegre y amable que quedaba demostrado en esas palabras del escritor Émile Zola sobre la obra de Pissarro "Un buen cuadro de este artista  equivale a la acción de un hombre honrado".

Esta obra junto con la siguiente que os adjunto, la acuarela "Bananeros" , son las únicas de las obras de Camille Pissarro que os incluyo en este artículo no que están en la exposición del Museo Thyssen, pero la incorporo aquí porque además de ser una de sus pinturas de la primera época de Pissarro retrata a su tierra natal, la isla de Saint Thomas, en el Mar Caribe. Se titula "Dos mujeres a la playa" y fue pintada en 1856, cuando Pissarro tenía veintiséis años y había dejado ya su tierra natal para instalarse definitivamente en Francia y seguir su vocación artística después de convencer a sus padres. Muchos años después ,en 1896 , Pissarro hablará en nombre de toda aquella generación de pintores  que durante la segunda mitad del siglo XIX cambiaron la forma de ver el arte " No estamos pidiendo ser mejor considerados que los pintores clásicos - decía Pissarro -, sino que nos dedicamos a la búsqueda de nuestro propio sentimiento, lo que es diferente"  Aquellos hombres, como ´haría Pissarro a lo largo de toda su vida, buscaban una forma de expresarse al margen de los cánones establecidos. El impresionismo no fue más que otra estación en ese camino, al que seguirían otros caminos como el puntillismo, el fauvismo, el cubismo o la abstracción, diferentes nombres para un mismo objetivo, la búsqueda de dar vida a los sentimientos , a las emociones, a la propia visión del mundo de cada artista que luego ofrecen al espectador para que a su vez desarrolle su propia visión (Imagen procedente de http://www.reproarte.com )

Hay una versión muy resumida de las primeras décadas de vida del pintor que nos ha dejado él mismo en una carta dirigida a su marchante  y que nos recuerdan en esta exposición "Esta es mi biografía - nos dice Pissarro - Nacido en Saint Thomas. Vine a París en 1841 para entrar en la pensión Sabory. Al final de 1847 regresé a Saint Thomas , donde comencé a dibujar mientras estaba empleado en una casa de comercio. En 1852 abandoné el comercio y partí con Fritz Melbye, pintor danés, a Caracas, Venezuela, donde me quedé hasta 1855, en que regresé a París a tiempo para pasar tres o cuatro días en la Exposición Univeral. A partir de entonces me establecí en Francia .En cuanto al resto de mi historia como pintor está vinculada al grupo impresionista". Pero creo que  esto, si bien es conciso y cierto, resulta demasiado breve así que mejor vamos a viajar hasta el 10 de julio del año 1830 cuando en la caribeña isla de Saint Thomas, que desde el siglo XVII se hallaba en manos danesas y que sería adquirida por Estados Unidos en 1917 por veinticinco millones de dólares formando ahora parte del norteamericano archipiélago de las islas Vírgenes, nacía un niño al que sus padres pusieron por nombre Jacob-Abraham-Camille Pissarro . Era el tercero de los cuatro hijos de Abraham Gabriel Pisarro, un judío sefardí que a finales del siglo XVIII había emigrado junto a sus padres desde la portuguesa población de Braganza hasta la ciudad francesa de Burdeos , y de la dominicana Rachel Manzano-Pomié . Una curiosa mezcla de sangre en una familia adinerada que permitiría a Camille formarse bien y viajar. Como el mismo contaba había viajado a París en 1841 para continuar sus estudios y seis años después regresaba a su patria natal para ayudar a su padre en el negocio que tenía en la isla.



Acuarela "Bananeros"  realizada en 1854 durante su estancia en Venezuela  donde permanecería durante dos años junto a su amigo y primer maestro, el pintor danés Fritz Sigfred Georg Melbye, al que a su vez había conocido en Saint Thomas. No era no era extraño que hubiera encontrado al artista danés allí  ya que la isla pertenecía entonces a Dinamarca. Ya en estas primeras obras vemos su interés por el que iba a ser el motivo principal de casi toda su producción pictórica hasta la década de 1890, los paisajes. Sería en las últimas dos décadas de su vida cuando debido la ciudad, los puertos y los puentes se convirtieron en los protagonistas de sus obras, en gran parte debido a una dolencia ocular que le impedía pintar al aire libre  a partir de 1896 (Imagen procedente de http://commons.wikimedia.org )

 

Pero ya entonces tenía clara su vocación artística y aprovechaba cualquier momento libre en sus ocupaciones cotidianas para dibujar aquello que sería el distintivo de su obra , los paisajes tomado al natural. En una de estas excursiones a la naturaleza se encontró con el pintor danés Fritz Sigfred Georg Melbye (1826-1869), que se había establecido en 1849 en Saint Thomas. Entre los dos nace una estrecha amistad y Melbye se convierte en el maestro de Pissarro y será quién le anime a acompañarle en 1850 a un viaje a la República Dominicana , pasando unos meses en la ciudad de Santo Domingo donde Melbye pinta la que podría ser la primera obra sobre un paisaje de la República Dominicana  y Pissarro también realiza varias acuarelas. Después de unos meses allí regresan a Saint Thomas y a continuación Fritz viaja a Venezuela. Regresa un año después aunque sólo para volver a viajar a Caracas en 1852 y ahora acompañado por el joven Pissarro. Los dos pintores pasarán los siguientes dos años en Venezuela . Melbye decide quedarse durante más tiempo pero en 1854 Pissarro regresa a Saint Thomas y convence a sus padres para que le permitan viajar de nuevo a París para dedicarse a lo que sabía que era su verdadero destino , la pintura. Llega a la capital francesa en 1855 justo cuando se celebra la Exposición Universal que tendría lugar entre el 15 de mayo y el 15 de noviembre de 1855 bajo el título de  Exposición Universal de los productos de la agricultura, de la industria y las bellas artes de París . Era la primera de estas exposiciones universales que reservaba un espacio a las bellas artes y allí entraría en contacto Pissarro con las nuevas tendencias pictóricas representadas por pintores como Jean-Baptiste Camille Corot (1796-1875), uno de los mejores paisajistas de su época rompiendo con el academicismo anterior con una pintura más fresca y espontánea que abandonaba el estudio para retratar la naturaleza con el caballete inmerso en ella.

"Vile d´Abray" de Jean Baptiste Camille Corot realizada hacia 1867. Esta obra, que por supuesto no se encuentra incluida dentro de la exposición dedica a Pissarro ya que es de uno de sus maestros, la incluyo sólo para que la comparéis con la que os he puesto un poco más arriba, "Dos mujeres a la playa", realizada en 1856, un año después de conocer a Corot. Si os fijáis  hay cierto parecido en la forma difuminada en que se representa la escena, lejos del detallismo característico de las obras academicistas aceptadas en la época que buscaban representar la realidad como si fuera una fotografía, sin dejar libertad para la propia traducción de esa realidad por parte del artista. El propio Corot tuvo que soportar muchas críticas que le consideraban un pintor mediocre que dejaba sus pinturas incompletas. Corot fue uno de los precursores del impresionismo, aunque luego no apoyaría directamente el movimiento impresionista porque no estaba del todo de acuerdo con las avanzadas ideas sociales de este grupo. El propio Pissarro, su discípulo, mostraría a lo largo de toda su vida una gran simpatía hacia el anarquismo y las ideas socialistas     (Imagen procedente de http://commons.wikimedia.org )

La obra de Corot era controvertida y algunos le acusaban de no terminar sus cuadros, ya que era una pintura más ligera que la de los academicistas, y hasta el poeta Charles Baudelaire tuvo que salir en su defensa "Existe una gran diferencia entre un cuadro hecho y un cuadro acabado... La mirada del público está tan acostumbrada a esas piezas brillantes, limpias e industriosamente bruñidas que a Corot siempre se le reprocha que no sabe pintar." La influencia de Corot iba a ser decisiva para la formación de Pissarro que en estos años se dedica ,al igual que Corot, a la realización de paisajes al tiempo que perfecciona su estilo estudiando en la Escuela de Bellas Artes y la Academia de Jules Suisses donde conocería a dos de sus grandes amigos, los pintores Claude Monet y Paul Cézanne. Ellos serían algunos de los impulsores de un movimiento que unos años después iba a revolucionar el arte. Pero antes, en 1859, Pissarro participa por primera vez en el Salón Oficial de París  donde se exponían obras de pintores bajo el control de la Academia de Bellas Artes que era quién juzgaba que obras podían ser exhibidas y admitía sólo las obras que seguían los esquemas establecidos por la Academia basados en una reproducción  fiel de la realidad y rechazando cualquier obra que no cumpliera con los cánones establecidos por ellos. Monet, Cézanne y Pisarro ya son amigos y Pissarro acompaña en algunas excursiones al campo a Monet para pintar paisajes del natural y tratar de captar como la luz puede transformar lo que se retrata, algo que iba contra la ortodoxia de la Academia.  Un cambio se estaba fraguando .

Fotografía de Camille Pissarro y su esposa Julie Velay en 1877 cuando el pintor contaba con cuarenta y siete años de edad. Tendrían en total ocho hijos y la amplia producción artística de Pissarro en lo que se refiere al número de cuadros  se debe en buena parte a la necesidad de mantener a su gran familia. Para casarse con Julie tuvo que romper las convenciones sociales y la oposición de sus padres que se negaban a que su hijo se casara con aquella mujer de inferior clase social, ya que trabajaba para ellos como criada aunque era hija de un viticultor, y no era judía como Pissarro y su familia. Nada de eso impediría que ambos pasaran juntos el resto de su vida    (Imagen procedente de http://commons.wikimedia.org )

Pissarro sigue apareciendo en el Salón Oficial donde es anunciado como un discípulo de Corot. En 1866 Pissarro se establece durante dos años en la pequeña población de Pontoisse , con unos seis mil habitantes entonces, situada en la Isla de Francia, la región francesa cuya capital es la propia París. A lo largo de los siguientes veinte años Pissarro vivirá de forma intermitente en esta ciudad  que habría elegido tal vez porque ningún otro pintor se había asentado en aquella zona, por lo que podía trabajar sin que nadie dijera que seguía los pasos de otros artistas. En los cuadros de estos años comienza a mostrar la madurez de su estilo, que adquiere unos tonos más vivos y luminosos, dejando atrás los colores más sombríos de sus primeros años. Unos años antes, en 1860, había conocido a una joven de veintidós años , Julie Velay(1838-1926), que trabajaba en la casa de sus padres como criada y se enamora de ella . La relación escandaliza a sus padres, tanto por la baja condición social de Julie como por no ser judía, pero Pissarro no piensa dejarla, mostrando ya su carácter independiente y contrario a los convencionalismos de la sociedad de su tiempo que luego le llevará a adoptar una actitud de simpatía hacia el pensamiento socialista y anarquista .Ya en 1869 se establece junto con Julie en Louveciennes, otra localidad en la región de París, pero pronto tendrán que abandonarla , porque en julio de 1870 estalla la guerra entre Francia y Prusia  que tendrá un desarrollo catastrófico para los intereses de Francia y en septiembre las tropas prusianas ponen cerco a París. Antes, muchos franceses habían buscado refugio lejos de la ciudad, entre ellos el propio Pissarro que había viajado con su amada Julie a Inglaterra. Ambos se casarán en Londres en 1871 y a lo largo de su matrimonio tendrán ocho hijos, lo que obligará a Pissarro a trabajar durante toda su vida con gran intensidad para mantener a una familia tan amplia.

La Varenne Saint Hilare vista desde Champigny hacia 1863 , una de las obras donde ya reconocemos al Camille Pissarro impresionista con uno de sus motivos principales, los campos de Francia, bañados por la luz del sol , cono verdes intensos y con el hombre integrado en la naturaleza, pero una naturaleza domesticada por la mano del hombre . El comisario  de la exposición de Pissarro y director del Thyssen-Bornemisza,  Guillermo Solana , explica sobre nuestro protagonista "Así como Monet, Renoir entre otros estaban interesados en el estudio estético de la burguesía parisina y asumían el campo sólo como espacio de ocio y descanso, Pissarro decide vincularse a un espacio concreto y profundizar en el paisaje elegido, los pueblos donde vivió como Louveciennes, Pontoise y Éragny, en sus gentes y costumbres" Una pintura aparentemente sencilla, pero que nos transmite el amor que Pissarro  sentía por aquel mundo donde el hombre y la naturaleza conviven en armonía, una mirada idealizada donde no caben el sufrimiento del trabajo en el campo sino la satisfacción de la labor realizada y el saberse dueño de su propio tiempo. Era un mundo sin patronas y donde el sol marcaba el ritmo de la vida   (Imagen procedente de http://www.quadri-e-stampe.it ) 

 Pissarro se llevará allí la sorpresa de encontrarse también con su amigo Claude Monet y trabajarán juntos durante todo aquel año que permanecieron en la capital inglesa . Escribe Pissarro sobre aquellos días y también sobre las obras de los maestros ingleses que conocieron allí, como las de Willian Turner (1775-1851) considerado "el pintor de la luz" que tendría una considerable influencia en el movimiento impresionista del que tanto Monet como Pissarro estarían entre sus fundadores "Monet y yo estábamos llenos de entusiasmo por los paisajes de Londres . Monet trabajaba en los parques mientras yo, que vivía en Lower Norwood , un suburbio encantador por entonces, estudiaba los efectos de la niebla , de la nieve y de la primavera. Trabajábamos del natural. También visitábamos los museos. Las acuarelas y los cuadros de Turner y de Constable, las telas de Old Crome, tuvieron indudablemente una influencia en nosotros" y añade "Sobre todo nos sentíamos impresionados por los paisajistas que entraban más en nuestras visiones sobre el aire libre , la luz y los efectos fugitivos"  Aquí se despojaría Pissarro definitivamente de los tonos oscuros de su pintura que se vuelve luminosa, esa luminosidad que ,como os decía al principio del artículo, te deslumbra cuando te hallas ante sus paisajes que parecen ventanas abiertas a la naturaleza. Tanto Monet como Pissarro desarrollarían aquí la técnica del impresionismo. Claude Monet escribiría tiempo después estas palabras que resumen su filosofía artística y las intenciones del impresionismo "Trata de olvidar  que objetos tienes delante: un árbol, una casa, un campo. Simplemente piensa : aquí hay un pequeño rectángulo de color azul, allí una circunferencia rosa, ahí una raya amarilla , y píntalo tal y como te parece".

"Camino de Versalles, Louveciennes. Sol de invierno y nieve " realizada en 1870 , el mismo año en que estuvo allí con él su amigo Claude Monet. Ambos realizarían obras sobre un mismo motivo pero cada uno de ellos con su propia interpretación. En esta pintura en concreto aparece uno de los motivos más representados en los cuadros de sus primeas décadas, los caminos que se dirigen hacia el fondo del cuadro, invitándonos a seguirlo con la mirada, a querer recorrerlo para averiguar hacia donde nos conduce. . Los árboles marcan nuestra mirada  pero no están dispuestos simétricamente, como exigía el academicismo imperante, sino que los vemos situados de forma irregular. Sin embargo , las sombras que se proyectan sobre el camino si son simétricas, lo que nos hace suponer que hay otros árboles que no salen en la imagen pero que proyectan esas sombras. Aunque esto os pueda parecer irrelevante inquietaba a los críticos de arte de su tiempo que acusaban a Pissarro de "obligar a los espectadores a suponer demasiado". La imaginación no estaba precisamente muy valorada   (Imagen procedente de http://www.museothyssen.org )

En 1871 termina la guerra franco-prusiana y Pissarro y su ya esposa Julie regresan a su hogar en Louveciennes para descubrir que había sido saqueada por las tropas prusianas y deciden establecerse de nuevo en Pontoise y permanecerán allí hasta 1882. Durante su estancia en Londres había conocido al marchante de arte Paul Durand-Ruel (1831-1922) que será uno de los principales apoyos para los pintores impresionistas cuando el movimiento comience su andadura en el mundo del arte ante la incomprensión de los académicos. En 1873 recibe en su hogar de Pontoise a su amigo Paul Cézanne y al igual que había sucedido con Monet en Londres, ambos trabajarán juntos  realizando diferentes versiones de un mismo motivo, como una calle o un paisaje. Sobre Cézane escribe en 1872 "Nuestro Cézanne nos da muchas esperanzas. Tengo en mi casa una pintura de notable vigor , de fuerza notable. Si, como espero, permanece durante un tiempo en Auvers , donde va a residir, muchos artistas que lo condenaron apresuradamente se asombrarán" Vemos en sus palabras el carácter bondadoso y protector de Pissarro , que lejos de sentir envidia por el talento de sus amigos, los admiraba y protegía y por eso luego merecería el nombre de Padre del Impresionismo, porque se comportó como el protector y padre de todos ellos, también porque por edad era el mayor de ellos. Los grandes protagonistas de las obras de Pissarro en estos años son los paisajes, donde los caminos que se abren entre la hierba, los árboles y el maravilloso verde de su pintura los auténticos protagonistas de estos cuadros. Trata de transmitir la paz y la armonía del mundo rural , retratando escenas de la naturaleza mezclada con otras de la vida cotidiana en el campo. Pero sus protagonistas no muestran el sacrificio y la dureza asociada con la vida del campesino, sino la satisfacción del que disfruta con lo que hace y se sabe libre , sin nadie que le ordene, dueño de su tiempo.



"El Oise , cerca de Pontoise, día nublado" de 1876 , realizado durante su segunda estancia en Pontoise . Una vez más os encontramos con los caminos de Pissarro, en este caso con una pareja de campesinos que pasea tranquilamente a orillas del río Oise , precedidos por otra figura que monta a caballo mientras nuestra mirada se dirige hacia el fondo donde la alta chimenea nos anuncia la presencia de la industria, pero una industria perfectamente integrada en el mundo rural e incluso la fábrica parece una casa más del pueblo. Pissarro no veía la industrialización como una amenaza para la vida en el campo sino como una oportunidad  para el progreso que permitiría un futuro mejor  (Imagen procedente de http://www.algomasquearte.es )
 

Ya en 1874 pintores como Claude Monet o Edgar Degas (1834-1917) están cansados de ver como año tras año sus obras son rechazadas por el Salón de París por no ajustarse a la ortodoxia de la Academia Francesa y deciden fundar la llamada Sociedad Anónima, cuyos estatutos fueron redactados por el propio Pissarro, y organizan la que llamaron Primera Exposición que tendría lugar entre en el 35 del Boulevard des Capucines en París entre el 15 de abril y el 15 de mayo de 1874. Se convertiría en la primera exposición del movimiento artístico que sería bautizado poco después con el nombre de Impresionismo. En él participaron 39 pintores de este nuevo movimiento que se alejaba de los cánones clásicos establecidos por la Academia de Bellas Artes, intentando plasmar la impresión, de ahí su nombre, que causaba en el artista la luz y el color en un instante concreto . El desarrollo y evolución del impresionismo rompería las rígidas reglas que habían dominado el arte en general y la pintura en particular, abriendo las puertas a nuevas formas de expresión y estilo que se sucederían durante las décadas siguientes desde el sintetismo al que se adscribiría parte de la obra del propio Gauguin, al fauvismo, el cubismo o la abstracción. Y entre aquellos pintores se encontraba Camille Pissarro que sería el único que expondría en las ocho exposiciones del movimiento impresionista que tendrían lugar hasta el año 1886. En cuanto al nombre con el que fue conocida esta nueva corriente del arte se debía al célebre crítico de arte francés Louis Leroy (1812-1885) que en la primera exposición de 1874 había descrito con estas palabras las sensaciones que le había provocado una de las obras expuestas, "Impresión, sol naciente" de Claude Monet "Me estaba diciendo a mí mismo que, dado que estaba impresionado, alguna impresión debía de haber en la obra ¡y que libertad, qué factura!El papel de empapelar  en su estado embrionario  está más acabado que esto!" Curiosamente, el título empleado por Leroy en su crítica sería por el que fue conocido el nuevo estilo pictórico, el Impresionismo.

"En el huerto" de 1878,  una obra que el crítico italiano Diego Martelli compró a los pocos meses de haber sido realizada , dejando asombrado al propio Pissarro que hasta entonces no había tenido demasiado éxito y solía hallarse en considerables problemas económicos de los que le sacaban sus amigos, entre ellos Claude Monet que le prestaría el dinero para que en 1886 se comprara la casa en  Eragny sur Epte donde pasaría el resto de su vida (Imagen procedente de http://revistatarantula.com )

BREVE VÍDEO CON OBRAS DE CAMILLE PISSARRO

 

Como no me es posible más que incluir una muy reducida muestra de la bella pintura de Camille Pissarro y no he encontrado ningún documental en castellano dedicado a su obra, al menos quería mostraros este vídeo de diez minutos donde acompañados por la música podéis disfrutar de algunas de las maravillosas obras de Pissarro, muchas de las cuales pueden ser disfrutadas hasta el mes de septiembre de este año 2013 en el Museo Thyssen Bornemisza .

 

Sin embargo, y a pesar del buen trabajo del  marchante Paul Durant Ruel , Pissarro no tendría un gran éxito comercial hasta una edad avanzada. Por eso, en 1878 se asombra cuando el crítico italiano Diego Martelli (1838-1896) adquiere a los pocos meses de su realización la obra de Pissarro titulada " En el huerto" "Este último - decía Pissarro sobre Martelli - es bastante entusiasta de esta pintura (hace referencia a "En el huerto") Tiene tanta estima de mi arte que estoy confuso. No me atrevo a creerlo" Pissarro no se valoraba a sí mismo de la misma forma que valoraba a los demás, no creía que tuviera su mismo talento y por eso le asombraba que otros si lo reconocieran. Durante todos estos años sigue colaborando estrechamente con Cézanne  que siempre le tendría en una gran estima , como lo demuestran estas palabras muchos años después, ya al final de su vida "En cuanto al viejo Pissarro, fue un padre para mí. Era un hombre a ser consultado, como Dios".  En 1882 la familia Pissarro se traslada a Osny, situada a las afueras de Pontoise donde trabajará los siguientes tres años. Pissarro siente que el impresionismo ya ha dado todo lo que podía ofrecer y estaba buscando nuevas formas de expresión pero de momento no encuentra ese estilo . Sus cuadros ya son apreciados por muchos críticos , entre ellos el gran escritor Émile Zola que escribe sobre sus cuadros de paisajes " Hay en estos cuadros de la vida rústica como un eco de las penas y fatigas de la ruda labor en los campos. El pincel de Pissarro parece una azada que remueve penosamente la tierra".  El mismo Zola escribiría en otra ocasión "Un buen cuadro de este artista equivale a la acción de un hombre honrado" . La obra de Pissarro no tardará en ser muy cotizada y a partir de la década de los noventa conocerá el reconocimiento que no había tenido en sus primeros años.

"La forrajera" de 1884 , una de las obras que más me han gustado de la exposición por su luminosidad, a la que la fotografía de la obra no hace del todo justicia pues ante ella parece que la luz irradia de su interior. Una escena llena de paz, donde la mujer hace un alto en el trabajo en una tarde que adivinamos cálida, con un campo inundado de un verde resplandeciente , que observa como un niño, probablemente su hijo, se acerca a ella entre las hierbas que casi cubren la mitad de su pequeño cuerpo. El escritor Émile Zola escribía sobre estas escenas de la naturaleza de Pisssarro "En ellas se oyen las voces profundas de la tierra, se adivina la vida poderosa de los árboles" y es cierto, cuando te detienes ante ellas casi dirías que puedes sentir el olor del heno, la brisa que corre entre los árboles, el tímido calor de una mañana de primavera . Es una pintura que transmite vida, luz y una mirada amorosa sobre el  paisaje retratado y sobre las personas que lo habitan (Imagen procedente de http://www.elcultural.es )

En 1885 los Pissarro hace de nuevo las maletas para establecerse en Eragny-sur-Epte , situado en la Picardia, al norte de Francia, donde consigue comprar una casa gracias al préstamo que le hace su amigo Claude Monet. Aquí vivirá Pissarro los últimos años de su vida  y será en ese mismo año de 1885 cuando conozca a los pintores Georges Pierre Seurat (1859-1891) y  Paul Victor Jules Signac (1863-1935), que le introducirán por los caminos de un nuevo estilo, el puntillismo que será el estilo que dominará la obra de Pissarro durante los siguientes cinco años. El puntillismo, un nombre que nunca le gustó ni a Seurat ni Signac,  sustituía las pinceladas en el lienzo por puntos de color  que de cerca parecían no significar nada pero al alejarse formaban lo que el pintor había querido representar. Pissarro se entusiasma con esta nueva técnica pero si finalmente la abandonó hacia 1890 fue por el excesivo trabajo que requería , lo que retrasaba su realización y que  era incompatible por el ritmo de trabajo que requería para poder mantener a su familia aunque Signac también recoge en su diario personal  otra razón para el abandono de este estilo por parte de Pissarro "No consigue encontrar su etilo en nuestra técnica de oposición y contraste. Busca la unidad en la variedad , y nosotros la variedad en la unidad" A partir de 1890 el protagonismo es de los paisajes de Eragny . En sus cuadros integra las fábricas , ya que Pissarro era partidario del progreso y estaba convencido que era posible compatibilizar el respeto a la naturaleza que amaba tanto como al desarrollo industrial que traería un nuevo bienestar a la sociedad. Pero en 1895 se agrava una afección ocular que ya padecía  desde años atrás y se ve obligado a abandonar la pintura al aire libre porque el sol dañaba sus ojos. A partir de ahora se dedicará a retratar la vida en París así como también los puertos industriales de la costa atlántica francesa y otro de sus motivos favoritos, los nuevos puentes que veía como un símbolo del progreso

Pont Boieldieu y Pont Corneille, Rouen, efecto de lluvia, de 1896. Esta obra pertenece a su última época, cuando una dolencia en la vista le impide seguir trabajando al aire libre y tiene que cambiar sus obras sobre paisajes a otras donde la ciudad, los puertos  y los puentes son los protagonistas, como esta realizada en Ruan de los puentes sobre el Sena de  Boieldieu, que había sido construido apenas hacía ocho años y era  un símbolo del progreso que tanto gustaba a Pissarro,   y Corneille . Además se entusiasmaba por la vida, los colores, el movimiento que había en los puertos y en las ciudades , realizando series de cuadros con el mismo motivo pero tratados de diferentes formas . En este caso los retrata en un día de lluvia, pero en la exposición se puede ver  "El puente de piedra de Ruan, día nublado" realizado ese mismo año  y había hasta trece cuadros más realizados en ese mismo escenario bajo diferentes luces . Pissarro nunca dejaba de buscar nuevas formas de expresar sus emociones en la pintura y siguió haciéndolo hasta el mismo año de su muerte  (Imagen procedente de http://www.elcultural.es )

De esta forma nacen series de cuadros de un mismo escenario urbano bajo diferentes luces, condiciones climatológicas y estaciones del año . En 1896 pasa dos temporadas en Ruan para pintar sus puentes sobre el Sena. Escribe a su hijo  Lucien "He enviado al instante a Eragny quince cuadros donde he intentado dar una idea del movimiento, de la vida, de la atmósfera , del puerto tan poblado de barcos humeantes, puentes, chimeneas, barrios de la ciudad en la bruma, en la niebla, el sol poniente. " Y añadía  "He tenido suerte de tener barcos con mástiles rosas, amarillo oro, negros" . Estos cuadros estaban llenos de vida y si vais a la exposición encontraréis obras como el "Pont Boieldieu y Pont Corneille, Ruan, efecto lluvia" y el "Puente de Piedra de Ruan, día nublado" , ambas de 1896 .También se pueden ver algunos de los cuadros que formaban parte de una serie de obras dedicadas a los boulevares de París , para lo que alquiló una habitación en un hotel de la ciudad "Una serie sobre los boulevares me parece una buena cosa para hacer y a mi me divierte vencer la dificultad. He reservado una habitación espaciosa desde donde veo toda la enfilada de boulevares"  Son obras con un sorprendente enfoque de arriba a abajo, no olvidemos que lo hacía desde la altura de su habitación en el hotel, llenas de vida y con diferentes efectos, como los que aparecen en la exposición "Boulevard Montmartre, mañana de invierno" del 1897 y ese mismo escenario pero en un día muy diferente "Boulevard Montmartre, martes de Carnaval por la tarde" también de 1897 donde vemos el contraste entre la luz gris y las calles mortecinas del invierno con el alboroto y las luces del día de Carnaval.

"Boulevard Montmartre , mañana de invierno"  realizado en 1897 que se puede ver en la exposición junto con la obra que se encuentra justo debajo de estas líneas y que forman parte de su serie sobre los boulevares de París, retratados desde una habitación de hotel. Supo adaptarse a sus problemas de vista  dando un giro a su pintura que ahora mostraba los escenarios urbanos bajo diferentes luces y en diferentes épocas del año , cuadros llenos de vida y dinamismo . Como escribía a su hijo Lucien "Estoy encantado de poder intentar hacer estas calles de París , que se tiene la costumbre de llamar feas, pero que son tan plateadas, luminosas y vivas . Es lo moderno de lleno"     (Imagen procedente de http://arthistory.about.com )



"Boulevard Montmartre, martes de carnaval por la tarde" de  1897 . Realizado el mismo año y en el mismo lugar que la obra que está justo encima de esta , nos muestra el Boulevard de Montmartre bajo una perspectiva completamente diferente, en una tarde luminosa de carnaval, con las calles repletas de gente que contemplan un desfile. Casi nos parece poder escuchar las risas, las voces , el sonido producido por miles de personas que llenan de vida desbordante esta obra de Pissarro(Imagen procedente de http://floresypalabras.blogspot.com )

A los puertos industriales dedicará más de ciento veinte obras  a lo largo de dos décadas y serán ellos los protagonistas de sus últimas obras.  La exposición se cierra con esta carta escrita por Pissarro en septiembre de 1903 a su hijo desde uno de esos puertos que tanto entusiasmo le despertaban "Todos los días veo pasar ante mi ventana los grandes vapores transatlánticos y otros buques de la mañana a la noche y veo también los muelles , el tráfico  , es un espectáculo grandioso" Apenas dos meses después de escribir esta carta, el 13 de noviembre de 1903 Camille Pissarro, el hombre que sería recordado como el Padre del Impresionismo, el artista bondadoso, siempre de buen humor y con una vida tranquila lejana a los dramas de otros artistas, fallecía en París. En comparación con Monet, Gauguin, Cézanne, Van Gogh o Renoir, su nombre parece brillar menos pero cuando te encuentras ante sus obras , a esos paisajes cotidianos del campo, a las escenas de la vida rural, pareces sentir el calor, el aroma de las flores, la caricia de la brisa, la paz y armonía que emana de sus pinceladas que transmiten ,por encima de todo, una mirada amorosa sobre el mundo que le rodeaba, un profundo sentimiento de amor por la naturaleza y por el hombre . El poeta polaco Stanislaw Przybyszewski escribía que "El arte es aquello que representa lo que hay de eterno en el mundo." y Pissarro, con esas pinturas aparentemente tranquilas, en las que pareciera que no sucede nada, con escenas cotidianas, logra capturar esa belleza eterna que está presente a nuestro lado pero que a veces no nos da tiempo a percibir. Un mundo para ver despacio, unas obras para perderse en sus verdes, para sentarse bajo sus árboles, para charlar con esa labriega que descansa mientras ve acercarse a su hijo. Pissarro, el pintor tranquilo, sereno, armonioso. Un pintor luminoso que nos recuerda lo hermosa que es la vida.

"El huerto de Eragny" de 1896. Quería terminar este artículo sobre la exposición del Museo Thyssen Bornemisza y la vida de Camille Pissarro con esta obra que es de las que más me cautivaron, donde destaca el brillo de sus colores, aún más acusado después de su paso por el puntillismo que, como vimos fue la técnica que empleó entre 1885 y 1890 aunque luego la abandonara porque no encontraba en ella la forma adecuada para expresar sus emociones. Un recorrido por su pintura es como abrir una ventana al campo, a la luz, a la alegría que nos recuerda lo hermoso que puede llegar a ser el mundo que nos rodea, incluso aquel que nos parece más cotidiano y que por la misma razón no llama nuestra atención. Si la pintura transmite el espíritu de un hombre, sus obras nos muestran a un hombre bondadoso que miraba el mundo con entusiasmo y amor que se traduce en la luminosidad de estos cuadros, sólo en apariencia sencillos, porque como decía el  científico Albert Einstein "El arte es la expresión de los más profundos pensamientos por el camino más sencillo."   (Imagen procedente de http://lostonsite.wordpress.com )

PAUL GAUGUIN, UN PINTOR EN BUSCA DEL PARAÍSO (PRIMERA PARTE)

¿Qué es el paraíso? Según el Diccionario de la Lengua Española el paraíso es "Cielo, lugar en que los bienaventurados gozan de la presencia de Dios" en una definición que une la palabra Paraíso con la historia bíblica recogida en el Génesis, donde podemos leer "Plantó después Yavé Dios un jardín en el Edén, al Oriente, y en él puso al hombre que había formado. Hizo Yavé Dios germinar del suelo toda clase de árboles agradables a la vista y apetitosos para comer, además del árbol de la vida , en medio del jardín, y del árbol de la ciencia del bien y del mal"(Génesis 2,8-11). Aquel jardín era el Edén , el Paraíso en la Tierra del que fue expulsado después de desobedecer la prohibición de comer del árbol de la ciencia del bien y del mal "¡He ahí al hombre que ha llegado a ser como uno de nosotros por el conocimiento del bien y del mal!No vaya ahora a tender su mano y tome del árbol de la vida, y comiendo de él viva para siempre!"(Génesis 3, 22-23) y concluye la historia el Génesis indicando que Yavé Dios "Arrojó, pues, al hombre y puso delante del jardín de Edén los querubínes y la llama de la espada flameante para guardar el camino del árbol de la vida"(Génesis 3,24). De esta forma narra la Biblia la expulsión del hombre del Paraíso y cuando un hombre busca un lugar donde encontrar la paz, donde evadirse del ruido del mundo y hallarse a sí mismo, se emplea la imagen del aquel Paraíso Perdido al que desde nuestro nacimiento querríamos regresar.

Se que es una forma un poco extraña de iniciar un artículo sobre la vida de un pintor, pero es que Paul Gauguin, del que en el momento en que escribo se está celebrando una exposición en el Museo Thyssen-Bornemisza con el título de "Gauguin, el viaje a lo exótico",  es el  pintor del paraíso perdido, el hombre que abandonó su familia, su hogar, su patria, para buscar muy lejos de allí el sentido de su existencia, pues no se sentía francés, ni europeo, su sangre, él lo sentía así, no pertenecía a aquel mundo civilizado, sino a un mundo más salvaje, libre  y espontáneo como escribió en una ocasión en 1889 en una  carta "Tu sabes que tengo sangre india, sangre inca, y esto se refleja en todo lo que hago, en la base de mi personalidad, intento confrontar la civilización podrida con algo más natural basado en lo salvaje" En aquel tiempo Gauguin estaba muy cerca de iniciar el viaje que cambiaría definitivamente su vida, pero no quiero adelantarme a la historia y vamos ahora  a remontarnos aún más en el tiempo, hasta el siete de junio de 1848 cuando nace en París Eugène Henri Paul Gauguin . Sus padres son el periodista Clovis Gauguin y Aline Marie Chazal.

"Barricade de la rue Sufflot" del pintor francés Émile Jean Horace Vernet(1789-1863)  que representa los combates en las barricadas que se levantaron en París entre el 23 y el 25 de febrero de 1848, donde miles de manifestantes exigieron la abdicación del rey Luis Felipe I de Francia , la aprobación del sufragio universal y el establecimiento de la II República, lo que finalmente lograron,una revolución que sería la primera de las muchas que se produjeron aquel año en toda Europa exigiendo el final definitivo de las estructuras del Antiguo Régimen. El nacionalismo y el liberalismo que habían germinado a lo largo de la primera mitad del siglo florecían ahora con toda su fuerza . El protagonista de nuestra historia, Paul Gauguin, nacía en los primeros meses de vida de la II República Francesa, un régimen apoyado por su padre, antimonárquico convencido que apenas cuatro años después tuvo que huir con toda su familia a América después del golpe de estado de Luis Napoleón Bonaparte en diciembre de 1851  (Imagen procedente de http://commons.wikimedia.org )



 Era aquella una época convulsa, y el mismo año del nacimiento de Gauguin , Europa fue recorrida por una sucesión de revoluciones , llamadas precisamente Revoluciones de 1848, donde las sociedades europeas quisieron sacudirse definitivamente las formas políticas del Antiguo Régimen y terminar con los gobiernos absolutistas impuestos en gran parte del continente después de la derrota definitiva de Napoleón Bonaparte (1769-1821) en la Batalla de Waterloo y la celebración del Congreso de Viena donde se restablecieron las fronteras y también los regímenes políticos absolutistas anteriores a la Revolución Francesa y el ascenso de Napoleón al poder. Pero durante toda la primera mitad del siglo XIX el liberalismo fue ganando fuerza apoyado por el incipiente espíritu nacionalista surgido del Romanticismo y también los primeros movimientos obreros que reclamaban no sólo mejoras en su calidad de vida sino también mayor participación en la política y gobierno de sus países. El descontento acumulado durante décadas desencadenó las revoluciones de 1848 y aunque finalmente fueron sofocadas mostraron que los días del absolutismo y del Antiguo Régimen en Europa estaban contados. Sería en Francia donde se iniciaría esta cadena de sublevaciones y supuso la caída del rey Luis Felipe I de Francia (1773-1850), el último de los reyes que tendría Francia, al tiempo que se proclamaba la II República Francesa.

Eran buenos tiempos para el padre del pequeño Gauguin, ya que Clovis Gauguin era un destacado periodista antimonárquico. Se elige como primer presidente de la nueva república a Carlos Luis Napoleón Bonaparte (1808-1873), sobrino de Napoleón  Bonaparte, por un mandato de cuatro años y comienzan a adoptarse medidas liberales como la abolición definitiva de la esclavitud en todos los territorios franceses e instaura el sufragio universal masculino. Pero el cargo de presidente de la República no incluía la posibilidad de reelección, algo que no gustaba a Carlos Luis Napoleón Bonaparte que ya en 1850 comienza a realizar viajes por todo el país para resaltar si figura ante el pueblo y forzar un cambio en el reglamento para poder ser reelegido. Los republicanos, entre los que estaba Clovis Gauguin, rechazaban esta propuesta , pero después de que  la Asamblea Nacional rechazara las pretensiones de Carlos Luis Napoleón de modificar la Constitución, este decidió tomar el poder por la fuerza y el 2 de diciembre de  1851 daba un golpe de Estado y el 21 de diciembre de ese mismo año organiza un plebiscito para dar una patina de legitimidad a su acción. Apenas un año después, el 7 de diciembre de 1852 , en un nuevo plebiscito controlado por Carlos Luis Napoleón, se pone fin a la Segunda República después de sólo cuatro años de existencia , y se proclama el nacimiento del Segundo Imperio y él se convierte en emperador con el nombre de Napoleón III.





Retrato del emperador francés  Napoleón III del pintor alemán  Franz Xaver Winterhalter (1805-1873), era sobrino de Napoleón Bonaparte y se convertiría en el primer y único presidente de la II República Francesa , entre 1848 y 1852 pero su ambición le hizo rechazar la restricción marcada por la constitución que limitaba a un sólo mandato la presidencia de la República y organizó un golpe de estado , proclamándose a continuación emperador de Francia con el nombre de Napoleón III al tiempo que iniciaba una persecución contra los que apoyaban el régimen republicano,como el padre de Gauguin. El joven Gauguin no heredaría de su padre sus inquietudes políticas, tal vez porque no llegó a conocerlo ya que murió durante el viaje a América , cuando Gauguin apenas tenía cuatro años de edad .  (Imagen procedente de http://commons.wikimedia.org )

El nuevo régimen inicia la persecución de los opositores y entre ellos estaba Clovis Gauguin que se ve obligado a huir, abandonando Francia en 1852  para buscar refugio en América, pero durante el viaje Clovis Gauguin fallece y Paul Gauguin queda al cuidado exclusivo de su madre que finalmente halla cobijo en el hogar de unos parientes que vivían en la capital peruana,Lima. Allí permanece el pequeño Gauguin, hasta que en 1855 regresan a Francia para vivir en la casa de su tío Isidore Gauguin en la ciudad de Orleans, donde también seguirá sus estudios hasta 1865. Con diecisiete años el joven Gauguin ya tenía un espíritu inquieto y aventurero y se enrola en la marina mercante , iniciando un periodo de viajes que se prolongaría durante gran parte de su vida. Permanecerá navegando durante cinco años, primero en la marina mercante y después en la Armada Francesa, hasta que en 1870 decide establecerse de nuevo en París con un empleo sorprendente, corredor de bolsa  en la Bolsa de París. Dos años antes, en 1868, había fallecido su madre, pero Gauguin no quedó desamparado ya que tuvo la protección de Gustave Arosa, un coleccionista de arte y próximo al círculo de los pintores impresionistas. En 1873  Gauguin contrae matrimonio con una joven danesa llamada  Mette-Sophie Gad con la que tendrá cinco hijos Émile(1874-1955), Aline(1877-1897), Clovis(1879-1900), Jean René(1881-1961) y Paul-Rollon(1883-1961).

El mismo año que nació su primer hijo, Émile Gauguin (1874-1955) que llegaría a ser un reconocido crítico de arte, Paul Gauguin conoce por intermediación de Gustave Arosa a uno de los principales representantes del impresionismo . Este nuevo estilo pictórico había recibido su nombre en 1873 aunque venía desarrollándose desde años antes. Ente sus pioneros se encontraban los pintores Claude Monet(1840-1926) y Edgar Degas (1834-1917). Monet había visto como sus obras habían sido rechazada año tras año por el Salón de París que admitía sólo las obras que seguían los esquemas establecidos por la Academia basados en una reproducción  fiel de la realidad que no tenía en cuenta los efectos de la luz mientras que Monet , Degas y otros jóvenes pintores defendían que la pintura debía ser más espontánea y recoger la sensación del instante, la impresión que en el momento causara en el artista la naturaleza que observaba. En el libro "Vidas secretas de grandes artistas", la escritora Elizabeth Lunday incluye estas palabras de Monet que resumen su filosofía artística y las intenciones del impresionismo "Trata de olvidar  que objetos tienes delante: un árbol, una casa, un campo. Simplemente piensa : aquí hay un pequeño rectángulo de color azul, allí una circunferencia rosa, ahí una raya amarilla , y píntalo tal y como te parece".

Portada del catálogo de la llamada Primera Exposición organizada por la Sociedad Anónima, fundada por Monet y Degas , que se convertiría en la primera exposición del movimiento artístico que sería bautizado poco después com Impresionismo. En él participaron 39 pintores de este nuevo movimiento que se alejaba de los cánones clásicos establecidos por la Academia de Bellas Artes, intentando plasmar la impresión, de ahí su nombre, que causaba en el artista la luz y el color en un instante concreto . El desarrollo y evolución del impresionismo rompería las rígidas reglas que habían dominado el arte en general y la pintura en particular, abriendo las puertas a nuevas formas de expresión y estilo que se sucederían durante las décadas siguientes desde el sintetismo al que se adscribiría parte de la obra del propio Gauguin, al fauvismo, el cubismo o la abstracción. Y todo empezó en el 35 del Boulevard des Capucines en París entre el 15 de abril y el 15 de mayo de 1874, fechas en que se celebró la Primera Exposición . El escritor irlandés Oscar Wilde resumiría la revolución del impresionismo con esta sencilla frase "Antes del impresionismo no había sombras azules."  (Imagen procedente de http://commons.wikimedia.org )

Cansados de la incomprensión de los ambientes académicos, Monet y Degas crearon la Sociedad Anónima en la que se integraron no sólo pintores sino también escultores y grabadores, que en 1874 organizaron la Primera Exposición, al margen del Salón oficial controlado por la Academia de Bellas Artes. Precisamente aquí se expondría una obra de Monet titulada "Impresión, sol naciente" cuyo título explicaría el propio Monet con estas palabras "El paisaje no es otra cosa que una impresión, una impresión instantánea , de ahí el título , una impresión que me dio. He reproducido una impresión en le Havre, desde mi ventana, sol en la niebla y unas pocas siluetas de botes destacándose en el fondo... me preguntaron por un título para el catálogo, no podía realmente ser una vista de Le Havre y dije "pongan impresión" Este título sería recogido por la prensa  con un tono irónico, como en la crítica publicada en el periódico satírico "Le Charivari" por el crítico, pintor y dramaturgo Louis Leroy  que bajo el título de "La exhibición de los impresionistas" escribió un artículo en el que indicaba su reacción ante la obra de Monet "Me estaba diciendo a mí mismo que, dado que estaba impresionado, alguna impresión debía de haber en la obra ¡y que libertad, qué factura!El papel de empapelar  en su estado embrionario  está más acabado que esto!" Curiosamente, el título empleado por Leroy en su crítica sería por el que fue conocido el nuevo estilo pictórico, el Impresionismo.

"Impresión , Sol naciente" de Claude Monet. Una pintura que retrata el puerto de Le Havre al amanecer y que realizaría Monet entre 1872 y 1873 y sería expuesto en en la Primera Exposición de 1874 . La crítica que sobre este cuadro realizó Louis Leroy serviría para bautizar al nuevo movimiento como Impresionismo. Fue ese mismo año cuando Gauguin, por medio de su tutor y protector Gustave Arosa, conoció a una de las figuras impresionistas, Camille Pisarro y entró en contacto con el mundo de la pintura. Años más tarde escribiría "El arte es plagiador o revolucionario." y  ese principio regiría su carrera como pintor, reinventándose e innovando y no limitándose a seguir el camino marcado por los impresionistas que fueron sus maestros  (Imagen procedente de http://commons.wikimedia.org )

Ese mismo año en que se celebraba la primera exposición impresionista, Gustave Arosa presentaba Gauguin a uno de los pintores de este movimiento, Camille Pisarro (1830-1903) y visita la exposición despertando su interés por el arte. En la exposición del Thyssen Bornemisza se explica que hubo una obra en concreto que no entra dentro del movimiento impresionista, aunque puede considerarse que su autor fue uno de los precursores del impresionismo, Eugéne Delacroix (1798-1863), y la obra que le causó esa impresión tan viva a Gauguin que le decidiría a tomar clases de pintura y convertirse en pintor era titulado "Femmes d´Alger dans un appartement" , traducido en la exposición como "Mujeres de Argel en un interior", realizado por Delacroix en 1834, dos años después de haber visitado el interior de un harén en la ciudad de Argel durante el transcurso de una misión diplomática al servicio de Francia. La técnica utilizada en esta obra y el intenso colorido de la composición inspiraría a los pintores impresionistas  y a Gauguin le decidiría a dedicarse a la pintura . En los años siguientes consagra cada vez más horas a estudiar y trabajar en la pintura, participando a partir de 1876 , apenas dos años después de conocer a Pisarro y visitar la exposición impresionista, en las siguientes exposiciones del movimiento impresionista.

El exotismo oriental y los brillantes colores de "Mujeres de Argel en sus habitaciones" de Eugéne Delacroix sería crucial en la vida de Paul Gauguin. Al menos, así se afirma en la exposición que el Museo Thyssen Bornemisza dedica cuando escribo este artículo al pintor francés. Cuando Gauguin quedó deslumbrado por esta obra que le decidió a dedicar su vida a la pintura . A partir de ese momento comenzó sus clases de pintura y  en 1876 ya participó en una exposición con los demás impresionistas. La obra de Delacroix es el resultado del viaje que el pintor había realizado en 1832 al norte de África en misión diplomática enviado por el rey Luis Felipe I . El empleo del color en la obra, la viveza de los verdes, rojos, amarillos inspiraría a los pintores impresionistas que le sucedieron, por lo que sería considerado el precursor del impresionismo.   (Imagen procedente de http://www.histoire-image.org )

Pero el 19 de enero de 1882 la Bolsa de París se hunde como consecuencia de la suspensión de pagos del banco Union Générale arrastrando en su caída a muchos agentes de bolsa y la propia Bolsa de París logra salvarse sólo gracias a un préstamo realizado por el Banco de Francia que la permitió tener liquidez suficiente para seguir funcionando. Pero esa ayuda no salvaría a Gauguin que ,como muchos otros agentes bursátiles, perdió su trabajo. Y en ese momento Gauguin vio aquello casi como una liberación, decidió dejarlo todo por lo que sentía que era su verdadera vocación , la pintura. Pero como podéis suponer, aunque la pintura era su pasión no le procuraba los mismos ingresos que su anterior trabajo y tratando de escapar de la pobreza viaja con su familia a la nación de su esposa, Dinamarca, estableciéndose en Copenhague, donde también vivían los padres de Mette-Sophie Gad, aunque las relaciones con ellos no son demasiado buenas. Tres años después de su llegada, en 1885 Gauguin decide regresar a París , acompañado por su hijo Clovis Gauguin(1879-1900),  mientras que el resto de la familia permanece en Copenhague ayudados por la familia de Mette.  Será una época muy dura, donde Gauguin coquetea con la pobreza hasta el extremo de que se ve obligado a enviar a Clovis a Dinamarca ante la imposibilidad de mantenerle, mientras que él se traslada a una pequeña población situada en la Bretaña y llamada Pont Aven.

Fotografía de la Pensión Gloanec , que había sido abierta en 1860 por Marie Joanne Gloanec(1839-1915) que se convertiría en punto de encuentro de muchos artistas de la época cuando se encontraban en Bretaña. En esta fotografía se puede ver a Paul  Gauguin segundo sentado por la izquierda  y Marie Jeanne Le Gloanec es la mujer que podéis ver en la ventana de la derecha. Sería aquí donde Gauguin haría amistad con el pintor Charles Laval con quién emprendería el viaje a América   (Imagen procedente de http://www.nieuwsbronnen.com)

Allí se alojará en la Pensión Gloanec, que era un lugar frecuentado por los pintores que visitaban la región  y será allí donde se encontrará con otro joven pintor, Charles Laval(1861-1894), del que también se pueden ver diferentes obras en la exposición del Thyssen, naciendo casi de inmediato una estrecha amistad entre ambos artistas. En la primavera de 1887 Gauguin propone a Laval que le acompañe en un viaje a América para escapar de la pobreza en que vivían en Francia y empujados por el anhelo de la aventura y el exotismo, de ver otros paisajes que alimenten su pintura.Gauguin escribe "Lo que más deseo es salir de París , que es un desierto para un hombre pobre . Me dirijo a Panamá para vivir como un salvaje". Su objetivo, como vemos , era Panamá, que en aquel momento pertenecía a Colombia y donde vivía su hermana Marie Gauguin que estaba casada con un colombiano que prometió a Gauguin un buen trabajo a su llegada y su primera visión del continente americano será la isla de Taboga, situada en el Golfo de Panamá y apenas a unos veinte kilómetros del emplazamiento de Ciudad de Panamá.  Conocida también como la "Isla de las Flores"  porque toda ella está cubierta de una exuberante vegetación, Gauguin escribe sobre  ella que  "está casi deshabitada y es muy fértil. Llevo mis colores y mis pinceles y me empaparé de ellos lejos de todos los seres humanos".

A continuación llega al continente y comienza a trabajar en el Canal de Panamá , cuyas obras se habían iniciado en 1882  bajo la dirección del empresario francés Ferdinand Marie de Lesseps(1805-1894), que ya había conducido con éxito las  obras de otra de las grandes obras de ingeniería del siglo XIX , el Canal de Suez que comunicaba el Mediterraneo con el Mar Rojo. Pero el ambiente de las selvas que rodeaban el lugar donde se estaban realizando las obras que pretendían cumplir el antiguo anhelo de unir el Pacífico con el Atlántico era particularmente insano. Se estima que sólo entre 1881 y 1889 murieron en su construcción, que no concluiría hasta 1914, más de veintidós mil hombres víctimas sobre todo del paludismo , disentería y otras enfermedades tropicales. El trabajo en el Canal es durísimo y Gauguin lo odia , apenas permanecerá quince días allí, no sin antes haber sufrido una detención por orinar en una calle.  Se ve obligado a guardar un tiempo de reposo para recuperar fuerzas y una vez que ya se siente mejor abandona Panamá y , siempre en compañía de Laval, pone rumbo hacia la isla de Martinica , situada en el Mar Caribe y parte de las Pequeñas Antillas que forman un arco que se extiende desde Puerto Rico hasta la costa de Venezuela.



"Idas y venidas. Martinica" fue pintada por Paul Gauguin durante su estancia en Martinica en 1887, en aquel primer viaje fuera de Europa, en el que , según sus propias palabras, pretendía "vivir como un salvaje" Aunque su estancia en Panamá fue muy dura debido a las enfermedades que le acosaron al igual que a su amigo Laval, en Martinica hallaría un vestigio que aquello que taba buscaba, el paraíso perdido. El título de esta obra "Idas y venidas" se lo puso Gauguin porque en él retrata las idas y venidas de las porteadoras de las exóticas frutas de la isla, desde las guayabas a los cocos y mangos,  que recorrían el camino  junto al que se hallaba el pintor realizando su obra . Pero los verdaderos protagonistas de esta obra no son las mujeres que llevan la fruta, sino el paisaje,  que aparece retratado como grandes manchas de un color vivo y brillante que transmite una sensación de vigor e intensidad . Al fondo de la obra podéis ver el volcán Monte Pelée en erupción . Esta obra la subastaría cuatro años después, en 1891, para financiarse con su venta el viaje a Tahití. Su comprador fue otro pintor, Edgar Degas(Imagen procedente de http://www.lokenter.com ) 

La isla, descubierta por Cristóbal Colón en 1502 , en manos de Francia desde el siglo XVII y de donde era originaria Josefina de Beauharnais(1763-1814), esposa de Napoleón Bonaparte, está dominada por un gran volcán , el Monte Peleé de 1392 metros de altura, cuyo nombre significa Montaña Pelada. Cuando Gauguin llegó allí debió admirarse de aquel enorme volcán que ya había entrado en erupción en diferentes ocasiones a lo largo del último siglo y que pocos años después, en 1902, volvería a asolar la isla en una catastrófica erupción que arrasó la capital de la isla , Saint Pierre, y causó más de treinta mil muertos. Pero en aquel momento la isla le pareció a Gauguin un auténtico paraíso  y escribe en una carta  "A ambos lados cocoteros y otros árboles frutales, pero lo que más me agrada son las figuras. Todos los días hay un vaivén con negras ataviadas con ropas de mil colores , de movimientos gráciles  e infinitamente variados" Comienza a trabajar inspirado por la belleza que le rodea "De momento me limito a hacer boceto tras boceto, para empaparme de su carácter, más tarde las haré posar. Llevan pesadas faldas en la cabeza y al mismo tiempo van parloteando incesantemente. Sus ademanes son muy particulares  y las manos desempeñan un papel enorme en armonía con los balanceos de sus caderas ".  Entre los cuadros de esta época se puede ver en la exposición "Idas y venidas. Martinica" , pintado por Gauguin en 1887  y también una obra de su compañero de viaje, Charles Laval, "Paisaje de Martinica".

Pero después de esta primera incursión en ese mundo exótico y salvaje, al menos así lo veía Gauguin, las enfermedades y la debilidad le obligan a regresar a Francia. Laval, también muy enfermo, aun permanecería unos meses más en las Pequeñas Antillas enfermo de disentería y su estado llega a ser tan lamentable que incluso piensa en suicidarse, aunque finalmente mejora y regresa también en 1888. Mientras, Gauguin, ya en  París , encuentra el apoyo de Theo Van Gogh (1857-1891), un exitoso marchante de arte holandés que era además hermano de un desconocido pintor llamado Vincent Van Gogh(1853-1890). Theo le ayudará a salir adelante e incluso le organizará una exposición de su obra mientras Gauguin regresa de nuevo a Bretaña, a Pont Aven, donde varios jóvenes pintores se convierten en sus discípulos, como Émile Bernard(1868-1941), Paul Sérusier(1864-1927) y Maurice Denis(1870-1943). Estos jóvenes, liderados por Sérusier, formarían el grupo Nabis que sobre todo se preocupaban por el color , influenciados por Gauguin. Pero el propio Gauguin recibiría la influencia de uno de sus discípulos, Émile Bernard, que buscaba una forma de pintar aún más espontánea que el impresionismo y que recibiría el nombre de Sintetismo , resumida por Maurice Denis  con estas palabras "Es bueno recordar que una pintura, antes de ser un caballo de batalla, una mujer desnuda o alguna otra cosa es, esencialmente, una superficie plana cubierta con colores conjuntados en un cierto orden."  Esta corriente pictórica a la que se iba a unir Gauguin recibía el nombre de sintetismo porque trataba de  sintetizar en la obra el color, los sentimientos del artista y la apariencia externa de lo retratado.

 "La visión tras el sermón" fue pintada en 1888 por Gauguin durante su segunda estancia en Pont Aven después de su regreso en 1887 de su viaje por Panamá y Martinica. Allí se rodeó de un grupo de jóvenes pintores como Maurice Denis, Émile Bernard y Paul Sérusier que formaron el grupo Nabis, cuyas obras fueron la base del estilo pictórico conocido como Sintetismo, de la que "La visión tras el sermón" es una de las obras más destacadas. Gauguin representa la escena bíblica de la lucha de Jacob contra un ángel  descrita en el Génesis "Quedóse así Jacob solo, y un hombre  luchaba con él hasta despuntar el alba. Viendo el hombre que no le  podía , le golpeó en la articulación  del muslo y se descoyuntó  el tendón de Jacob durante la lucha con él" Gauguin trata de captar y transmitir los sentimientos que esta lucha despierta en los fieles que salen de la iglesias después de acudir a misa. La obra está influenciada por la pintura japonesa entre otros elementos por la postura que adoptan Jacob y el ángel como si fueran dos luchadores de sumo, mientras que el árbol que veis en la parte central de la composición simboliza la división entre el mundo real de las feligresas y el mundo fantástico o imaginario donde se desarrolla la escena de la pelea. . Es evidente en la obra una de las características principales del sintetismo, el uso libre del color que no tenía que ajustarse a la realidad sino a los sentimientos del artista. En este caso la hierba no aparece en su color verde natural, sino de un rojo brillante que acentúa el dramatismo de la escena (imagen procedente de http://www.foroxerbar.com )


Es entonces cuando Gauguin acude a la población de Arlés en respuesta a la insistencia de Vicent Van Gogh, que residía allí y había  alquilado una casa que le había llamado la atención por el color amarillo de su fachada con el objetivo de convertirla en un estudio de artistas. Aunque Gauguin era reacio , será Theo el que le convenza y cuando se lo comunica a Vincent este se entusiasma , prepara con esmero la habitación que ocupará su amigo y la decora pintando en sus paredes girasoles y naturalezas muertas. Su hermano Theo, una vez más, le había enviado el dinero necesario para acondicionar su querida casa amarilla para convertirla en su soñado estudio para artistas al que pensaba llamar "L´atelier du Midi" . Vincent había invitado a otros artistas pero Gauguin era el único que había respondido ante la insistencia de Theo.Ya conté esta historia en el artículo que dediqué a Van Gogh pero es necesario recuperarla ahora que se cruzaban los destinos de los dos pintores. Gauguin llega a Arlés  el 21 de octubre y espera establecer una relación con Vincent como la de un maestro con su alumno, y durante las primeras semanas Vincent le sigue a todas partes casi como haría un niño. Gauguin le anima a que pinten juntos diferentes partes históricas de Arlés.

Sin embargo , el carácter de Vincent no estaba hecho para ser sumiso durante mucho tiempo y actuar como un alumno ante su maestro, y pronto comenzarán las discusiones y los enfrentamientos ante las diferentes formas de ver el arte que ambos mantienen. La situación llega a un punto de no retorno la noche del 23 de diciembre de 1888 . Sobre lo que pasó entonces hay diferentes versiones, ya que Vincent nunca habló de ello en sus cartas y la versión que tenemos de Gauguin debe ser mirado con precaución ya que él estaba implicado directamente en este hecho. Me remito a las palabras del escritor y periodista español  Juan Antonio Cebrián(1965-2007) en su obra "Pasajes de la historia", que relata así lo que pudo haber sucedido "Gauguin le dice a Van Gogh que piensa regresar a París; entonces , Vincent, en un arranque de rabia inusitado, empuña una navaja de afeitar intentando agredir a un templado Gaugin, que se limita a mirar fijamente al embrutecido Vincent; esto es suficiente para que Vincent, destrozado por lo que había estado a punto de cometer, corte de un tajo el lóbulo de su oreja derecha;era su forma de pedir perdón por el demonio que le ahogaba por dentro" Como veis se cortó nada más que el lóbulo y no la oreja entera, Cebrián dice la derecha en otros libros dicen que es la izquierda, como nos ha dado a conocer el cine en algunas de sus versiones sobre este hecho.

"Van Gogh pintando girasoles" , realizado por Paul Gauguin en 1888 durante su estancia en Arlés junto a Vincent Van Gogh, donde retrata al genial pintor con uno de los motivos principales de su obra, los girasoles. Van Gogh había decorado la habitación que preparó lleno de ilusión para Paul Gauguin con girasoles . Así lo describía el propio Gauguin "En mi habitación amarilla había girasoles de ojos púrpura sobre un fondo amarillo. Estaban en un jarrón amarillo sobre una mesa amarilla. En una esquina del cuadro estaba la firma del pintor: Vincent. El sol amarillo que brillaba a través de las cortinas amarillas de la habitación inundaba de oro toda esta magnífica flor. Oh, sí, el divino Vincent amaba el amarillo .Yo adoraba el rojo" Estas diferencias entre ambos no se iban a limitar a los colores y podéis ver en el texto el tumultuoso final que tuvieron , dando lugar a una de las escenas más celebres de la vida de ambos artistas. El retrato parece reflejar el tenso estado mental de Van Gogh, como él mismo reconocería después de observar la obra de Gauguin "Era yo realmente, tal como estaba entonces, extremadamente cansado y cargado de tensión.", una tensión que Gaugin trata de reflejar en el movimiento crispado del brazo estirado sobre el lienzo y la mirada  errática de Van Gogh. Fue realizada en diciembre de 1888 poco antes de que se produjera la violenta ruptura entre ambos, que a pesar de ello siguieron admirándose mutuamente (imagen procedente de http://commons.wikimedia.org )

Pero no acaba aquí la truculenta escena pues "con la oreja ensangrentada , lleva la parte seccionada a un prostíbulo que él frecuentaba para que Rachel, su favorita, cuide de aquel trozo" La versión de Gaugin era que el propio Vincent se había autolesionado después de enterarse de la noticia del matrimonio de su hermano con Johana Gesina Bonger (1862-1925) . Sea como fuere la mañana del 24 de diciembre el comisario de policía de Arlés halló a Vincent en la cama de su casa con la oreja ensangrentada y el lóbulo seccionado. Fue traslado al hospital Hôtel-Dieu de Arlés mientras que Gaugin se alejaba de allí y no volvería a ver nunca más a Vincent. Y así llegamos a 1891 , cuando un Gauguin arruinado y enfermo decide emprender su particular búsqueda del Paraíso Perdido y en esta ocasión su destino serán los confines de las posesiones francesas en el Pacífico, la Polinesia, gracias al éxito de una exposición donde contribuyó a ello las excelentes críticas realizadas por uno de los más importantes críticos de arte de la segunda mitad del siglo XIX, Octave Mirbeau(1848-1917). La época más importante en la  vida de Gauguin y la que le haría pasar a la historia del arte iba a comenzar pero eso lo veremos mañana en la segunda parte de esta historia.