PAUL CÉZANNE Y EL COLOR DE LA LUZ (SEGUNDA PARTE)

Me detenía en la primera parte de este viaje por la vida de Paul Cézanne(1839-1906) en el año 1874, justo después de que Cézanne participase, junto a otros pintores disidentes del Salón de París que se rebelaban contra la tiranía estilística de los miembros de la Academia de Bellas Artes que sólo aprobaban la  participación en el Salón de aquellas obras que cumplían con el canon aprobado por la Academia, es decir, obras basadas en temáticas mitológicas o históricas con un dibujo que refleje lo más fielmente posible la realidad ajustándose a las reglas del clasicismo. Cualquier intento de romper con esta tradición pictórica se enfrentaba con el rechazo y la marginación. Por eso en 1874 estos pintores rebeldes se unieron formando una organización a la que dieron el nombre de Sociedad Anónima que celebró su primera exposición entre el 15 de abril y el 15 de mayo de 1874 con el sencillo nombre de Primera Exposición. Y aunque ya vimos que la exposición y las obras en ella expuestas estuvieron rodeadas por el escándalo y la burla además de ser ,en términos generales,  un fracaso económico para sus participantes, en realidad fue un éxito porque allí nació una nueva corriente de la pintura , el impresionismo. En cuanto a nuestro protagonista, Cézanne, fue uno de los pocos que logró  vender uno de sus cuadros ,"La casa del ahorcado en Auvers", y vimos como después de la exposición  el pintor escribía a su madre lleno de confianza en sí mismo "Tengo que seguir trabajando siempre, aunque no para llegar a esta trillada perfección  que provoca la admiración de los tontos -escribe Cézanne a su madre-  Para esa forma de pintar que generalmente tanto se aprecia, basta con los conocimientos de un obrero. Los cuadros pintados de esa forma son todos fallos de arte y vulgares. Para resarcirme sólo puedo aspirar a la satisfacción de comunicar verdades y sabiduría más sublimes." y concluye con estas palabras que se demostrarán proféticas " Créame que llegará la hora en que uno logrará imponerse y después uno tendrá que admiradores mucho más fervientes y convencidos  que aquéllos que se dejan adular sólo por las apariencias externas".

Fotografía de Paul Cézanne hacia 1875 , a los treinta y seis años de edad y un año después de haber participado en la exposición de los impresionistas. Presenta una de sus obras al Salón de París de este año de 1875 pero una vez más es rechazado. También este año conoce a través de Renoir al inspector de aduanas y gran amante del arte Victor Chocquet, que se convierte en amigo, admirador y uno de los principales coleccionistas de su obra durante toda su vida (Imagen procedente de http://anamariaramos09.wordpress.com ) 

"Una Olympia moderna" de 1873 , fue , junto a "La casa de ahorcado en Auvers" y "Paisaje de Auvers", las tres obras expuestas en la Primera  Exposición de 1874. La crítica fue muy dura con esta obra  en particular como lo refleja esta crítica recogida por Ulrike Becks en su biografía del pintor "El domingo el público se sentía impulsado a mofarse  de una figura fantástica , presentada por un drogadicto bajo un cielo de opio (se supone que la imagen es una ensoñación del hombre que estaría bajo los efectos del opio) Esa aparición de la carne desnuda tiernamente rosa, que es presentada por una suerte de demonio  o íncubo como una visión voluptuosa en una nube , ha hecho perder el aliento incluso a los más atrevidos . Con ello Monsieur Cézanne de la impresión de ser sencillamente una suerte de enajenado mental que pinta durante el delirium tremens" Drogadicto, alcohólico y loco, no esta mal para una sola crítica  Hay que ser fuerte y tener seguridad en uno mismo para buscar tu propio camino en la pintura sin plegarte a la corriente academicista predominante y Cézanne desafiaría junto a sus compañeros impresionistas esas convenciones para renovar la pintura y buscar su propio lenguaje  
(Imagen procedente de http://es.wikipedia.org )

Pero la situación económica de los pintores impresionistas es más que precaria  y por la falta de recursos económicos  en 1875 no pueden organizar una nueva exposición y se limitan a realizar una subasta de sus obras que tampoco se ve coronada por el éxito, aunque en 1876 vuelve a organizar  sin la participación de Cézanne que regresará en la tercera exposición en 1877. En estos años también inicia una estrecha amistad con un entusiasta coleccionista de arte, un inspector de aduanas llamado Victor Chocquet (1821-1899) que se convertirá en uno de los principales coleccionistas de su obra. En la pintura de Cézanne se hace cada vez más patente la influencia de su padrino artístico, Camille Pissarro (1830-1903), con quién , como vimos ayer, había pasado dos años fructíferos pintando uno al lado del otro, asimilando sus consejos sobre el color y la luz . Cézanne deja atrás los colores sombríos de su período oscuro e inicia una nueva etapa en su arte caracterizada por el colorido y luminosidad de sus composiciones  y descubre que e lugar ideal para su pintura es el paisaje de su tierra natal, la Provenza,  una tierra luminosa, de luz cegadora y donde la naturaleza aún se conserva relativamente intacta. Recordemos que Cézanne  rechazaba el progreso que alteraba el paisaje y el carácter inmutable de la naturaleza, porque lo que ama Cézanne del paisaje es que no cambia, que puede estar trabajando meses sobre un paisaje determinado sin temor a que varié, lo que no sucede con las personas. Por eso no le gustaba trabajar con modelos humanos ,siempre le resultan insatisfactorios porque no se podía confiar en su inmovilidad. Cuando sus modelos se movían  les decía con sarcasmo "¿Acaso se mueven las manzanas?". En el verano de 1876 se establece de nuevo en el pequeño pueblecito marinero de la costa mediterránea francés, L´Estaque, donde ya habían estado en 1870 y que le  seduce  por su luminosidad , "El sol es aquí tan terrible -escribe Cézanne en 1876 -que tengo la impresión de que los objetos se elevan como siluetas, no sólo en blanco y negro, sino en azul , en rojo, en marrón o en violeta"

"El mar en L´Estaque" de 1876 que realiza por encargo de su amigo Victor Chocquet y donde ya se puede apreciar el cambio de estilo con respecto a sus pinturas del período oscuro, pues ahora los colores son más vivos y la composición más luminosa, consecuencia del tiempo que había pasado junto a Pissarro. Precisamente cuando está realizando esta obra escribe a Camille Pissarro  una carta donde expresa la admiración que siente por el paisaje y la luz de L´Estaque "Hace un mes que no voy a Aix (se refiere a Aix en Provence donde vivían sus padres)He comenzado  dos pequeñas marinas para monsieur Chocquet, que me había hablado de ello. Esto es como una carta de la barajas. Tejados rojos frente al mar azul. Cuando hace buen tiempo , podría pintarlos todos. Pero tal como están las cosas , aún no he hecho nada. Hay motivos , sin embargo, que exigen un trabajo de tres o cuatro meses , lo cual es realizable , ya que la vegetación no cambia. Los olivos, los pinos , tienen siempre fronda. Si puedo, pasaré en este lugar un mes por lo menos, ya que tendría que pinar cuadros de al menos dos metros" 
http://www.painting-palace.com )

"L´Estaque ,pinos y mar"  realizada  entre 1883 y 1885 siete años después que  la que tenéis justo sobre esta obra  y donde podemos apreciar como sigue evolucionando su pintura donde la forma queda  cada vez más diluida  y fusionada con el color y   con una mayor luminosidad que parece proceder del  interior del cuadro y no de ninguna fuente luminosa externa . Los árboles son una constante en su obra. Uno de sus amigos recordaba "Amaba los árboles. Hacia el final de su vida, con su necesidad de soledad, se hizo amigo de un olivo. Lo tocaba, lo hablaba y , a veces ,al despedirse de él, lo abrazaba. La sabiduría del árbol le entraba en el corazón" El propio Cézanne decía  sobre aquel olivo junto al que pinto al final de su vida  "Es un ser vivo. Lo quiero como un viejo compañero. Lo sabe todo de mi vida y me da consejos excelentes.Me gustaría ser enterrado a sus pies"  (Imagen procedente de http://www.elcultural.es )

En la tercera exposición impresionista de 1877 Cézanne sigue recibiendo ataques de muchos críticos, aunque también hay quién le defiende, como el crítico de arte Georges Rivière(1855-1943), amigo del pintor Pierre Auguste Renoir (1841-1919), que escribe sobre la obra de Cézanne "Viendo sus obras , habría que comparar al señor Cézanne con un griego de la época clásica . Sus pinturas irradian la misma serena y heroica jovialidad de los cuadros y terracotas de la Antigüedad. Todos sus cuadros  pueden conmover al observador , ya que el propio artista tiene una extremada sensibilidad  frente a la naturaleza, sensibilidad que traslada magistralmente al lienzo" Por desgracia para Cézanne esta no era la opinión mayoritaria entre los críticos de arte del momento. Mientras, Cézanne, con su esposa Marie Hortense Fiquet (1850-1922) y su pequeño hijo Paul Cézanne (1872-1947),.permanece en L´Estaque.  Cézanne seguía manteniendo la existencia de su familia oculta a su padre por miedo a perder su ayuda económica  pero finalmente la mentira se descubre por un desliz de su amigo Victor Chocquet que menciona en una conversación con Louis Auguste Cézanne(1798-1886)  a "madame Cézanne y el pequeño Paul" El padre reacciona reduciendo su ayuda económica a la mitad  y Cézanne tiene que recurrir a la ayuda de su gran amigo de la infancia, el escritor Émile Zola(1840-1902). Al mismo tiempo a finales de la década de los setenta Cézanne se va alejando poco a poco de los impresionistas, porque , como escribe Ulrike Becks en su biografía sobre el pintor "Los cuadros del impresionismo le parecen esclavizados a lo efímero" y el prefiere una pintura más pausada, más reposada, porque considera que  "el ojo no basta, uno debe reflexionar", busca reflejar lo eterno de la naturaleza, no atrapar el momento fugaz del brillo de un rayo de sol sobre el agua. No se trata simplemente de retratar la naturaleza tal y como la ve, es más que eso "No deberíamos conformarnos con la realidad desnuda - reflexiona Cézanne - la transformación que un pintor lleva a cabo con su forma de ver aporta nuevo interés  a la representación de la naturaleza.Es decir, algo distinto a la realidad"

"El mar en L´Estaque" , realizada entre 1883 y 1886 . En primer plano podemos ver un camino que luego avanza en diagonal cruzando el cuadro que parece conducir nuestra mirada hasta el pueblo de L´Estaque  que estaba situado sobre un acantilado . Más allá contemplamos el mar Mediterráneo pero nuestra mirada tropieza con la alta chimenea  de una fábrica y también con las ramas de los árboles. Son estos obstáculos en nuestra visión lo que da la sensación de profundidad al cuadro. Nada queda al azar en las obras de Cézanne , es el resultado de un trabajo lento y meditado lejos de la pintura que trata de atrapar el instante característica de los impresionistas (Imagen procedente de http://commons.wikimedia.org ) 

Busca lograr una nueva armonía entre los colores  y las formas, donde el color será el sustituto de la forma tradicional de lograr la perspectiva en los cuadros . Cézanne  sabe que los colores más fríos, como el azul  o el verde suelen aparecer al fondo de las obras, mientras que los colores más cálidos, rojo, naranja , amarillo aparecer en primer plano  y es con esta distribución de los colores como Cézanne logra crear la sensación de profundidad  en sus obras.  También se preocupaba porque no hubiera contrastes de luz, que la luz incida sobre toda la superficie del cuadro con la misma intensidad , pero nunca vemos en sus obras la fuente de la luz, creando la sensación de que surge del interior de la obra.  Cézanne lo explicaba así "Intento reproducir la perspectiva solamente mediante el color. Por eso avanzo tan lentamente, ya que la naturaleza se me presenta muy compleja y hay que aprender constantemente. Hay que ver con toda exactitud el objeto , asimilarlo en su verdadera dimensión , y expresarlo con claridad y  decisión" Es una pintura reflexiva, lenta y meditada, muy diferente ya a la pintura del instante, de lo efímero, que inspira a los impresionistas. En medio de esta evolución de su arte fallece su padre  en abril de 1886 , a los 88 años de edad, el mismo año en que Cézanne finalmente se casaba con Hortense . Cézanne debió de sentir esta muerte como una liberación  a sus 47 años de edad, y además lograba por fin una posición económica más desahogada , lo que Cézanne agradecía a su padre fallecido con estas palabras "Mi padre fue un hombre genial. Me dejó una herencia de 25.000 francos" En la década de los ochenta comenzará a convertir en protagonista de sus obras a las naturalezas muertas , a las figuras de bañistas y  su querida Montaña de Sainte Victoire que aparecerá en más de setenta de sus obras. Estos tres aspectos de su obra pueden verse reflejados en la exposición de Cézanne del Museo Thyssen Bornemisza 

"Los jugadores de cartas" realizada por Cézanne entre 1890 y 1892. Los retratados eran trabajadores de la finca familiar de Jas de Bouffan a los que pagaba para que posaran, lo que no era un trabajo fácil porque Cézanne era un pintor lento y exigía una completa inmovilidad a sus modelos, En una de sus obras titulada "Mardi Grass" de 1888 donde posaba su hijo Paul, terminó desmayándose de cansancio por tantas horas de inmovilidad.  De esta obra Cézanne realizará cinco versiones diferentes . Cézanne utiliza  un tono azul frío para la pared y la mesa con lo que consigue causar la impresión de que están iluminados por la luz diurna. En contraste las manos de los jugadores están pintadas con un tono naranja, que transmite calidez  y también la tensión de los hombres absortos en el juego. Si os fijáis el color de las manos encuentra su reflejo en la cortina  cuyos pliegues parecen continuar  en el blusón del jugador. Con la cortina  Cézanne  delimita el espacio de la composición. Cuando miras estas obras sin conocer estos detalles te parece que las cosas están dispuestas al azar ,pero en realidad todo responde a un plan diseñado por Cézanne que antes de pintarlos hacía detallados estudios bien en lápiz o en acuarelas (Imagen procedente de http://periodiconmx.com )   

Sus bodegones están llenos de ecos de sus paisajes, incluso la Montaña Sainte Victoire aparece representada por los pliegues de los manteles sobre los que deposita la fruta. Nada en ellos es fruto del azar , todo está estudiado  y meditado . Escoge cebollas, peras, melocotones o manzanas por sus formas redondeadas que le permiten acentuar el contraste con las líneas rectas de la mesa y también juega con los colores para crear la sensación de profundidad  sin recurrir a los recursos tradicionales de la perspectiva.  En realidad, sus naturalezas muertas son otra forma de representar el paisaje, donde la fruta , el mantel o la vasija de agua están dispuestos como si se tratara de las montañas y bosques de Provenza. Ulrike Becks recoge esta explicación del pintor Louis Le Bail sobre la forma en que Cézanne disponía sus bodegones en los que nada quedaba al azar "Apenas había puesto el mantel blanco sobre la mesa -cuenta Louis - cuando con innata  sensibilidad colocaba los melocotones sobre la mesa , oponiendo bruscamente los tonos y haciendo vibrar los colores complementarios, los tonos verdes contra los grises, los amarillos contra los azules; también giraba , inclinaba y equilibraba los frutos hasta obtener la composición que quería, recurriendo incluso a poner tacos por debajo de los objetos. Todo lo hacía con gran cuidado y delicadeza , se notaba que sus ojos  se recreaban en ello." Para Cézanne los bodegones no eran naturalezas muertas, estaban vivos "La gente  -decía- se equivoca al mirar el azucarero como un ser sin alma. También cambia día a día. Sólo hay que saber atrapar y domesticar a estos señores" y cuando le preguntaban el motivo de que nunca pintase ramos de flores como hacían otros pintores , explicaba "Si renuncio a las flores es porque se marchitan, en cambio a las frutas les gusta que se les retrate" Para el estilo reposado y reflexivo de la pintura de Cézanne las flores morían demasiado rápido, sin embargo la fruta permanecía durante un tiempo inalterable. 

"El aparador"  pintado por Cézanne entre 1877 y 1879 . Cézanne no pretende llamar nuestra atención con los objetos que representa en sus naturalezas muertas, sino con los colores y las formas y la forma en que los distribuía  en el lienzo. Trata de esta forma de ofrecernos una versión diferente de la realidad , no tridimensional, sino en dos dimensiones . Para hacer estas obras  Cézanne se tomaba mucho tiempo, reelaboraba constantamente las obras y en ocasiones un cuadro como el que tenéis sobre estas líneas le podía suponer años de trabajo. Sus naturalezas muertas son en realidad paisajes donde e los pliegues del mantel imitan el relieve de las montañas y las frutas las dispone en los valles de la montaña (Imagen procedente de http://commons.wikimedia.org )

Porque Cézanne cada vez es más lento con sus obras, dedica más tiempo a la reflexión y , en ocasiones, desesperado cuando no ha logrado lo que busca, destruye sus cuadros. En algunos de los bodegones que se pueden contemplar en la exposición Cézanne trabajaría meses e incluso años . El pintor y amigo de Cézanne y de otros pintores impresionistas,  Émile Henri Bernard(1868-1941) describía  el esfuerzo que le suponía a Cézanne cada una de sus obras "Me dí cuenta de la lentitud de su trabajo cuando me instaló en su taller en las afueras de la ciudad. Mientras yo pintaba un bodegón que  él me había montado en la habitación de abajo, lo oía ir de un lado para el otro en el piso superior, como si anduviera pensativo. Con frecuencia  bajaba la escalera, pasaba al jardín , se sentaba y de repente subía a toda prisa al estudio. A veces lo sorprendía en el jardín con un semblante desolado. Entonces me decía él que algo le inhibía en su trabajo"· En ocasiones podía pasarse horas contemplando el lienzo sin dar una sola pincelada, reflexionando sobre la composición y como llevarla adelante. El año 1886 fue muy importante en su vida pues fue cuando murió su padre, cuando se casó con Hortense y será en 1886 cuando se rompa su larga amistad con Emile Zola, aunque hacía años que se habían ido distanciando. El origen de esta separación estuvo en una obra escrita por Zola titulada "L´Oeuvre" donde su protagonista, un pintor llamado Claude Lantier, es un pintor fracasado que termina suicidándose y donde era fácil reconocer al propio Cézanne que había inspirado a Zola para la creación de este personaje. Cuando Zola le envió la obra a su amigo , éste, después de leerla, le escribió esta carta que sería la última que   le escribiría en lo que le quedaba de vida " Mi querido Emile,  acabo de recibir "L´Oeuvre" , que has tenido la amabilidad de enviarme. Agradezco al autor de "Les Rougon-Macquart" esta amable muestra de atención , y le ruego me permita estrecharle la mano en recuerdo de años pretéritos. Con la mirada en el pasado, tu seguro servidor, Paul Cezanne" Así se cerraban tres décadas de amistad.  Zola  moriría en 1902 y cuando Cézanne conoció la noticia se encerró a llorar durante todo un día en su estudio.. 

A la derecha "El gran bañista" realizado por Cézanne entre 1885 y 1887  y a la derecha la fotografía de un modelo anónimo utilizada por Cézanne para pintarlo.  En sus cuadros de bañistas, uno de los motivos más frecuentes en su producción pictórica, Cézanne prefirió utilizar fotografías o bocetos de modelos y no trabajar con ellos directamente  ya que se sentía incómodo en su presencia. Siempre tuvo reparos hacia el cuerpo desnudo (Imagen procedente de http://elhogardelasparanoias.blogspot.com.es )

En 1890 se le diagnostica una diabetes. Si antes ya era huraño y receloso la enfermedad acentuará su carácter retraído Se retira a la casa de campo familiar de Jas de Bouffan junto a su madre "La vida retirada -dirá el pintor - es lo que me va. Al menos así no caigo en las garras de nadie"  y allí vive separado de su esposa. Un viejo amigo de Cézanne, Numa Coste, escribe a Zola en 1890 " Cézanne está bien y tiene buena constitución física, pero se ha hecho tímido y primitivo, parece más joven que antes. Vive con su madre en Jas de Bouffan, se ha enemistado con Hortense (la esposa de Cézanne), quien por su parte tampoco se lleva bien con sus cuñadas (las hermanas de Cézanne) ni éstas entre ellas. Así pues, Paul vive aquí y su mujer allá. Es una de las experiencias más conmovedoras  que he tenido, el observar a este buen compañero, cómo conserva su ingenuidad, cómo olvida las decepciones de sus  luchas y aunque está con frecuencia resignado y abatido, cómo sigue perseverando en su obra, cuya culminación no puede alcanzar" En esta década de los noventa Cézanne se interesa por la geología, quiere aprender la historia de la tierra  y lo hace de la mano del naturalista de Aix en Provence Antoine Fortune Marion (1846-1900), antiguo amigo  de juventud a pesar de los siete años que les separaban y conservador del Museo de Historia Natural , con quién Cézanne discutía los últimos descubrimientos científicos . Gracias a este contacto con la ciencia, Cézanne descubrió que un paisaje no era diferente  a una naturaleza muerta, obedecía a una estructura de formas geométricas. Así, en la exposición puede contemplarse  un ejemplo de esa naturaleza geométrica, la "Ladera en Provenza",realizada entre 1890 y 1892, donde podemos observar como los tejados de las casas son triangulares, las parcelas de los campos cuadradas, los sustratos geológicos del corte de la ladera rectangulares. Esta forma geométrica de representar el paisaje era la semilla que una década más tarde fructificaría con el nacimiento del cubismo que cambiaría el significado del  arte. 

"Ladera de Provenza", creada entre 1890 y 1892,  en la que Cézanne utiliza los conocimientos  que ha ido acumulando gracias a sus conversaciones con Antoine Fortune Marion  y lo demuestra en la pared rocosa que tenemos en primer plano, donde se distinguen los diferentes estratos rocosos . Esta obra es una precursora del cubismo por su predominio de las formas geométricas. Fijaos en los techos de las casas al fondo, son triangulares, las parcelas de cultivo están divididas en cuadrados y los estratos geológicos del primer plano son rectangulares . En cuanto a su situación económica , después de que en 1895 el joven marchante de arte Ambrois Vallart  organizara una primera exposición de las obras de Cézanne, estas verán aumentar su cotización  y ya en 1902 se pagan más de 4000 francos por uno de sus cuadros pero todavía tiene que enfrentar duras críticas que incluso le llevarán a ser amenazado de muerte. Entonces el arte despertaba auténticas pasiones. Cuadros suyos serán expuestos en la Feria Internacional de París en 1900  y en el Salón de Otoño de 1904 se llegarán a exponer treinta y tres de sus obras. Como hacía muchos años escribió a su madre,  al fin le llegaba el reconocimiento
(Imagen procedente de http://www.traveler.es )

Cézanne consideraba que la naturaleza estaba por encima del hombre pero no por encima del arte, por eso tildaba de imbécil a los que afirmaban que el artista es siempre inferior a la naturaleza. Él trata de captar la eternidad de la naturaleza y así se lo explica al escritor y amigo suyo Joachim Gasquet (1873-1921) autor en 1921 de la biografía "Cézanne" donde recogía los recuerdos de sus conversaciones con el pintor "En nuestra imaginación -le decía Cézanne- el arte tiene que conferir eternidad. ¿Qué hay tras la naturaleza? Acaso nada. Acaso todo. Así pues, cruzo estas manos extraviadas. Tomo a la derecha, a la izquierda, aquí, allí , por doquier, esos colores, los fijo, los combino. Y forman líneas, se convierten en objetos, en rocas, árboles, sin que yo lo piense. Adquieren volumen, producen efecto"  Así escapa Cézanne a la impresión efímera de los representantes del impresionismo, el no retrata instantes, sino elementos permanentes, eternos. En noviembre de 1895 se organiza la primera exposición dedicada en exclusiva a Cézanne y dos años después, en 1897 fallece su madre , a la que Cézanne se había dedicado a cuidar durante los últimos años de su vida Tiene que desprenderse de su residencia familiar, Jas de Bouffan, para repartir la herencia con sus dos hermanas . A partir de ahora Cézanne pasará gran parte de su tiempo entre una cabaña que había alquilado en 1895 en la cercana cantera de Bibémus  y una finca que alquila a medio camino entre Aix en Provence y el pueblo de Le Tholonet, desde el que puede contemplar la montaña de Sainte Victoire. . Su pintura sigue evolucionando y gradualmente las formas van desapareciendo  disolviéndose en colores , manchas de colores "La naturaleza -dirá Cézanne - no está en la superficie , sino en la profundidad. Los colores son la expresión de esa profundidad  en la superficie. Surgen de las raíces del mundo . Son su vida, la vida de las ideas" Cézanne , al diluir las formas , trata de captar lo eterno de la naturaleza, no sus formas, sino su espíritu que se manifiesta a través del color. 

"La montaña Sainte-Victorie vista desde Les Lauves" realizada entre 1904 y 1906. Aunque todavía podemos vislumbrar los tejados de las casas en color naranja y las formas vegetales en color verde, cada vez la pintura de Cézanne abandona  las formas definidas y va derivando hacia la abstracción. Escribe Ulrike Becks que "Cézanne construye estos cuadros  con manchas de color que tienen un carácter plano. Nada vibra, nada fluye; las manchas de colores son lugares de calma"  Después de vender la propiedad familiar de Jas de Bouffan, con la parte que le correspondió adquirió un terreno en Chemin des Lauves , sobre una colina , en la que construyó una casa de dos pisos  con un gran estudio donde trabajará los últimos años de su vida . Trabaja sobre todo a primera hora de la mañana y al caer la tarde  y cuando hace mucho calor le gusta salir a la terraza a pintar a la acuarela , la misma terraza donde , por ejemplo, hizo el "Retrato de un campesino" con el que abría la exposición del Thyssen y también esta historia. (Imagen procedente de   http://variosestilospictoricos.blogspot.com.es )

El color ya no lo utiliza para crear un efecto de profundidad, porque  sus cuadros se transforman en luminosas manchas de colores, ahora utiliza el color para dar vida a la luz que los ilumina "La luz -dice Cézanne - no es una cosa que pueda reproducirse , sino algo que puede representarse con colores" Por eso he titulado este relato de su vida "el color de la luz" porque Cézanne  a través de la graduación de las escalas cromáticas crea esa sensación de luminosidad sin que sepamos de donde procede , confiriendo a los objetos luz propia. Llega incluso a dejar algunos de estos cuadros, y en la exposición también lo podéis percibir, sin acabar del todo, con partes del lienzo en blanco , tal vez para dar la sensación de que la obra sigue abierta, que puede evolucionar ante la visa del espectador. Cézanne comienza a ser reconocido como el gran artista que es. En 1895, cuando tuvo lugar la primera exposición de su obra, el crítico de arte Gustave Geffroy ,de quién Cézanne realizaría un retrato, escribe "En la galeria Vollar, los transeúntes pueden entrar a admirar medio centenar de cuadros: figuras, paisajes, frutos, flores, que dan la media de una de las más grandes e interesantes personalidades de este tiempo . Si eso ha ocurrido (se refiere a la exposición), y ya era hora de que ocurriera, desaparecerá toda oscuridad y todo lo legendario sobre la vida de Cézanne, quedando una obra austera y a la vez encantadora , madura y no por eso menos naiv (ingenua). Es un gran fanático de la verdad , un hombre fogoso y pueril , aspero y detallista" Y concluye con esta solemne afirmación "Llegará al Louvre"

Cuadro de las "Grandes Bañistas" realizado por Cézanne entre 1900 y 1905 . En una ocasión su amigo el pintor Emile Bernard le preguntó  la razón por la que pintaba desnudos que no eran fieles a la realidad pero tampoco seguían la tradición pictórica a lo que Cézanne respondió simplemente que "habría sido un escándalo pintar con modelos de verdad" y  añadía   señalando su cabeza "la pintura está aquí dentro". (Imagen procedente de  http://www.foroxerbar.com )

Fotografía tomada por su amigo el pintor Emile Bernard e e interior de su estudio en Chemin des Lauves y detras de él podemos ver la obra que os acabo de comentar "Grands Bañistas" lo que demuestra la importancia que tenía para él , pues no era habitual que se hiciera una fotografía junto a una de sus obras . Escribe sobre estas mujeres Ulrike Becks que "En todas las versiones de las bañistas  las mujeres son seres anónimos , sin personalidad caracterizada , sin expresión, son arquetipos  donde lo que importa a Cézanne no es su individualidad sino el conjunto,  la armonía entre naturaleza, forma y color" Eso fue lo que persiguió hasta sus últimos días Cézanne (Imagen procedente de http://www.pileface.com )

Y así entramos en el siglo XX y en los últimos años en la vida de Cézanne donde vuelve a retomar un tema que ya había tratado en décadas anteriores , el de los bañistas ,un motivo al que dedicará más de ciento cuarenta cuadros, bocetos y acuarelas. ¿Por qué le interesaba tanto este tema? Cézanne busca retratar la armonía entre el hombre y la naturaleza , hasta el punto de que los bañistas retratados parecen fundirse en el paisaje, sufren una metamorfosis . Los árboles adquieren una forma humana al mismo tiempo que el cuerpo de los bañistas  se confunden con los árboles  en una especie de metamorfosis inspirada en la obra del clásico poeta romano Ovidio(43 a.C-17 d.C) cuya lectura había entusiasmado a Cézanne en su juventud.  En ellos siempre aparece una de las figuras humanas con sus brazos en alto enmarcando su cabeza, como si fueran las ramas de un árbol. Retrata este motivo, el de los bañistas, desde sus comienzos en los años sesenta , pero ahora, ya al final de su vida, lo que antes eran figuras bien definidas, se fusionan con la naturaleza hasta casi desaparecer.  Joachim Gasquet describe con estas palabras a los bañistas de Cézanne "Eran grandes seres desnudos moviéndose e pleno campo, toscos como árboles , pero humanos como un verso de Virgilio" En estos cuadros de bañistas Cézanne separa casi siempre a los hombres de las mujeres, , según Ulrike Becks, como consecuencia de "sus timideces e inhibiciones ante el sexo contrario, con su reticencia a la representación conjunta de hombres y mujeres desnudos en la torpeza de los instintos" En sus últimos siete años de vida realizará tres cuadros de bañistas de grandes dimensiones, los cuadros más grandes que había pintado hasta entonces , con la particularidad de que en este caso todas las protagonistas son femeninas, aunque no hay en ellas ningún signo de erotismo y ni siquiera tienen rostro. 

Fotografías tomadas el último año de su vida, , 1906, mientras estaba pintando en su amada Provenza. En una carta escrita a su hijo Paul poco antes de morir  le dice "Lo importante es lograr la mayor armonía posible" y aunque pensó que no había tenido tiempo para alcanzar su sueño artístico Cézanne no dejó nunca de evolucionar en su obra y de abrir nuevos caminos que sin él tal vez otros no se hubieran atrevido a emprender (Imagen procedente de  http://www.pileface.com)

En 1903 escribe a Ambroise Vollard, el hombre que había organizado su primera exposición en 1895 "Trabajo duramente , ya veo ante mí la Tierra Prometida. ¿Me ocurrirá como a los grandes caudillos de los hebreos o llegaré pisarla?" Se refería a su intento de lograr esa definitiva armonía entre el hombre y la naturaleza pero unas emanas antes de morir en 1906 escribía a su hijo "Como pintor me siento iluminado por la naturaleza, pero me cuesta muchísimo realizar esas sensaciones. No puedo alcanzar en el lienzo la intensidad que se brinda a mis sentidos, no poseo esa maravillosa paleta de colores que tiene la naturaleza. Aquí, a orillas del río, se multiplican los motivos; el mismo sujeto , visto desde otro ángulo, ofrece un objeto de estudio de gran interés, y de tal variedad, que me parece que me podría ocupar con él durante meses sin cambiar de sitio, simplemente girándome un poco" La realidad era tan rica que Cézanne sentía que no podía abarcarla en todos sus aspectos, transmitir en el lienzo todo lo que le hacía sentir , igual que la palabra  se muestra impotente para dar vida a los sentimientos con todos sus matices. Cézanne es consciente de que su tiempo se acaba y no podrá conquistar su sueño "Mi edad y mi salud no me van a permitir realizar el sueño artístico que he ansiado a  lo largo de toda mi vida." Pero siempre estaré agradecido al grupo de amantes del arte comprensivos que pese a mis vacilaciones es consciente de lo que he luchado para renovar mi arte." y reflexiona "En mi opinión, uno no se coloca en un lugar del pasado , sino que añade un nuevo miembro a ese arte" o dicho de otro modo, Cézanne se sentía un nuevo eslabón en la cadena de la evolución de la pintura. En el verano de 1906 el calor aprieta en Provenza y Cézanne trabaja a orillas del río Arc para disfrutar de un poco de frescor. Pero cuando cae el otoño  el tiempo cambia de forma súbita. El 15 de octubre el pintor se ve sorprendido por una fuerte tormenta cuando se encontraba trabajando al aire libre , y durante varias horas permanece tendido en el suelo empapándose , aterido de frío. Por fortuna un carruaje pasa por allí y le recoge para llevarlo a su casa . A la mañana siguiente aún tiene fuerzas y ánimos para seguir trabajando en e el "Retrato del jardinero Vallier" y de escribir una carta. Pero el frío que había padecido hace su trabajo y cae muy enfermo en cama. Envían un telegrama a su hijo y a su esposa para que acudan a su lado pero cuando llegan era demasiado tarde. Paul Cézanne, el hombre que había dado el paso decisivo hacia una nueva evolución en el arte, el hombre que convirtió el color en luz,  fallecía  de neumonía el 22 de octubre de 1906. 

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VINCENT VAN GOGH , EL BUSCADOR DE BELLEZA (SEGUNDA PARTE)

En la primera parte de este relato sobre la vida de Vincent Van Gogh(1853-1890) le habíamos dejado en Bruselas en el año 1880, poco después de decidir abandonar el camino de la religión para dirigir sus pasos hacia el arte. Gracias a la ayuda económica de su hermano Theo (1855-1891), que desde este momento apartará siempre una parte de su sueldo cada mes para enviárselo a Vincent , éste puede pagarse la inscripción en la Academia de Bellas Artes de Bruselas además de la comida y la ropa precisa para adecentar un poco su descuidado aspecto. Pero si había decidido cambiar de vida lo que no había cambiado era su carácter intempestivo y en ocasiones violento, siempre indomable e incapaz de sujetarse a unas normas establecidas, lo que hará que una vez más abandone sus estudios. En abril de 1881 decide regresar a la casa donde viven sus padres en la localidad de Etten , donde no es muy bien recibido por su padre pero le concederá el permiso para que comparta la vida con ellos. Su padre, que nunca le había hecho manifestaciones de cariño,diría sobre su hijo mayor "No podemos cambiar el hecho de que es un excéntrico". Los primeros meses allí, a pesar de la fría relación entre padre e hijo, son de tranquilidad para Vincent que además recibe la visita de su hermano Theo, que ahora trabajaba como marchante en París .

Pero si algo iba a endulzar este tiempo en Etten fue la visita durante el verano de su prima, Cornelia Adriana Vos-Sticker (1846-1918), a la que llamaría Kee. Ella había enviudado hacia poco tiempo y tenía  siete años más que Vincent, pero su simpatía y amabilidad conquistaron a un Vincent inexperto en estas lides del corazón porque, recordemos, que apenas un año antes había escrito a su hermano que nunca había estado con una mujer y eso era una de sus principales aflicciones. Vincent se enamora con la misma intensidad que había puesto a la hora de cuidar a los mineros de Borinage, es decir, dándolo todo hasta el extremo de que aquellos que contemplaban su comportamiento podían llegar a juzgarle por loco. El pintor confundía la amabilidad con la que le trataba Cornelia con amor y cuando después de muchos paseos compartidos por los campos de Etten se decide a declararse la respuesta por parte de ella es un rotundo "No, jamás, jamás" como escribiría Vincent a su hermano Theo en una carta fechada el 3 de noviembre de 1881. La viuda decide marcharse a Amsterdam, pero Vincent no cesará en su empeño, la escribe nuevas cartas insistiendo en su propuesta matrimonial e incluso viaja hasta Amsterdam donde llega a molestar a la familia de Cornelia. Esta obsesionado con ella y no acepta el no por respuesta. Escribe "Desde el principio me he dado cuenta de que, a menos que me entregue por completo, sin restricciones, con todo mi corazón, no tendré ninguna oportunidad, y aún así la oportunidad es pequeña, pero ¿qué me importa si tengo muchas o pocas oportunidades? ¿Debo considerar esto si yo la amo? Gracias a Dios, yo la amo."

Fotografía de Cornelia Adriana Vos-Sticker (1846-1918) ,junto a su hijo Jan. Cornelia era hija de una hermana de la madre de Vincent, y cuando viaja a Etten en el verano de 1881 hacía poco tiempo que había enviudado. Como podéis ver por la imagen no era una mujer de gran belleza pero si estaba dotada de un carácter amable y simpático, suficiente para un corazón solitario como el de Vincent Van Gogh. Aunque ella rechazó la propuesta de matrimonio del pintor, éste no se rendía y escribe ""Considero que ese "no, nunca" es un bloque de hielo que presiono sobre mi corazón para derretirlo. ¿Quién ganará, el frío del hielo o el calor de mi corazón?" y tampoco acepta las palabras de la familia de Cornelia que tratan de disuadirle y convencerle que debe dejar tranquila a Cornelia porque ella no le ama ""Las personas mayores consideran que todo está ya terminado y quieren forzarme a abandonar. Quieren convencerme de que ella no va a cambiar, luego ellos temen que ella cambie de idea" e insiste "Kee tiene escrúpulos de conciencia de tener un nuevo amor. Yo comprendo y respeto ese sentimiento, pero yo trato de crear algo nuevo, que no ocupe el lugar del viejo, pero que tenga derecho a tener su propio lugar". La última discusión con la familia con la famosa escena de Vincent poniendo su mano sobre la llama de una vela hasta que le dejaran hablar con ella parece que calmó a Vincent y la situación se enfrió . Poco después otro nuevo amor llegaría a la vida de Vincent (imagen procedente de http://www.aloj.us.es )

Según cuenta la escritora y periodista Elizabeth Lunday en su "Vidas secretas de grandes artistas" "una noche puso una mano en la llama de una vela y declaró que no la movería de allí hasta que le dejaran ver a su prima;se desmayó de dolor antes de que el tío de Cornelia pudiera apagar la llama" Este comportamiento no le ayudó , como podéis imaginar, a conquistar el corazón de su prima y Vincent sufría un nuevo desengaño amoroso. Este rechazo afecta aún más al comportamiento de Vincent, que se vuelve más violento de lo habitual y a su regreso a Etten se suceden los enfrentamientos con su padre hasta que en diciembre de ese año de 1881 tienen una gran discusión por temas religiosos y su padre Theodorus Van Gogh(1822-1885) le echa de casa . Vincent escribe a su hermano Théo que sigue viviendo en París "Pero, como puedes ver, estoy nuevamente en La Haya; por Navidad tuve una disputa bastante grave con nuestro padre, que llegó al extremo de decirme que sería mejor que abandonase la casa. Lo dijo tan enérgico que me fui aquel mismo día" En efecto, se encuentra en La Haya en casa de un primo de Vincent que además es pintor Anton Rudolf Mauve (1838-1888), un pintor de estilo realista que lograría sus mejores obras con la representación de personas y animales al aire libre.

"Pastora con un rebaño de ovejas" de Anton Rudolf Mauve , un pintor realista que enseñaría a Van Gogh diferentes técnicas pictóricas y le influiría en su primera etapa como pintor aunque su relación, como solía suceder con todas las amistades de Vincent, se rompió después de una discusión. Como ya veíamos en la primera parte de esta historia el propio Vincent reconocía lo difícil que era su carácter "Suelo ser una persona espantosa, propensa a la melancolía y el mal humor ;tengo hambre y sed de simpatía, pero si no la encuentro me trae sin cuidado e incluso echo más leña al fuego"  (imagenes procedente de http://boverijuancarlospintores.blogspot.com )

Mauve iba a ejercer una gran influencia en estos comienzos de Vincent como pintor , enseñándole las diferentes técnicas pictóricas, pero aunque Vincent agradece sus enseñanzas no está de acuerdo con la orientación de su pintura, a él no le interesa trasladar al lienzo la realidad tal y como es sino como él la ve, la interpretación de aquello que ven sus ojos. Las discusiones entre los dos pintores son cada vez más frecuentes hasta que , una vez más en la convulsa vida de Vincent, esta relación de amistad también se rompe. Estamos en el año 1882 y en este mismo año en que primero trabaja y aprende al lado de Mauve y después se separa de él conocerá a un nuevo amor en su vida, Christina Clasina María Hoornik(1850-1904), a la que él llamaría Sien .No era una mujer bella, tenía tres años más que Vincent, el rostro picado de viruela , era bebedora y fumadora, una niña de cinco años y estaba embarazada. La había encontrado en La Haya en el mes de enero, poco después de sufrir el desengaño de Cornelia. Así se lo cuenta meses después a su hermano Theo en una carta "Este invierno me encontré una mujer embarazada que tenía que hacer la calle para ganar su pan, ya sabes cómo. La tomé como modelo, y he trabajado con ella todo el invierno... he podido protegerla a ella y a su hija del hambre y del frío compartiendo con ellos mi propio pan. Comencé una nueva vida, no a propósito, sino porque tuve la oportunidad de empezar de nuevo y no rehusé hacerlo."

Ya sabemos por esta carta que su nuevo amor es una prostituta, tres años mayor que él y embarazada a la que primero acogerá por caridad y lástima hacia su situación pero de la que luego se enamorará, o al menos creerá estar enamorado . Vincent cuidará de ella, la irá a visitar al hospital cuando tiene a su hijo , al que pondrá de nombre Wilhen, como si él fuera el padre e incluso pinta las paredes de la habitación que reserva para el pequeño. Durante un año conviven como si se tratara de un matrimonio . Vincent oculta la existencia de Sien a sus padres por temor a la reacción de estos y sólo escribe sobre ella a su hermano Theo , que tampoco aprueba esta relación, al tiempo que en la mente de Van Gogh sigue recordando a su anterior amor , Kee, y sus palabras parecen mostrar que sus sentimientos por Sien no son tan intensos, ni siquiera podríamos hablar de verdadero amor a juzgar por estas palabras " Si K. me hubiese escuchado el verano pasado las cosas podían haber transcurrido de otra manera." y en otra carta añade "Mi sentimiento por ella es menos apasionado que el que sentí por Kee, pero el afecto que siento por Sien es lo único que soy capaz de dar. Ella y yo somos dos seres desgraciados que se ayudan mutuamente, que llevan sus problemas juntos y así la infelicidad se torna en gozo y lo insoportable en llevadero."

Dibujo realizado por Vincent de Clasina María Hoornik(1850-1904), que en 1882 , cuando convive con el pintor en La Haya apenas tiene 32 años pero por el dibujo vemos a una mujer envejecida por la dureza de la vida que llevaba . La había conocido en enero de 1882, apenas un poco después de terminar sus intentos de conquistar el corazón de Cornelia Adriana vos Sticker, lo que demuestra que su afecto no era tan profundo como él pretendía. Pero él lo explica así en una de sus cartas ""Sentí que mi "Ella o ninguna" había muerto. Entonces, no enseguida, pero sí muy pronto, sentí que el amor había muerto dentro de mí. Un vacío, un infinito vacío ocupó su lugar... Pero después de la muerte hay una resurrección." y añade para completar su justificación después del revuelo que había originado su anterior lance amoroso que había olvidado en menos de un mes " Comencé una nueva vida, no a propósito, sino porque tuve la oportunidad de empezar de nuevo y no rehusé hacerlo." (imagen procedente de http://www.aloj.us.es )

En realidad, Vincent era un mendigo de amor, necesitaba que le amasen pero nadie lo hacía y para protegerse de ello su imaginación creaba sentimientos amorosos que no existían en la realidad. Ni Kee le había correspondido nunca ni tampoco Sien le amaba, hallaba en él una protección que no tenía en nadie más, pero no era amor. Después de un año, en septiembre de 1883 Vincent abandona a Sien . Llega a acusar a Théo de la ruptura por el temor de Vincent a perder la asignación mensual que le enviaba su hermano, que siempre se había opuesto a esta relación y aún más cuando supo que le había contagiado a Vincent la sífilis y la gonorrea. Vincent escribe a Theo cuando vuelve a encontrarla un día en la calle, de nuevo ejerciendo la prostitución "La encontré en una situación tan lamentable, que me partió el corazón, y esto será una barrera insuperable entre tú y yo, a menos que ella pueda ser salvada." Después de este nuevo fracaso en su vida sentimental ,que siempre tenía una gran influencia en su equilibrio mental, Vincent se traslada a Drente, una de las doce provincias de los Países Bajos, situada al norte. Durante los meses siguientes pinta paisajes al oleo, de colores oscuros con los que Vincent llevaba al lienzo el profundo sentimiento de soledad que le embarga en esta época de su vida.

Por fin, después de tres meses en Drente ,decide regresar con su familia en diciembre de 1883. Ahora se encontraban en Nueten, donde había sido trasladado su padre , y aunque podríamos pensar que después de todas estas vicisitudes habría sido rechazado por sus padres es, por el contrario, bien recibido. Durante todo el año 1884 Vincent se dedica a pintar a los campesinos , sus rostros y sus trabajos, utilizando tonos oscuros y apagados quizás para representar la opresión y pobreza en la que vivían muchos de ellos. Los siguientes dos años serán de una intensa actividad en los que llega a pintar más de doscientas obras. Parece que encuentra  por fin algo de estabilidad emocional y en otoño de 1884 de nuevo el amor llama a su puerta. En esta ocasión será una vecina de Nueten llamada Margot Begemann , hija del fallecido pastor de Nueten al que el padre de Vincent había sustituido. Era la más pequeña de cinco hermanas pero ya era una mujer en edad madura pues tenía cuarenta y tres años , mientras que Vincent apenas tenía treinta y un años y no será la belleza la que cautive a Vincent que escribe sobre ella ""Es una pena que no la conociese hace diez años, ahora da la impresión de ser un violín de Cremona que ha sido estropeado por manos chapuceras. Cuando yo la conocí, ya estaba muy estropeada, pero originalmente era una persona de una gran valía."

Fotografía de Margot Begemann (1841-1907) que tenia doce años más que Vincent y que físicamente, a juzgar por sus palabras, no le resultaba nada atractiva aunque no se puede decir a tenor de las fotografías y dibujos que acabamos de ver de las otras mujeres a las que amó que ella fuera mucho menos agraciada que las anteriores. Podemos decir de ella que es la única mujer que conozcamos que amó de verdad a Vincent, aunque él no le correspondió con la misma intensidad y se olvidaría de ella poco después de que Margot se intentara suicidar con estricnina en respuesta a la prohibición de la familia de ella a que siguiera viéndose con el pintor. Ella nunca le hizo daño, quizás por ser la que le amaba de verdad y él también la guardaba afecto y años después la regalaría un cuadro que envió a través de una de sus hermanas (imagen procedente de http://www.ggallery.com )  

Una vez más no siente un amor verdadero por ella aunque si afecto , si bien él siempre tiende a engañarse a sí mismo sobre sus sentimientos , pero se siente en parte halagado por el amor que Margot si le profesa, cuando ya se había resignado a ser lo que la sociedad de entonces llamaba una solterona. Sin embargo, la familia de ella no veía con buenos ojos esta relación ,entre otros motivos por la diferencia de edad entre ambos y , seguramente, por la fama de desequilibrado que acompañaba a Vincent. Ante la oposición familiar Margot toma una decisión desesperada y trata de suicidarse con estricnina , aunque finalmente no lo consigue. De la poca profundidad de los sentimientos de Vincent hacia Margot es una demostración que después de este intento de suicidio Vincent apenas la mencionaría de nuevo en sus cartas a Theo. Habría que decir que los amores de Vincent no le dejaban heridas muy profundas pues, como hemos visto, a los pocos meses de romper una relación podía iniciar otra como si la anterior no hubiera existido. Y también es curioso observar que todas estas mujeres eran mayores que él y con circunstancias familiares adversas, bien porque la familia se opusiera o porque sus vidas fueran particularmente difíciles. Es como si él buscara relaciones difíciles deliberadamente pero como no soy psicólogo dejaré a otros el análisis de esta conducta.

El 26 de marzo de 1885 su padre Théodorus Van Gogh sufre una apoplejía y muere. Su madre había sufrido un accidente poco antes al caerse en la estación de tren , pero ya se había recuperado. Apenas un mes después , en abril de 1885 termina la que iba a ser su obra más importante hasta entonces "Comedores de patatas" en la que vuelve a incidir en uno de los temas principales de su pintura en esta época, la pobreza de las clases obreras .Trata de reflejar a través de los tonos oscuros de su pintura la desesperanza y la miseria en la que se desarrollaba la vida de estas personas por las que Vincent sentía una profunda compasión. Por vez primera centra su atención no en un único personaje sino en cinco personas sentadas alrededor de una mesa. Sobre ella escribiría el propio pintor "He querido poner conscientemente de relieve la idea de que esa gente que, a la luz de la lámpara come patatas sirviéndose del plato con los dedos, trabajó asimismo la tierra en la cual las patatas han crecido; este cuadro, por tanto, evoca el trabajo manual y sugiere que esos campesinos merecen comer lo que honestamente se han ganado. He querido que haga pensar en un modo de vivir muy diferente al nuestro. Así pues, no deseo en lo más mínimo que nadie lo encuentre ni siquiera bonito ni bueno" Como preparación para este cuadro había realizado con anterioridad más de cuarenta retratos de campesinos, buscando los rostros que incluiría en esta obra.

La obra más importante de la primera época de la obra de Vincent Van Gogh, "Los comedores de patatas" realizada en 1885 y que actualmente se conserva en el Museo Van Gogh de Amsterdam. Vincent había estudiado dibujo con el pintor realista Jean François Millet (1814-1875)  en Bruselas . Millet tenía como protagonistas principales de sus obras a los campesinos , pero unos campesinos idealizados como seres inocentes en contraposición a la degeneración del hombre urbano, algo así  como el buen salvaje de Rousseau. Van Gogh no estaba de acuerdo con esta manera de representar al campesino, él prefiere representarlos tal y como son, sin adornos y sin embellecer la realidad, pues así podía mostrar a lo que conducía la miseria  en la que vivían estas personas . El tono oscuro de la pintura de estos años primeros en la producción de Vincent se dirigen a acentuar la desesperanza y angustia de sus personajes (imagen procedente de http://www.todo-sobre.com )

Vincent esperaba que la calidad de esta obra fuera reconocida por los ambientes artísticos, pero la acogida es muy fría y vuelve a sentirse inseguro sobre su trabajo. Sin embargo, frente a malas críticas como la de su amigo el pintor Anthon Gerard Alexander van Rappard (1858-1892), al que había conocido en 1881 , que le escribe en una carta "Estarás de acuerdo conmigo en que este trabajo no se puede tomar seriamente, Por fortuna eres capaz de mucho más. Pero, ¿por qué todo lo observas y lo tratas superficialmente, de la misma manera? ¿por qué no estudias minuciosamente los movimientos?" y concluye "El arte es demasiado elevado para poderlo tratar con tanta negligencia", también hay otros comentarios elogiosos como los del pintor francés Émile Bernard (1868-1941) que escribe sobre "Comedores de patatas" "Me quedé desconcertado, en esta confusión, por la comida de los pobres en una barraca inquietante bajo una mísera luz. Era grandioso en su fealdad y estaba lleno de una vida inquietante" Ya en esta época Vincent se plantea abandonar los colores oscuros que hasta aquel momento habían caracterizado su pintura por otros más luminosos siguiendo los consejos de su hermano Theo al que escribe "expresar la luz por oposición a la obscuridad. Ya sé todo lo que piensas del "demasiado negro", pero, sin embargo, no estoy aún absolutamente convencido".

BREVE ANÁLISIS DEL CUADRO "LOS  COMEDORES DE PATATAS"

Es un breve vídeo de cinco minutos donde analiza esta obra que es la más importante de su primera etapa

En el mes de noviembre de 1885 abandona Nuenen y se dirige a Amberes para vivir en su barrio portuario. A comienzos de 1886 se matricula en la Academia de Bellas Artes de la ciudad pero no termina de encajar en su ambiente ni es apreciado por sus profesores que incluso le quieren poner en la clase de principiantes con jóvenes de quince años. Harto de esta situación Vincent coge sus escasas pertenencias y toma un tren con destino a París para irse a vivir con su hermano Theo. Poco antes de este viaje escribía en febrero de ese año de 1886 a su hermano Theo que apenas conseguía lo suficiente para poder comer de vez en cuando. Tampoco su estado físico es muy bueno debido a la sífilis que padece y que le había hecho perder la mayor parte de su dentadura. Theo trabajaba en París como marchante en la Galeria Goupil y Cía y conocía gracias a su profesión a algunas de las personalidades artísticas más importantes de París, entre las que se encontraban Toulouse Lautrec (1864-1901), Camille Pisarro(1830-1903), Paul Gaugin (1848-1903), Paul Cézanne (1839-1906), el propio Émile Bernard al que ya he citado antes y en general toda la pléyade de grandes pintores que entonces se concentraban en la que era, sin duda, el principal centro cultural de Europa.

De esta forma Vincent entra en contacto directo con el impresionismo, con sus brillantes colores y luminosidad que va incorporando a sus propias obras. También en esta época se despierta su entusiasmo por el arte japonés , entusiasmo compartido por otros pintores impresionistas . El propio Vincent escribe sobre este arte "Envidio a los japoneses por la increíble claridad de la que están impregnados todos sus trabajos. Nunca resultan aburridos ni hacen el efecto de haberlos realizado deprisa... Su estilo es tan sencillo como respirar. Son capaces de hacer una figura con solo unos pocos trazos seguros, que hace que parezca tan fácil como abrocharse el chaleco" También en esta época comienza a utilizar algo que sería característico de la nueva etapa en la pintura de Vincent, el uso de un intenso y brillante amarillo que encontraremos en obras tan célebres como "Los girasoles". Pero la vida en París, de constantes juergas con otros artistas, el abuso del alcohol y los efectos de la persistente sífilis minaban poco a poco su salud y además el ambiente de la ciudad que tan excitante le había parecido a su llegada ahora le causaba agobio. De nuevo había llegado el momento de partir.

"El puente en la lluvia" pintado por Vincent Van Gogh en 1887 copia de una obra del pintor japonés  Utagawa Hiroshige (1797-1858). Vincent admiraba la pintura japonesa y escribía a su hermano que contemplarlas le hacía sentirse "mucho más alegre y feliz"  sin duda por su brillante colorido en comparación con la oscuridad de sus primeras obras como acabamos de ver en "Los comedores de patatas"  y afirmaba que  "Todas mis obras están basadas en algo del arte japonés." Cuando en 1888 llega a Arlés se sentirá feliz porque le parece estar en Japón, y así se lo escribe a su hermano Theo "Por mi parte no necesito las imágenes japonesas aquí, todo el tiempo me digo a mí mismo que aquí yo estoy en Japón" (imagen y citas procedentes de http://www.uchina.com.ar )

En febrero de 1888 Vincent deja la casa de su hermano en París y siguiendo los consejos de Toulouse Lautrec se dirige hacia el sur de Francia y se establece en Arlés . Nace en su mente la idea de crear allí una especie de refugio para artistas y parece que por fin recupera la serenidad perdida, aunque acusa la soledad al no hablar el dialecto utilizado en Arlés . Esta incomunicación le hará centrarse en su trabajo y comienza la etapa más productiva de su vida , pintando al aire libre y todo aquello que ve , usando verdes, azules y amarillos de gran intensidad . Escribe "Aquí no me hace falta para nada el arte japonés, porque me imagino estar en el Japón y nada más necesito abrir los ojos y ver lo que tengo delante", entre las obras de estos primeros meses en Arlés destaca "El puente de Langlois.", "El peral en flor" o "El melocotonero" cuyos títulos muestran cual era el interés principal de Vincent, la naturaleza, los cultivos, las flores, los árboles frutales, todo aquello que se ofrecía a sus ojos y que le deslumbraba por su luz y colorido. En el terreno afectivo Vincent ya no volvería a mantener una relación estable y su contacto con las mujeres se limita a sus frecuentes visitas a los burdeles de la región.

"El melocotonero" pintado en la primavera de 1888, uno de una serie de cuadros dedicados a árboles frutales durante la primavera. El color y la luz del cuadro es característico del impresionismo que comenzaba a adoptar Van Gogh, mientras que el gusto por los temas florales y decorativos procede de la influencia que sobre él tenía la pintura japonesas, como ya hemos visto  (imagen procedente de http://www.allposters.com ) 

Durante el verano de ese año comienza a retratar a las gentes del pueblo e inicia una amistad con el cartero Joseph Roulin , al que retratará y también a la familia de éste en numerosos cuadros de esta época a la que pertenecen obras como El campesino, Retrato de Patience Escalier, El zuau, El lugarteniente Millet y El cartero Roulin aunque la obra más importante de esta época es "La terraza de un café en la Plaza del Foro durante la noche" . Pero entre esta incesante actividad Vincent encuentra el tiempo suficiente para insistir a su amigo Paul Gaugin para que acuda a Arlés y le ayude a montar el refugio de artistas que soñaba crear desde su llegada allí. En el mes de mayo Vincent había alquilado   una casa que le había llamado la atención por el color amarillo de su fachada   Cuando este le anuncia que se dirige allí Vincent se entusiasma , prepara con esmero la habitación que ocupará su amigo y la decora pintando en sus paredes girasoles y naturalezas muertas. Su hermano Theo, una vez más, le había enviado el dinero necesario para acondicionar su querida casa amarilla para convertirla en su soñado estudio para artistas al que pensaba llamar "L´atelier du Midi" . Vincent había invitado a otros artistas pero Gaugin era el único que había respondido ante la insistencia de Theo.

"La terraza de un café en la Plaza del Foro durante la noche" Ya en esta época comienza a utilizar intensos colores verdes, amarillos y azules que iban a dominar su obra durante los últimos años de su vida . Esta realizada en Arlés en septiembre de 1888  , representa a un café que había en el pueblo que se llamaba Cafe Terrace y que años después, en honor del pintor, cambiaría su nombre por el de Café Van Gogh. Es la primera de sus obras donde utiliza un cielo estrellado para dar una mayor luminosidad y alegría a la composición  (imagen procedente de http://futuroshechos.blogspot.com )

Gaugin, que había trabajado como agente de bolsa antes de dedicarse a la pintura, era un hombre de carácter difícil, arrogante pero muy consciente del valor artístico de su obra, justo lo opuesto a Vincent, siembre inseguro sobre el auténtico valor de lo que hacía aunque una vez escribiera "yo no tengo la culpa de que mis cuadros no se vendan. Pero llegará el día en que la gente se dé cuenta de que tienen más valor de lo que cuestan las pinturas" Aunque estaba lejos de imaginar las cifras astronómicas que se pagaría durante el último tercio del siglo XX por sus cuadros. Antes de la llegada de Gaugin , Vincent había escogido los girasoles como protagonistas de sus cuadros a los que dedicaría cuatro cuadros en el mes de agosto de 1888, variando el número de girasoles en cada uno de ellos, desde los tres girasoles, pasando después a cinco, doce y quince girasoles en los que iba variando el fondo de la pintura. Cuando Gaugin llega allí el 21 de octubre espera establecer una relación con Vincent como la de un maestro con su alumno, y durante las primeras semanas Vincent le sigue a todas partes casi como haría un niño. Gaugin le anima a que pinten juntos diferentes partes  históricas de Arlés.

"Jarrón con doce girasoles" pintado en agosto de 1888 y actualmente conservado en la Neue Pinakothek de Munich, es uno de la serie de cuadros pintados por Van Gogh en agosto de 1888 con los girasoles como protagonistas y donde emplea toda la gama cromática del amarillo, un color que le atraía particularmente y hasta su casa de Arlés era de este color . Uno de estos cuadros de girasoles lo utilizaría para decorar la habitación de su amigo, el pintor Gaugin , cuando supo que iría a visitarle en el mes de octubre de ese año 1888 . En 1987 se pagaría por una de estas obras titulada "Jarrón con quince girasoles " casi cuarenta millones de dólares, aunque sería ampliamente superado dentro de la obra de Van Gogh por "Retrato del doctor Gachet" por el que se llegó a pagar 82.500.000 dólares , lo que no está nada mal para un artista que sólo consiguió vender una de sus obras por cuatrocientos francos (imagen procedente de http://es.wikipedia.org )   

Sin embargo , el carácter de Vincent no estaba hecho para ser sumiso durante mucho tiempo y actuar como un alumno ante su maestro, y pronto comenzarán las discusiones y los enfrentamientos ante las diferentes formas de ver el arte que ambos mantienen. La situación llega a un punto de no retorno la noche del 23 de diciembre de 1888 . Sobre lo que pasó entonces hay diferentes versiones, ya que Vincent nunca habló de ello en sus cartas y la versión que tenemos de Gaugin debe ser mirado con precaución ya que él estaba implicado directamente en este hecho. Me remito a las palabras de Juan Antonio Cebrián en su obra "Pasajes de la historia", que relata así lo que pudo haber sucedido "Gaugin le dice a Van Gogh que piensa regresar a París; entonces , Vincent, en un arranque de rabia inusitado, empuña una navaja de afeitar intentando agredir a un templado Gaugin, que se limita a mirar fijamente al embrutecido Vincent; esto es suficiente para que Vincent, destrozado por lo que había estado a punto de cometer, corte de un tajo el lóbulo de su oreja derecha;era su forma de pedir perdón por el demonio que le ahogaba por dentro" Como veis se cortó nada más que el lóbulo y no la oreja entera, Cebrián dice la derecha en otros libros dicen que es la izquierda, como nos ha dado a conocer el cine en algunas de sus versiones sobre este hecho.

"Autorretrato con oreja vendada" realizado por Van Gogh después de autolesionarse el 23 de diciembre de 1888. Se conservan más de una veintena de autorretratos del pintor pero más por su dificultar por conseguir modelos que por narcisismo de Vincent. Apenas unas semanas después de pintar esta obra sería de nuevo internado en el hospital aquejado de manía persecutoria.Su equilibrio mental  después del episodio de la oreja sería cada vez más débil . Un detalle que hasta ahora no os había indicado es que debido a los enfrentamientos que mantuvo con su padre y a lo que él consideraba una infancia y adolescencia desgraciada firmaba todos sus cuadros sólo con su nombre, Vincent, y no con el apellido (imagen procedente de http://www.theartwolf.com)

Pero no acaba aquí la truculenta escena pues "con la oreja ensangrentada , lleva la parte seccionada a un prostíbulo que él frecuentaba para que Rachel, su favorita, cuide de aquel trozo" La versión de Gaugin era que el propio Vincent se había autolesionado después de enterarse de la noticia del matrimonio de su hermano con Johana Gesina Bonger (1862-1925) . Sea como fuere la mañana del 24 de diciembre el comisario de policía de Arlés halló a Vincent en la cama de su casa con la oreja ensangrentada y el lóbulo seccionado. Fue traslado al  hospital Hôtel-Dieu  de Arlés mientras que Gaugin se alejaba de allí y no volvería a ver nunca más a Vincent. Al regresar a casa, Van Gogh pintaría su "Autorretrato con oreja vendada" . Su equilibrio mental está muy afectado , sufre de manías persecutorias, piensa que le quieren envenenar por lo que vuelve a ser ingresado. De nuevo en Arlés su comportamiento hace que los vecinos del pueblo soliciten que sea llevado de nuevo al hospital porque le tienen miedo y temen que pueda hacer daño a alguien o a sí mismo. El propio Vincent, dándose cuenta de su estado mental, solicita voluntariamente ser ingresado en un centro psiquíatrico tanto por su tranquilidad como por la de todos aquellos que le rodean.

La maravillosa y conmovedora en su belleza "Noche estrellada sobre el Ródano" Dicen que cuando pintaba llegaba en ocasiones a llorar por la emoción que sentía en el momento de la creación y cuand contemplas obras como esta puedes llegar a sentir esa emoción y para eso no es necesario saber de arte, basta con dejarnos arrastrar por la belleza de su color con la que Vincent nos habla a través del tiempo, compartiendo ese corazón cálido que en vida nadie quiso explorar. Lo pintó en 1888 antes de la llegada de Gaugin, una época esperanzada en la vida de Vincent y las estrellas que pueblan el cielo de esta obra serían el símbolo de las ilusiones que ponía en el futuro. Cuando sabes algo más de la vida de un artista es más sencillo entender y , sobre todo, dejarse cautivar por su obra . Esta obra sería expuesta en 1889 en el Salón de los Independientes de París  (imagen procedente de http://observatorio.info)

En abril se casa Theo y se ocupa de que Vincent sea trasladado a la institución psiquiátrica  de Saint Paul, en la localidad de Saint Rémy de Provence a unos treinta kilómetros de Árles, ingresando allí el 4 de mayo de 1889. Sin embargo, a pesar de haber pasado esos meses entre episodios de locura´y constantes ataques epilépticos ,Vincent no sólo no había dejado de pintar sino que envía a su hermano dos cajas llenas de cuadros que se encuentran entre lo mejor de su obra. Durante su estancia en Saint Paul sigue pintando de manera obsesiva todo lo que ve , como los lirios . Luego realiza una serie de pinturas donde los protagonistas son los olivos, los pinos  y los cipreses. Pero de nuevo tiene que detener su trabajo cuando se repiten sus ataques en los que llega a comerse la pintura de los tubos que empleaba en sus cuadros, pinturas que además usaban plomo, mercurio y arsénico que pudieron contribuir a un empeoramiento de su enfermedad mental. Será dos de las obras realizadas durante esta época "La noche estrellada sobre el Ródano" e "Iris" las que se expondrán en el Salón de los Independientes entre los meses de mayo y octubre. Este Salón , que había nacido en 1884, era el escaparate de las nuevas corrientes artísticas que iban a dominar el final del siglo XIX y comienzos del XX.

"La viña roja" pintada por Vincent en 1888 y adquirida por la pintora belga Anna Boch en 1890 por cuatrocientos francos en la exposición de Bruselas del grupo Les XX . Sería la única obra que vendió en vida y que actualmente se conserva en el Museo Puskhin de Moscú. Por una carta que Vincent escribió a Theo se cree que también pudo haber vendido un autorretrato  (imagen procedente de http://www.insht.es )

También a finales de 1889 recibe una invitación de un grupo de artistas belgas conocidos como "Les XX" para participar con seis de sus obras en la exposición que están preparando en Bruselas. Será en esta exposición cuando Vincent venda su único cuadro en vida del que se tiene noticia, "La viña roja", que es adquirido por cuatrocientos francos por la pintora belga Anna Boch(1848-1936), que quería apoyar a los pintores jóvenes o desconocidos y admiraba el talento de Van Gogh , que además era amigo de su hermano Eugène Boch. Este mismo mes , el 31 de enero, el hermano de Vincent, Theo, tiene a su primer hijo al que pone de nombre Vincent Willem en honor al hermano de Theo.Vincent comunica a su hermano su deseo de abandonar el sanatorio de Saint Remy de Provence . Su hermano le convence para que sea tratado por un doctor amigo suyo y de otros pintores de París, Paul Ferdinand Gachet(1828-1909) que tenía una clínica en Auverse-sur -Oise y se ofrecía a atenderle. Vincent acepta y se instala en Auverse-sur-Oise el 20 de mayo de 1890. Ya bajo los cuidados del doctor Gachet, él mismo pintor aficionado, Vincent tendrá una nueva etapa de producción frenética, pintando setenta y nueve cuadros, treinta y cinco dibujos y un aguafuerte con la imagen del doctor Gachet en apenas setenta días.

"Retrato del doctor Gachet" de 1890. El doctor cuidaría a Vincent durante sus últimos meses de vida, en los meses en los que Vincent tuvo una actividad más frenética, realizando hasta setenta y nueve cuadros. Sobre este retrato Vincent escribe a su hermano "He hecho un retrato de M. Gachet con una expresión melancólica, que bien podría parecer una mueca a aquellos que lo vean.Triste pero amable, y aún así clara e inteligente, así es como muchos retratos deberían hacerse. Hay cabezas modernas que podrían mirarse durante mucho tiempo, y que se volverán a ver, quizás, con nostalgia, cien años después." Una nostalgia que hoy sentimos al contemplar este cuadro realizado apenas un mes antes de su muerte . Esta es la primera versión  por la que se pagarían ochenta y dos millones de dólares . Hay una segunda versión echa con unos días de diferencia que se conserva en el Museo de Orsay de París. Sobre la mirada del doctor escribiría Vincent a Gaugin, con el que aún se escribía,  que era "la expresión desencantada de nuestro tiempo" (imagen procedente de http://es.wikipedia.org )

Sin embargo, Vincent no confiaba mucho en la capacidad del doctor para tratarle, ya que escribió a su hermano Theo "esta más enfermo que yo "  aunque probablemente tampoco hizo nada por seguir sus consejos, pues ese era su comportamiento habitual, incapaz de someterse a ninguna norma. En esta carta dirigida a su madre muestra como se encuentra completamente absorbido por la pintura y por los paisajes de Auverse "Estoy plenamente absorbido por estas llanuras inmensas de campos de trigo sobre un fondo de colinas, vastos como el mar, de un amarillo muy tierno, un verde muy pálido, de un malva muy dulce, con una parte de tierra labrada, todo junto con plantaciones de patatas en flor; todo bajo un cielo azul con tonos blancos, rosas y violetas. Me siento muy tranquilo, casi demasiado calmado, me siento capaz de pintar todo esto" En el mes de julio viaja a París para visitar a Theo, a su esposa y al pequeño Vincent. No puede ocultar su orgullo porque el primogénito de su hermano lleve su nombre, pero también se marcha entristecido porque su hermano tiene dificultades económicas y él se siente como una carga para la familia.

"Cuervos sobre un campo de trigo" . La última obra que pintó Vincent Van Gogh aquel 27 de julio de 1890. Después de terminarla disparó contra su abdomen. No moriría hasta dos días después pero la herida era mortal. Los cuervos en pintura son aves proféticas, símbolo de una muerte próxima . Dicen que aquel día Vincent había pedido una pistola para espantar a las aves del campo de trigo que quería retratar. Al terminar se disparó. Los expertos en pintura dicen que los tres caminos que se pueden apreciar en la pintura eran las tres salidas a su situación que Vincent veía en su mente. Si es así, no sabemos que significaban los otros dos caminos pero eligió el de la muerte, quizás para él el de la liberación . Para todos la pérdida de un gran artista y de un hombre incomprendido. Pero como suele decirse, Vincent Van Gogh sigue con nosotros , a través de sus cuadros y después de conocer un poco más de su vida al menos yo no podré contemplarlos sin sentirme más cerca de aquel que llamaban "el loco del pelo rojo" (imagen procedente de http://arte.observatorio.info ) 

De regreso a Auverse, el 27 de julio Vincent da las últimas pinceladas a un cuadro titulado "Campo de trigo con cuervos". No sabemos que sucedió, aunque la mayoría de las versiones sostienen que Vincent se disparó un tiro en el abdomen, quizás pretendía aliviar a su hermano de la carga que él representaba, pero no es más que una especulación. Minutos después fue a la pensión Ravoux donde se había alojado desde su llegada a Auverse y subió a su habitación sin decir nada a nadie. Así nos relata la escena Juan Antonio Cebrián "los clientes contemplaron con sorpresa los movimientos de Vincent. Éste descansó unos instantes sobre la mesa de billar que se encontraba en el centro  de la sala; más tarde , subió a trompicones los diecisiete escalones que lo separaban de su cama; cuando llegó a ésta, se desplomó sobre ella sin musitar ningún lamento. Algunos hombres que lo habían seguido lanzaron de inmediato la voz de alarma" Sería el doctor Gachet quién acudiera junto al lecho de Vincent sólo para comprobar que la herida era mortal. Escribió a Theo que apenas tuvo tiempo de llegar para ver morir a su hermano . Vincent agonizó durante dos días y murió en la  madrugada del 29 de julio de 1890. En diez años había pintado 841 cuadros y 1600 dibujos, aunque sólo había vendido uno de ellos. Su amado hermano Theo, que siempre había cuidado de él, agotado por el trabajo, por la sífilis que padecía y hundido por la muerte de su hermano moriría apenas seis meses después en un hospital de Utrecht, el 25 de enero de 1891.

Las tumbas de los dos hermanos Van Gogh, Vincent y Theodore, que estuvieron unidos en vida y hoy sus tumbas les mantienen unidos aunque sólo sea para los que las contemplamos y para aquellos amantes del arte, de la belleza, de aquello que hace más hermosas nuestras vidas y que debemos a grandes artistas como Vincent Van Gogh. Cuando Vincent murió el doctor Paul Gachet puso uno de los amados girasoles que Vincent había pintado en tantas ocasiones sobre el vientre herido del pintor mientras Theo sujetaba entre sus brazos el cuerpo del hermano al que tanto amaba. Quizás no recibió en vida el cariño que habría necesitado para salvarse de su enfermedad mental, pero si hay otra vida hoy recibirá el cariño de todos aquellos que nos emocionamos al contemplar sus cuadros. Gracias por crear belleza (imagen procedente de http://www.aloj.us.es )

Y aquí termino el relato de la vida de este hombre atormentado, que nunca conoció la paz más que en unos pocos  instantes de su vida, que no halló el reposo del amor correspondido ni el reconocimiento de su obra que llegaría demasiado tarde ya en el siglo XX. Hoy podemos disfrutar de su obra en los museos y espero que los que lean este artículo , que no es más que una síntesis de diferentes lecturas, os sirva, sino para conocer mejor su obra en lo que yo no tengo suficientes conocimientos para explicarla mejor, si para comprender algo más del ser humano que se asoma en estas obras, que plasmó en ella sus angustias, sus pasiones, sus miedos y , sobre todo , su amor a la belleza , al arte y a la vida, aunque esta nunca fue demasiado generosa con él. Quiero cerrar esta historia con una frase que ya cité en la primera parte y que creo que concentra en ella lo que fue la vida de Vincent Van Gogh, uno de los mejores pintores de la historia  "Se puede tener, en lo más profundo del alma, un corazón cálido, y sin embargo, puede ser que nadie acuda a él." Hoy, cada vez que nos acercamos a sus obras es como si nos aproximásemos a ese cálido corazón


PROGRAMA  DE JUAN ANTONIO CEBRIÁN SOBRE LA VIDA DE VINCENT VAN GOGH

No es un vídeo al uso, no se trata de un documental , sino de un relato radiofónico sobre la vida de Vincent Van Gogh. Mientras Juan Antonio Cebrián, un divulgador con el que algunos como yo aprendimos a amar la historia, relata la vida de Van Gogh se suceden las obras del pintor. Creo que os puede interesar e incluso emocionar. Ojalá que estos artículos os haya despertado más curiosidad por la obra de Van Gogh y acudáis a fuentes más autorizadas que la mía, pero para amar la pintura , para amar el arte, es suficiente con dejarse cautivar por él. Y Van Gogh lo consigue.