"BLANCANIEVES " , LOS HERMANOS GRIMM VIAJAN A ESPAÑA

¿Quién de nosotros no ha soñado en su infancia con los personajes mágicos de los cuentos de hadas? Esos hermosos relatos poblados de hadas, princesas encantadas, gnomos, gigantes, elfos, príncipes azules  y demás seres mágicos que habitan un mundo de fantasía donde no hay nada imposible y en el que aprendíamos que en el mundo hay cosas hermosas y maravillosas pero también amenazas que pueden destruir la felicidad por rencor, envidia o pura maldad. A lo largo de la historia el ser humano a recurrido a la narración para dar forma a sus miedos, sentimientos y anhelos, una manera de dar forma a un mundo complejo y extraño. El escritor colombiano Gabriel García Márquez escribe "¿Qué clase de misterio es ése que hace que el simple deseo de contar historias se convierta en una pasión, que un ser humano sea capaz de morir por ella; morir de hambre, frío o lo que sea, con tal de hacer una cosa que no se puede ver ni tocar y que, al fin y al cabo, si bien se mira, no sirve para nada?", pero si nos sirven, nos preparan cuando somos niños para enfrentarnos al mundo real, donde encontraremos madrastras malvadas, lobos que querrán devorarnos y también hermosas princesas y valientes príncipes que cambiarán nuestras vidas.  Y a uno de estos cuentos de hadas nos traslada esta singular película realizada por el director español Pablo Berger(1963).

 

Nueve años han pasado desde que este bilbaíno estrenara su ópera prima "Torremolinos 73"  que además de tener un buen recibimiento en taquilla también le supuso obtener cuatro premios Goya, entre ellos el de mejor director novel y mejor guión original, ambos para Pablo Berger. Pero los nueve años transcurridos desde entonces hasta el estreno de su segunda película demuestra lo dificil que es sacar adelante nuevos proyectos cinematográficos en España, y más aún cuando se trata de obras diferentes ,arriesgadas e innovadoras, aunque pueda sonar contradictorio, como es "Blancanieves". Años de lucha para convencer a los productores para que financiaran esta película que muchos calificaban como una locura, pues así veían esta historia que Berger quería rodar en blanco y negro y además recuperando el cine mudo, acompañando las escenas con la música y carteles que de vez en cuando traducirían en letras los gestos de los actores. Tal vez hoy ya no parezca tan absurda su idea después del éxito arrollador y sorprendente de la magnífica "The Artist" de Michel Hazanavicius (1967), que fue la gran vencedora de los oscar de 2011 y que recuperó para los espectadores del siglo XXI la emoción del cine en estado puro, aquel cine que tan bien definiera uno de sus pioneros, el director David Wark Griffith "Lo que el cine necesita es belleza, la belleza del viento moviéndose entre las hojas de los árboles".

 

TRAILER DE BLANCANIEVES

 

Más breve de lo habitual en los trailers de promoción, apenas 49 segundos en comparación con los cerca de dos minutos que suelen durar la mayoría de ellos, pero que transmite la misma intensidad que tiene la película

 

 

 

La película de Hazanavicius nos descubrió esa belleza de la imagen, la que emana de la expresión del rostro humano, de los ojos que desvelan el alma y expresan en un instante más que páginas enteras de guiones, nos mostraba como no sólo hay una forma de hacer cine y de contar una historia, que el cine mal llamado mudo, porque la expresión y la música son formas no menos complejas de lenguaje que la palabra, puede convivir con el sonoro y que con ambas podemos obtener una experiencia plena. Como sucede siempre con el arte, lo importante no es tanto  la forma, sino su contenido, el talento que el artista atesore para dar vida a su obra , porque por encima de todo la obra de arte, y el cine lo es, es emoción , es conseguir que el espectador ría, llore, se agarre a la butaca en tensión, que vibre su corazón y que , finalmente, se sienta parte de la obra, porque el arte no es sólo un entretenimiento o un deleite de los sentidos, es mucho más , es un camino que nos lleva hacia nuestro interior, a descubrir partes de nosotros que permanecen ocultas en la vida cotidiana, lo que expresaba mucho mejor que yo George Bernard Shaw cuando escribió "Los espejos se emplean para verse la cara; el arte para verse el alma". Pero la película no nace aprovechando el éxito de "The Artist", porque es un proyecto que arrancó hace casi nueve años,  aunque espero que se beneficie de ello, como reconoce el propio Berger "Ahora todo el mundo sabe que un largometraje mudo y en blanco negro puede triunfar en taquilla y ganar un montón de estatuillas doradas".

 

Pero vamos con la historia que nos cuenta Pablo . Viajamos hasta Sevilla. Es la tarde del 21 de abril de 1910 y vemos a la multitud que se dirige hacia la Monumental de Sevilla . En los carteles se anuncia  una gran corrida de toros donde el maestro Antonio  Villalta, papel interpretado por el actor Daniel Giménez(1961), nacido en España pero que ha desarrollado toda su carrera en México,   se dispone a protagonizar una gesta al estoquear en solitario seis toros. La tarde se desarrolla en un clima de épica y emoción. En las gradas , invadida por el miedo a la suerte que pueda correr Villalta y la alegría por el éxito de la corrida, se encuentran su bella  y embarazada esposa, la cantante Carmen de Triana, acompañada por la madre del diestro, papel interpretado por esa gran actriz que es Angela Molina(1955). Villalta torea con decisión, el entusiasmo se refleja en los rostros del público , suena un pasodoble y casi podemos sentir a través de las imagenes el polvo del ruedo, el sudor del torero, la sangre del toro , el miedo y la emoción sobrevolando la Monumental. Cinco toros caen bajo la espada de Villalta, pero en el sexto un fotógrafo imprudente causará la grave cogida del diestro. La historia del mundo del toro, sangre, polvo y muerte. Carmen de Triana cree morir al contemplar a su amado embestido, la emoción adelanta su parto y mientras Antonio es atendido de la cogida , Carmen da a luz a una niña para morir al instante. Cuando Antonio despierta en el hospital recibe tres noticias, nunca podrá volver a caminar, su amada Carmen ha muerto y tiene una niña, a la que también llaman Carmen. Pero rechaza a esa niña, a la que culpa de la muerte de su esposa.

 

Hasta el diseño del cartel de "Blancanieves" nos traslada a las películas de los primeros años del cine, donde era la imagen y la música la que cautivaba al espectador y que luego fue desplazado a medida que se extendió el cine sonoro después del estreno de "El cantor de jazz" en 1927 que empleó el sistema Vitaphone, que consistía en grabar la banda sonora por separado y luego se ponía sincronizándola con la película en el momento de su proyección. Berger recupera ese mundo visual que casi habíamos perdido y la magnífica interpretación de los actores consiguen transmitir las emociones sin más apoyos que sus rostros, la música y algunas pocas leyendas escritas que casi se hacen innecesarias. No deja de sorprender como te olvidas de la falta de diálogos y los gestos sustituyen a las palabras hasta el extremo de que podrías decir que "oyes" sus expresiones (imagen procedente de http://www.lapalomitamecanica.com )

 

Encarna, una enfermera ávida de fama y riqueza interpretada por una magnífica Maribel Verdú(1970), no desaprovechará la oportunidad para seducir al torero sumido en una profunda depresión y no se dentendrá hasta casarse con él, aunque no le ama, lo único que ama es el dinero y la celebridad que este enlace supondrá para ella. Como ya estaréis imaginando el personaje de Maribel Verdú no es otro que el de la malvada madrastra del cuento de los Hermanos Grimm y la pequeña Carmen es la inocente y bondadosa Blancanieves, víctima indefensa de la mezquina madrastra. Sólo al cabo de los años el azar permitirá que padre e hija se reencuentren , ocultando sus encuentros a Encarna que disfruta como  la nueva reina de las revistas del corazón. No os puedo contar más, esto es nada más que el principio de esta historia donde habrá intentos de asesinato, manzanas envenenadas,unos maravillosos enanos toreros, amores puros y secretos, el retrato de una España que apenas tiene que ver nada con la actual pero que Berger vuelve a dar vida con una fotografía excepcional, una música que sabe dar vida a las imagenes que contemplamos y subrayar su dramatismo , que en ocasiones nos arranca una sonrisa, que sabe emocionar en otras y que consigue eso tan difícil que es olvidarte de tu vida cotidiana para sumergirte en una historia que es un hermoso y terrible cuento de hadas.

 

Esta es una película que quizás pueda parecer muy española, de la que Maribel Verdú ha dicho descriptivamente que "es una historia española a saco". Es uno de los protagonistas de este cuento el mundo del toro, ese mundo que fuera de España identifican con nuestra cultura y nuestras tradiciones, pero si es verdad que resucita el espíritu de una España de toros y copla que una vez fue verdad, al menos en una parte de esta nación, el espíritu que la anima, la historia que relata, que no es otro que el universo recogido por los Hermanos Grimm trasladado a la España de comienzos del siglo XX, pero que podría ser igual la China del Primer Emperador, la corte del Inca en Perú o el Egipto faraónico, porque el nexo común que une a los cuentos es que hablan del ser humano, de sus sentimientos, de sus emociones, de amor, de ambición, de miedo, de amistad, de todo aquello que compartimos las personas desde que nuestros primeros antepasados expresaron sus emociones en las paredes de aquellas cuevas en las que buscaban refugio de un mundo amenazador, porque si algo ha necesitado el ser humano en todo tiempo ha sido compartir lo que siente y comunicárselo a los demás, crear belleza  y transmitirla a través del arte . Por eso , esta película , tan española en sus imagenes, en el mundo que recrea, es a la vez universal, porque habla de cosas que todos entendemos, con la fuerza y la magia con la que hablan los cuentos de hadas .

 

Si en "Blancanieves y los siete enanitos" de Walt Disney los enanos eran mineros, en la versión de Pablo Berger su profesión es la de "enanos toreros" que llevan su espectáculo de pueblo en pueblo hasta que un día encuentran a una joven que ha olvidado su nombre y de donde viene y a la que darán el nombre de Blancanieves , interpretado por la joven actriz Macarena García(1988), que hace un muy buen trabajo y a la que yo no conocía hasta ahora aunque ha participado en una serie de televisión de éxito titulada "Amar en tiempos revueltos". En cuanto a Blancanieves cuando aún es niña es interpretada con brillantez por Sofía Oria que sabe transmitir la ingenuidad e inocencia de su personaje. Sin duda, uno de los puntos fuertes de la película de Pablo Berger es el trabajo de todos sus actores que hacen creible la historia y superan con éxito el reto de superar la barrera del lenguaje para transmitirnos con sus expresiones el contenido de esta historia, tal y como hace muchos siglos hicieran los actores griegos a través de la pantomima. (imagen procedente de http://lakatarsisdelcinespanyol.blogspot.com ) 

 

Por supuesto estas palabras surgen de la impresión que me ha causado la película, que por fortuna será diferente en cada uno de vosotros , y quizás otros que tengáis la paciencia y la cortesia de haberme leído hasta aquí después de ver la película tengáis una visión diferente, y si es así me gustaría mucho que la compartieráis porque esa es otra de las grandes virtudes del arte, generar diálogo, intercambio de impresiones, lo que nos revela diferentes enfoques y formas de ver una misma obra. En  una época donde el cine sufre de una acuciante falta de originalidad y en la que los productores y los estudios tratan de asegurar las taquillas con secuelas y precuelas de películas de éxito, con nuevas versiones de historias contadas en mil ocasiones sin ofrecer nada nuevo, con guiones donde el espectáculo sustituye al relato de una historia, películas como "Blancanieves" son refrescantes, pues pueden tener defectos y quizás no gusten a todos, pero al menos te sorprenden, te hacen pensar, y , sobre todo, te hacen sentir y ¿que mayor logro para cualquier obra de arte que despertar emociones?  Cuando en "Blancanieves" contemplas al toro dispuesto a embestir a Antonio Villalta te sientes como aquellos primeros espectadores de la historia del cine que temían que el tren que veían en la pantalla saliera de ella y los arrollara. No es posible recuperar aquella inocencia , pero "The Artist" primero y ahora "Blancanieves"  nos descubren aquel cine perdido durante décadas, el cine como imagen, como dijera el director francés Jean Luc Godard "La fotografía es la verdad. El cine es la verdad 24 veces por segundo".

 

 La película ha sido seleccionada por España como su representante para los Oscar , pero al margen de los premios cinematográficos y los reconocimientos de críticos y festivales, espero que la arriesgada apuesta de Berger tenga éxito y anime a otros productores a respaldar a creadores con ideas diferentes, innovadoras aunque sea contradictorio hablar de innovación cuando se trata en este caso de una película muda y en blanco y negro.Hay muchas formas diferentes de narrar una historia y lo importante es el talento para hacerlo, y creo que en "Blancanieves" hay una buena muestra de ese talento aunque tendrá que vencer la prevención que en España hay hacia nuestras propias películas , pero creo que al final el boca a boca funcionará y tendrá la repercusión que creo que merece. Y así continuará la tradición de los cuentos de hadas, desde aquel lejano en el tiempo "Historia de dos hermanos", que se remonta al Antiguo Egipto hacia el 1300 a. C, y que narra la historia de la rivalidad entre dos hermanos y,una malvada mujer  y que cumple con la premisa de todo cuento de hadas , ese final feliz, que siglos después retomarían los hermanos alemanes Jacob Grimm (1785-1863) y Wilhelm Grimm (1786-1859), los célebres Hemanos Grimm .  Cuando en 1803 los hermanos eran aún unos jóvenes estudiantes en la Universidad alemana de Marburgo, conocieron a dos representantes de las nuevas corrientes Románticas que estaban invadiendo el arte y el pensamiento alemán y europeo, Achim von Arnim(1781-1831) y  Clemens Maria Brentano (1778-1842), que despertaron en ellos el interés por la tradición literaria alemana y su cultura popular.

 

Los hermanos Jacob y Wilhelm Grimm recuperaron centenares de cuentos de la tradición centroeuropea que hasta entonces se conservaban sólo a través de la tradición oral, cuentos que poco tienen que ver con la imagen que de ellos tenemos hoy. Eran crueles, en ocasiones sádicos, sangrientos, con fuertes connotaciones secuales, porque como los propios Grimm afirmaban, aquellos no eran cuentos para niños, eran cuentos para adultos con asesinatos, niños abandonados y maltratados, envidias, celos y crueldad . Sólo cuando se dieron cuenta que su público principal se encontraba entre los niños accedieron a suavizar sus relatos adoptando la forma que hoy nos es más conocida. Pablo Berger ha optado por conservar el espíritu de aquellos primeros cuentos, con su dosis de maldad y crueldad no exenta también de humor (imagen procedente de http://algundiaenalgunaparte.blogspot.com )

 

 

Así comenzaron a recopilar cuentos que hasta entonces pasaban de generación en generación transmitidos por la tradición oral  y entre 1812 y 1815 publicaron los dos volúmenes de sus "Cuentos para la infancia y el hogar" aunque hoy los conocemos como "Cuentos de los Hermanos Grimm". En esta recopilación se encontraban cuentos que hoy forman parte de la memoria de cualquiera de nosotros y nos lleva hasta los días de nuestra infancia. Títulos como "Rapunzel", "El sastrecillo valiente", "Cenicienta", "La Bella Durmiente", "Pulgarcito, "Hänsel y Gretel", "Caperucita Roja" y, por supuesto, "Blancanieves". En el cuento de los Grimm una reina se hallaba cosiendo junto a una ventana cuando se pinchó con la aguja de coser y una gota de sangre cayó sobre la nieve. Nació en ella el deseo de tener una hija que fuera tan blanca y bella como la nieve y cuyos labios fueran tan rojos como la sangre que había vertido sobre ella . El deseo de la reina fue atendido, y nació Blancanieves, pero , como sucede en la película, la reina muere y una malvada hechicera conquista el corazón del rey y se convierte en la madrastra de Blancanieves . La hechicera quería ser la más bella del mundo y no admitía rival, y constamente preguntaba a su espejo mágico cual era la más bella del reino obteniendo la misma respuesta, "tu,mi reina, eres la más bella de todas" hasta que un día la respuesta fue diferente "Reina, estás llena de belleza, es cierto, pero Blancanieves es más bella que tú y nunca podrás cambiar eso."

 

Maribel Verdú interpreta con intensidad a la malvada Encarna, la enfermera que seduce al infortunado torero Antonio Villalta para alcanzar la fama y la riqueza que anhela , a diferencia del cuento original, más que la belleza. En una entrevista dice la joven veterana actriz, pues lleva desde los dieciséis años trabajando en cine y televisión,  "Cuando la madastra aparece en escena, está ella y nadie más. Lo bueno que tiene es que no cae mal de lo patética que es" A pesar de su maldad también es protagonista de algunos de los toques de más humor de la película y Maribel sabe transmitir con su gran actuación la personalidad  del personaje más atractivo de esta historia (imagen procedente de http://quemovida.excite.es )

 

 

Llena de celos y rabia  la pérfida reina ordenó a un cazador que matase a la joven Blancanieves y le trajera su corazón, pero el cazador se apiadó de la joven y mató en su lugar a un ciervo cuyo corazón entregó a la reina que devoró creyendo que era el de Blancanieves. Blancanieves encontró una casa en el bosque donde vivían siete enanos, que la permitieron quedarse con ellos a cambio de que les ayudara con las tareas del hogar y allí permaneció la joven princiesa hasta que la reina descubrió, para su ira y horror, que Blancanieves seguía viva. Trató de asesinarla de diferentes formas hasta que por medio de un engaño logra que Blancanieves coma una manzana envenenada tras lo cual cae en un sueño profundo que la reina confunde con la muerte. Los enanos conservan el cuerpo de Blancanieves en un ataud de cristal para poder contemplarla en ese sueño hasta que un príncipe la descubre y  se enamora de ella. Blancanieves se recupera gracias a este amor y ambos contraen matrimonio. A la boda asiste la reina malvada sin saber que la que se casaba era Blancanieves y cuando lo descubre, llena de miedo, trata de ocultarse pero es descubierta y el príncipe, después de que Blancanieves le relate todo lo que aquella mujer la había hecho, la pone en los pies unos zapatos de hierro calentados al rojo vivo y se ve obligada a bailar hasta que cae muerta. Por supuesto, esta versión no es la que leemos a los niños ni la que Walt Disney llevaría al cine en 1937 en la película "Blancanieves y los siete enanitos", pero es la versión original del cuento recopilado por los Hermanos Grimm.

 

La joven actriz Macarena García interpreta a Blancanieves, que en la versión de Pablo Berger es la hija de un torero, Antonio Villalta, y de una cantante de copla, Carmen de Miranda. La joven seguirá los pasos de su padre en una historia que ,como dice Maribel Verdú, "es una historia española a saco" pero que conserva el espíritu universal . Como dice el director de cine mexicano Guillermo del Toro(1964) "Hay que ofrecer a la gente cosas que no  haya  visto antes", y Pablo Berger, como hace unos meses Michel Hazanavicius, nos han devuelto a un cine que generaciones de espectadores no habíamos conocido, un cine donde la imagen es la absoluta protagonista  (imagen procedente de http://cultura.elpais.com ) 

 

 

Desde sus primeras versiones, los cuentos de los Grimm fueron censurados y retocados , acusados de ser extremadamente  crueles, acusaciones de las que los Grimm se defendían alegando que aquellos cuentos no eran para niños, eran cuentos populares contados por adultos y dirigidos a los adultos , pero finalmente tuvieron que ceder a la presión social y suavizar la dureza de los relatos y algunos contenidos sexualmente demasiado explícitos para su tiempo y que incluso hoy nos sorprenderían. En total recopilaron doscientos diez cuentos con una galeria de personajes que ha inspirado a escritores,pintores, compositores y , en nuestros días, a cineastas como Pablo Berger , que recupera la crueldad , violencia y maldad del relato original de los Hermanos Grimm , pero también su inocencia, su humor y  ese protagonista de casi todos los cuentos y relatos, la lucha eterna entre el bien y el mal, entre la inocencia y la perfidia, entre la dulce Blancanieves y la malvada madrastra. Un combate tan antiguo como la humanidad que hoy podemos disfrutar en esta , en mi opinión, magnífica película con un final que queda abierto a la interpretación del espectador. Y mientras decidís si os acercáis al cine a sumergiros en este universo mágico, tened cuidado con las manzanas que os ofrezcan, los Hermanos Grimm ya nos avisaron sobre los peligros del mundo . Como dice la promoción "Nunca antes nos contaron un cuento así "

Hubiera querido adjuntaros algún tema de la banda sonora original pero no he encontrado ningún enlace . Sin duda, la música es una protagonista principal de la película de Pablo Berger. Personalmente creo que es una muy buena película, una historia que tiene emoción,humor,drama y aventura , con una apuesta por un cine diferente que creo que merece la pena que se le de una oportunidada. No podía cerrar este artículo con una imagen mejor que ésta, ¿morderá Blancanieves la manzana envenenada? La respuesta en la siempre mágica oscuridad de las salas de cine (imagen procedente de http://www.ara.cat )

THE ARTIST, CUANDO HABLAN LAS EMOCIONES

El escritor alemán Johan Wolfgang Goethe decía "Se tiende a poner palabras allí donde faltan las ideas.", y si la cita de Goethe es correcta desde luego no puede ser aplicada a la última película del director francés Michel Hazanavicius(1967), "The Artist". En la época del cine de tres dimensiones, de los más avanzados efectos digitales y efectos especiales, cuando la cartelera de nuestros cines se halla invadida de títulos de acción trepidante, donde las explosiones y las persecuciones desplazan a la narración de una historia, "The Artist" es mucho más que una rareza o una idea arriesgada y extravagante, "The Artist" es un soplo de aire fresco , un canto de amor al cine en su más pura expresión, cine en imagenes, como lo fue el cine en su nacimiento y a lo largo de las primeras décadas de su existencia, un cine donde , a falta de la palabra , era la música y las expresiones de los actores los instrumentos  a través de los cuales se transmitían las emociones a los espectadores, un tiempo sin palabras, es cierto, sin los brillantes diálogos que han convertido a muchas frases del cine en leyenda, pero quizás nunca fue el cine tan puro como entonces, ingenuo, tal vez, pero emocionante y humano como nunca.

Pero conozcamos primero que nos cuenta la película que dirige magistralmente Hazanavicius. Estamos en el Hollywood del año 1927, en el momento de mayor esplendor en la carrera de George Valentin, interpretado por el actor francés Jean Dujardin(1972), con una deliciosa  elegancia, con gran expresividad que nos permite empatizar con su personaje, esa estrella del cine mudo , siempre con una sonrisa en los labios, que ama el cine y al publico, que necesita su aplauso y la adoración de sus admiradores.Encarna la imagen que todos tenemos en mente de las grandes estrellas de la época, de galanes míticos  como Rodolfo Valentino(1895-1926) o el aventurero Douglas Fairbanks(1883-1939), brillantes, extrovertidos, arrebatadores, estrellas dentro y fuera de las pantallas, capaces incluso de provocar suicidios a su muerte como sucedió tras el fallecimiento de Rodolfo Valentino. Si, George Valentin se encuentra en la cumbre de su carrera, cuando su destino se cruza con el de una admiradora, Peppy Miller, papel encarnado por una arrebatadora Bérénice Bejo(1976), de la que apenas había sabido nada desde la lejana "Destino caballero" del año 2001 cuando interpretó a la enamorada del fallecido Heath Ledger(1979-2008).

Hasta el cartel de "The Artist" nos lleva a aquellos mágicos tiempos de los años veinte, cuando el cine se convertía en la auténtica fabrica de sueños de toda una sociedad y que Michel Hazanavicius ha sabido recrear y hacernos vivir en su maravillosa película, sin duda una de las ya favoritas a los Oscar de la próxima edición. Pero más allá de los premios recibidos y que pueda recibir en el futuro, me quedo con las emociones que te hace vivir y con la hermosa historia de amor entre George Valentin y Peppy Miller (imagen procedente de http://www.elseptimoarte.net )

Es difícil no enamorarse de la fresca y deslumbrante sonrisa y la expresión de esos inmensos ojos negros de Bérénice  y , al igual que el espectador, Dujardin tampoco podrá escapar a su hechizo, pero será una historia de amor como las clásicas, con un desarrollo pausado, el de dos personas que se hallan en momentos diferentes de su vida, una vida que experimentará un cambio radical cuando en ese mismo año 1927 se produce un acontecimiento que cambiará el destino  de nuestros protagonistas, el nacimiento del cine sonoro con el estreno de "El cantante de Jazz". El productor de las películas de George Valentin , interpretado por el actor norteamericano John Goodman(1952), invita a Valentin a una proyección privada de la película, y al oír a su protagonista Al Jolson cantar, Valentin no puede evitar estallar en carcajadas. No, el cine sonoro no puede gustar al publico, es ridículo dice Valentin, aunque su productor le avisa que ese es el futuro. Y en efecto, lo iba a ser, el cine mudo, aunque aún no era consciente de ello, estaba condenado a su desaparición, era el final de la "Edad de la pantalla de plata" como se conoce a este periodo histórico del cine.

A partir de aquí asistimos a la decadencia de una estrella que no sabe adaptarse a los cambios, Valentin, y al auge de la recién llegada Peppy Miller y da comienzo la parte más llena de emociones, sentimientos y drama de la película. Porque "The Artist" es como aquellos melodramas saturados de emociones de las primeras décadas del cine, de sentimientos a flor de piel, de gestos excesivos pero a la vez muy humanos y con los que todos nos podemos identificar, de vanidad, de fracaso, de culpa y de  redención y de personajes llenos de una bondad y humanidad que casi nos pueden parecer infantiles en un tiempo en el que estamos acostumbrados a personalidades complejas, enfermas y retorcidas. No, los protagonistas de "The Artist" son seres humanos con defectos y virtudes, pero con una intrínseca bondad , con una sensación de humanidad, de fragilidad, de soledad y de necesidad de amor con la que es imposible no sentirse identificados. En un momento de la película el productor le dice a Valentin"el publico quiere carne fresca, y el publico siempre tiene razón" y puedes sentir como, aunque Valentin trata de disimularlo con una sonrisa, algo se está rompiendo en su interior.



TRAILER DE "THE ARTIST" DE 2011 DIRIGIDA POR MICHEL HAZANAVIZIUS  

Disfrutad de las hermosas imágenes y de la bella música de esta maravillosa película , de esas películas que hay que ver en el cine, en una sala oscura, para recrear la magia de aquella época.

Acompañaremos a Valentin en su descenso a los infiernos del olvido y a Peppy a su ascensión al éxito. No os puedo contar más de su argumento, porque hay que descubrirlo en el cine, donde hay que ver esta película. En la oscuridad de la sala, sin palabras pero acompañados en cada instante de la película por la maravillosa música del compositor Ludovic Bource, que nos ayudará a sentir las emociones de los personajes, a sonreír, a llorar, a querer bailar en uno de esos maravillosos bailes de claqué que nos llevan a los tiempos de Fred Astaire y Ginger Rogers, a revivir aquella época dorada cuando los actores y las actrices eran auténticos dioses de la pantalla, adorados por todos, cuando el cine era joven y deslumbraba al público, asombrado por el mundo que les descubría aquellas pantallas, cuando ir al cine era más que ir a ver una película, era introducirse en un mundo de magia  , una magia que sus protagonistas continuaban en la vida real.

The Artist es una historia de orgullo, el orgullo de Valentin incapaz de reconocer que los tiempos han cambiado y que el mundo que conocía ha dejado de existir, de bondad, la bondad de la deslumbrante Peppy Miller, que jamás olvidará la generosidad de Valentin con ella en sus primeros pasos en el cine, la del chofer de Valentin, Clifton, que es mucho más que un empleado , pues le guardará fidelidad hasta en sus peores momentos,y , sobre todo, es una hermosa historia de amor, porque como sucede con todas las grandes películas , es el amor, el más poderoso de los sentimientos humanos, su absoluto protagonista. Si queréis emocionaros, si queréis reír, si queréis llorar, si queréis sentir como vuestros pies se mueven mientras Valentin y Peppy Miller bailan claqué, si queréis sentir el cine en estado puro, como lo vieron nuestros abuelos y bisabuelos, si queréis recuperar la inocencia, la ingenuidad y abandonar el cine con alegría en el corazón, "The Artist" es la película apropiada. Decía uno de los grandes directores del cine mudo, David Wark Griffith "Lo que el cine necesita es belleza, la belleza del viento moviéndose entre las hojas de los árboles", y "The Artist" nos regala esa belleza y nos devuelve el amor por las imagenes, por la música , por las expresiones, por el cine en  su más pura esencia.

El destino cruza los caminos de George Valentin, magníficamente interpretado por Jean Dujardin que obtuvo el Premio al Mejor Actor en la pasada edición del Festival de Cannes, y de Peppy Miller, la maravillosa Bérénice Bejo cuya expresividad y su deslumbrante sonrisa cautivan al espectador. Simbolizan el fin de una época y el comienzo de otra nueva  no sólo en el cine, sino también en el mundo que estaba a punto de vivir la crisis de 1929 . La vanidad y el orgullo mantendrán un duro combate con el amor y la bondad (imagen procedente de http://bartman.es )

Pero no podía dejar el comentario sobre esta maravillosa película sin mirar atrás y echar un vistazo al periodo histórico que nos narra Hazanavicius en ella. Y para ello tenemos que conocer a un compatriota de Hazanavicius pero del siglo XIX, el francés Louis Le Prince (1842-1890). El pequeño Le Prince , hijo de un oficial del ejército francés, se había prácticamente criado en el laboratorio del pionero de la fotografía Louis Jacques Mané Daguerre (1787-1851) y podemos imaginar la fascinación que debió sentir al ver como el fotógrafo plasmaba las imagenes del mundo. Después de recibir las enseñanzas sobre fotografía del ya anciano Daguerre, estudiaría pintura en París y química en Leipzig, en 1866 se trasladaba a la ciudad inglesa de Leeds invitado por un antiguo amigo de estudios, John Whitley, con cuya hermana, Elisabeth Whitley, se casaría tres años después, en 1869. En 1871 abrirían juntos la Leeds Technical School of Art, y sus trabajos y técnicas de fotografía se hacen famosos en toda Inglaterra, siendo incluso utilizados sus servicios por la reina Victoria de Inglaterra.

En 1881 viajaba hasta Estados Unidos donde trabaja como gerente de un grupo de actores franceses y comienza a experimentar con diferentes métodos para dotar a la fotografía de movimientos. De regreso a Leeds en 1887 patenta una lente de cámara con la que el 14 de octubre de 1888 filmará la que puede ser considerada como la primera secuencia de imágenes en movimiento, que llevará por título "La escena del jardín de Roundhay" y a continuación filmaría "El Puente de Leeds", una escena de los tranvías  y los peatones en el puente de la ciudad. Ambas serían exhibidas en esta ciudad, sobre una tela, convirtiéndose en la primera exhibición de cine de la historia . Le Prince no vería la evolución de su invento, pues, como si se tratara del argumento de una película de misterio, pues desapareció en septiembre de 1890 cuando se disponía a viajar a Inglaterra y después a Estados Unidos para presentar su invento. La última noticia que se tiene de él es el testimonio de algunas personas que le vieron en 16 de septiembre de aquel año en el tren de Dijon a París. ¿Qué fue del que es considerado auténtico inventor del cine? Es curioso que su creador tuviera un final tan cinematográfico.

LA ESCENA DEL JARDÍN DE ROUNDHAY  AÑO 1888

La escena sólo dura dos segundos, por lo que he elegido este vídeo que cuenta también un poco de su historia . Es la primera película de la historia  

Dos años después de la misteriosa desaparición de Le Prince, en 1892 comienzan a trabajar en la creación del primer proyector cinematográfico dos hermanos , también franceses, Auguste Lumière(1862-1954) y Louis Jean Lumière(1864-1948). Patentarían su invento el 13 de febrero de 1894 y el 19 de marzo de 1895 rodarían una película titulada "Salida de los obreros de la fábrica Lumière en Lyon"  que exhibirían tres días después, el 22 de marzo de 1895 en la Société d'Encouragement à l'Industrie Nacional . Después de recorrer varias universidades y reuniones científicas, la primera exhibición de las películas previo pago de los espectadores, el verdadero nacimiento del cine, se produciría el 28 de diciembre de 1895 en París, en el Salon Indien situado en el Grand Café del Boulevard des Capucines, donde, además de la "Salida de los obreros de la fábrica Lumière en Lyon" los espectadores pudieron contemplar asombrados "La llegada de un tren a la estación de la Ciotat" y "El desayuno del bebé". El cine como espectáculo acababa de nacer, a pesar de la famosa frase de uno de los hermanos Lumière "el cine es una invención sin ningún futuro"

La verdad es que durante sus primeros años de existencia el cine fue  considerado poco más que una curiosidad que se exhibía en las ferias para asombrar al publico, pero todo cambiaría durante la primera década del siglo XX gracias a otro francés, el parisino George Mélies(1861-1938). Con inclinaciones artísticas desde su juventud, su familia le obligó, sin embargo, a dedicarse al negocio familiar del calzado, pero después de un tiempo en él, Mélies decidió seguir sus inclinaciones artísticas y tras la muerte de su padre en 1888 vendió su parte del negocio y con el dinero compro el teatro "Robert Houdin" que dedicaría sobre todo a espectáculos de ilusionismo, donde él mismo se encargaba de diseñar muchos de los efectos especiales que causaban el asombro de los espectadores. Invitado por los hermanos Lumière, el 28 de diciembre de 1895 asistía a la primera proyección del cinematógrafo. Entusiasmado con el invento pide a los  hermanos que le dejen utilizarlo , a lo que esos se niegan, por lo que Mélies desarrolla un modelo propio.

VIAJE A LA LUNA DE GEORGE MÉLIES DE 1902

La mítica película de George Mélies que popularizaría el cine en Estados Unidos

Ya en 1896 proyecta las primeras películas en su teatro y comienza a perfeccionar su técnica. En 1902 estrenará "Viaje a la Luna" con una de las escenas más famosas de la historia del cine,la de una Luna con ojos y boca que contempla entre enojada y espantada como un cohete espacial se estrella contra uno de sus ojos. La película sería un gran éxito en Estados Unidos, pero Mélies no ganaría dinero alguno con ello, porque ya entonces existía la piratería como sucede en nuestros días, y los técnicos que trabajaban para el  inventor y empresario Thomas Alva Edison (1847-1931) distribuyeron copias pirata por todo el país. El creador de las primeras historias que pueden ser consideradas realmente películas, con la introducción de efectos especiales, técnicas como el fundido a negro o el travelling , se vería ahogado por las deudas y e 1913 abandonaría definitivamente el cine. Llegaría a caer en la indigencia, hasta que en 1925 su obra fue redescubierta y su contribución al cine y al arte en general fue premiada con la Legión de Honor en 1931, pasando a partir de 1932 los últimos años de su vida en el Castillo de Orly, donde se había fundado la "Mutua del Cine".

Durante toda la primera década del siglo XX el cine comienza a extenderse por Estados Unidos, naciendo pequeños estudios por todo el país. Una de las razones por las que el cine tuvo tanto éxito en Estados Unidos era por su condición de país de emigrantes, los cuales, en su mayoría no dominaban el inglés y por lo tanto no tenían acceso ni a los periódicos , la radio, el teatro o los libros, y veían en el cine, entonces mudo, casi la única forma de diversión a su alcance. Surgen en estos años los diferentes géneros cinematográficos, excepto la comedia musical , pues no había sonido. Las proyecciones se desarrollaban en teatros , en muchas ocasiones acompañadas por un piano o una orquesta que con la música subrayaban las escenas , uniendo ya desde sus inicios la imagen con la música.  En los primeros años del siglos XX Hollywood era poco más que un suburbio agrícola de Los Ángeles , a cuya población se integraría en 1910 .Hollywood llevaba una existencia tranquila y anónima, como un barrio más de Los Ángeles, hasta que un día pasó por allí David Wark Griffith(1875-1948).

ESCENAS DEL "NACIMIENTO DE UNA NACIÓN" DE DAVID WARK GRIFFTH DEL AÑO 1915 

Dos minutos de esta película que marcaría la historia del cine por su espectacularidad y la creación de un nuevo lenguaje cinematográfico

Detengamonos un poco en su figura, del considerado "padre del cine moderno". Griffith había querido ser escritor, pero ya con 22 años se hace actor primero de teatro y ,ya en 1908, como actor de cine, trabajando en la compañía American Mutoscope&Biograph, y poco a poco fue evolucionando hasta convertirse en director. Durante siete años va adquiriendo experiencia y habilidades en el uso del nuevo lenguaje cinematográfico, hasta que en 1915 rueda "El nacimiento de una nación" en la que narra la relación entre dos familias, una del norte y otra del sur, en el marco de la Guerra de Secesión. La espectacularidad de las escenas dio por primera vez al cine la dimensión de espectáculo del que hasta entonces carecía. Sin embargo , sería una obra polémica pues en ella se defiende la supremacía de la raza blanca y se hace una apología del Ku Klux Klan. Un año después rodaría otro gran éxito "Intolerancia", la más cara de la joven historia del cine hasta aquel momento, y en 1919 fundaría , junto con los actores Charles Chaplin, Douglas Fairbanks y Mary Pickford, las principales estrellas del momento, una productora que se llamaría United Artists con el fin de realizar un cine independiente al margen de los estudios. Con la llegada del cine sonoro Griffith no haría más cine, pero dejaría para siempre su huella al marcar el camino que seguirían los demás directores a partir de entonces. Por ello hoy se le sigue considerando el auténtico padre del cine moderno

Siguiendo la estela de  Griffith otros directores se instalan en Hollywood , se funda el primero de los estudios , Nestor Studio, y ese mismo año otros 15 estudios se desplazan hasta este barrio angelino . California se convertía así en la segunda potencia cinematográfica de Estados Unidos, y apenas tres años después supera a Nueva York y se convierte en la auténtica capital del cine estadounidense y , muy pronto, mundial. Durante los años siguientes nacen algunos de los estudios más famosos de la historia del cine. Louis B.Meyer(1885-1957) había creado una nueva productora llamada Louis B.Meyer Pictures, que un año después absorvería otro estudio llamado Goldwin Pictures y en 1924 incorporaría Metro Pictures Corporation, naciendo así la que todos conocemos como "Metro Goldwin Meyer. Son los años de gloria del cine mudo , donde estrellas como las ya citadas Rodolfo Valentino, Douglas Fairbanks , Charles Chaplin (1889-1977) , Mary Pickford(1892-1979) o Gloria Swanson (1899-1983), se convertían en los pioneros del llamado Star System, adorados por el publico y mimados por los estudios.


DOCUMENTAL "DEL CINE MUDO AL CINE SONORO"

En estos años el cine mudo alcanza una gran calidad técnica . Ya hemos visto como la música era fundamental en las proyecciones, y muchos compositores ven en el cine su principal medio de vida, creando partituras en exclusiva para las películas, la mayoría de las cuales, por desgracia, se ha perdido y hoy no sabemos que música acompañaba a aquellas películas. Estaban filmadas a velocidades de 16 a 20 fotogramas por segundo, en lugar de los 24 fotogramas por segundo que se implantaría con posterioridad, por eso cuando hoy vemos una proyección de alguno de estos viejos títulos sin utilizar los proyectores de entonces nos parece cono si hubieran sido rodadas a cámara rápida, pero no era así como se veían entonces. Tampoco la calidad de la imagen era mala, al contrario, pero si es mala la calidad de las copias que han llegado hasta nosotros, pues se rodaron en rollos de película de nitrato, que es muy inestable y altamente inflamable, algo que podéis ver en "The Artist", en un momento de la película. De las miles de películas rodadas antes de la llegada del cine sonoro, muchas de ellas han desaparecido, convertidas, literalmente , en polvo.

Pero la época dorada del cine mudo tenía fecha de caducidad. La compañía Western Electric estaba investigando la forma en que podía poner sonido a las películas y a sus técnicos se les ocurrió grabar el sonido en discos usando dos patentes, el sistema de audio inventado por Alexander Lee De Forest(1873-1961) en el año 1913 , y el micrófono de condensador de 1915. A Alexander Lee De Forest se le deben más de 300 patentes que incluyen incluso un aparato de televisión en 1923 o el radiotelefono. Aprovechando estos inventos, la Western Electric, aliada con la Bell Telephone Laboratories  desarrolló el Vitaphone, grabando los sonidos en un disco y sincronizándolo luego con la película proyectada . El Vitaphone fue presentado el 6 de agosto de 1926 y  se utilizó por primera vez en una película en el "Don Juan" interpretado por otra de las estrellas de la época, John Barrymore (1882-1942) , aunque sin incluir las voces de los actores, sólo la música

EL CANTANTE DE JAZZ , PRIMERA PELÍCULA SONORA AÑO 1927 

Imagenes de la primera película del cine sonoro que significaba el final de una época y el comienzo de una nueva etapa en la historia del joven arte cinematográfico además de una dolorosa transición para muchas estrellas

Habría que esperar un poco más , cuando los estudios de la Warner Brothers decide llevar al cine "El cantante de Jazz" que había sido un gran éxito en los escenarios de Broadway en 1925. Se elige como protagonista al actor Al Jolson(1885-1950) , después de que otros dos actores rechazasen protagonizar la película, quizás , como George Valentin en "The Artist", porque les parecía ridícula la idea de que el publico quisiera oír sus voces en el cine. Y así , en 1927 se estrenaba "El cantante de Jazz", que se iniciaba con la frase pronunciada por Al Jolson "Ustedes no han escuchado nada". Por primea vez se oía la voz de un actor en la sala del cine, comenzaba así una nueva era, la del cine sonoro , y se iniciaba el rápido declive del cine mudo. Como avisa el productor a George Valentin en "The Artist", era el futuro, y aunque la calidad aun no era muy buena y el cambio supondría un considerable esfuerzo para los estudios, los técnicos y en particular para los actores, en apenas una década el cine mudo desapareció por completo de las pantallas.

Los más afectados serían los actores, que habían utilizado hasta entonces técnicas de expresión traídas del teatro, basadas en una sobreactuación para transmitir con más fuerza las emociones, ya que no las podían acompañar con la palabra. Con la introducción del sonido, esa forma de actuar quedaría desfasada y sería incluso considerada ridícula por muchos. La mayoría de las que habían sido grandes estrellas del cine mudo no pudieron hacer la reconversión con éxito al sonoro y sus nombres fueron cayendo lentamente en el olvido. Un drama para muchos de ellos que sería narrado en la película dirigida por Willy Wilder en el año 1950 titulada "El crepúsculo de los dioses" e interpretada por la que había sido una de las grandes estrellas del cine mudo, Gloria Swanson, con una escalofriante escena final que se podría considerar el magistral y a la vez dramático epitafio del cine mudo.

ESCENA FINAL DEL CREPÚSCULO DE LOS DIOSES DE WILLY WILDER AÑO 1950

Escena final del "Crepúsculo de los dioses" interpretada por la que había sido la gran estrella del cine mudo Gloria Swanson y que refleja el traumático cambio que supuso para muchos actores la transición del cine mudo al sonoro, lo que acabó con las carreras de la mayoría de ellos

Pero "The Artist" nos devuelve aquella época excitante, cuando el cine era joven, las estrellas eran casi dioses y la gente abarrotaba las salas de cine para ser seducidos por sus imágenes, por las emociones, por aquella ventana que se abría a un mundo de magia , donde todo era posible, en el que podías conquistar a la hermosa Mary Pickford, reírte con Charles Chaplin o Buster Keaton, pelear con Douglas Fairbanks , bailar con Al Jolson o admirar a Rodolfo Valentino. Este mundo nuevo, excitante y también el final de su primera época, la transición del mudo al sonoro, el final de los Locos Años 20 y el comienzo de la Gran Depresión, tanto la económica, como la personal del gran George Valentin, son los protagonistas de "The Artist". Pero, como decía al comienzo de este artículo, el verdadero protagonista de esta historia son las emociones. Si queréis reír, llorar y , sobre todo, salir alegres del cine después de ver una maravillosa historia, no lo dudéis, "The Artist" es vuestra película.  Como dice su director "The Artist es cine de emociones y de sensaciones" , simplemente, permitid que las imágenes os cautiven y os conduzcan por el camino de las emociones como hace un siglo hicieron con nuestros abuelos. Cine en estado puro.


FRAGMENTO DE LA BANDA SONORA DE "THE ARTIST"

Uno de los elementos claves de "The Artist" como en el de toda película muda es su música, que realza los momentos dramáticos, los de comedia o los amorosos. The Artist tiene una gran banda sonora capaz de hacernos evocar aquellos años dorados del cine mudo , compuesta por Ludovic Bource. Os dejo con su tema principal

Y para cerrar este artículo quería dejaros con la imagen de George Valentin y Peppy Miller que parecen invitarnos a conocer la magía de "The Artist" . Vamos a acompañarles y a soñar durante una hora y media con el universo mágico del cine (imagen procedente de http://www.cadenaser.com )