LUISA ROLDÁN, UNA ESCULTORA EN LA CORTE DE CARLOS II

Antes de presentaros a la protagonista de esta historia permitidme que os haga una pregunta ¿cuántos nombres de mujer os vienen a la mente si os pido que me mencionéis escultoras de cualquier país entre el siglo XVI y hasta el final del siglos XVIII? Os dejo pensar pero ya os adelanto cual fue mi respuesta, ninguna. Cierto es que son tantas las cosas que ignoro que no me extrañó pero leyendo "Las olvidadas" de la escritora y periodista española Ángeles Caso (1959) descubrí que no era tan extraña esa ignorancia porque apenas hay dos nombres de mujeres escultoras mencionados en los libros de historia del arte hasta la entrada del siglo XIX. En el Mentidero ya he escrito sobre algunas de las pocas mujeres que tuvieron acceso al mundo de la creación artística que, al igual que el resto de esferas de la vida social ,estaban restringidas para la mujer Casi todos esos nombres proceden de Italia,, como la veneciana Christine de Pisan (1364-1430), la primera escritora profesional de la que tenemos constancia, la pintora Sofonisba Anguissola (1532-1625), natural de Cremona y que llegaría a convertirse en pintora de cámara del monarca más poderoso de su tiempo, el español Felipe II(1527-1598), o la romana Artemisia Gentileschi (1593-1656), que sería una de las responsables de extender el estilo de Caravaggio (1571-1610) por el sur de Italia. Apenas tres nombres a los que se podrían sumar algunos más pero no demasiados. Cada vez que escribo sobre ello tengo que repetir lo mismo, cuanto talento desperdiciado, cuantos genios del arte habremos perdido debido a la marginación de la mujer de cualquier expresión artística hasta el siglo XIX. Si, habría algunas pintoras más y , sobre todo, escritoras, pero en escultura sólo encontramos dos nombres. 

DOCUMENTAL SOBRE LA VIDA DE LUISA ROLDÁN  "LA ROLDANA"

No puedo adjuntaros este documental del canal español La Dos, pero os dejo el enlace. Es el único que he podido hallar sobre la figura de la primera escultora conocida en España

Mujeres en la Historia: Luisa Ignacia Roldán 
http://www.rtve.es/alacarta/videos/mujeres-en-la-historia/mujeres-historia-luisa-ignacia-roldan/848600/   

Uno de ellos es el de la también italiana Properzia de Rossi (1490-1530), una de las aproximadamente treinta mujeres artistas del Renacimiento italiano  de la que ya os  escribiré en otra ocasión y que no tuvo una vida demasiado feliz, el otro lo encontraremos en la España del siglo XVII, cuando la alegría del Renacimiento ha dejado paso al dramatismo, el realismo y los fuertes contrastes entre luces y sombras característicos del Barroco. Viajamos hasta la próspera ciudad de Sevilla donde desde el siglo XVI  se encontraba la sede de la Casa de Contratación en la que se controlaba todo el comercio con las colonias en el continente americano . El oro , la plata y todo tipo de mercancías fluían desde hacía más de un siglo a la ciudad , aunque Sevilla comenzaba a sentir la crisis que afectaba a todo el reino como consecuencia de las constantes guerras, en 1648 concluía la sangrienta guerra de los Treinta Años en los que España no había salido bien parada teniendo que reconocer la independencia de los Países Bajos, crisis sociales que obligan al rey Felipe IV(1605-1665) a enfrentarse a partir de 1640 a la sublevación de Cataluña, que se prolongará durante doce años, y la secesión de Portugal, unida a España desde 1580 y que ahora se separará de forma definitiva,  y a todo ello hay que sumar una profunda crisis económica causada por los gastos militares y epidemias como la que asoló Sevilla en 1649 que según estimaciones actuales podría haber causado la muerte de unas sesenta mil personas,aunque algunos elevan la cifra hasta las doscientas mil personas, aunque esto parece un número demasiado elevado. En todo caso , España estaba dejando de ser la primera potencia europea y en cuanto a Sevilla tardaría siglos en recuperar la prosperidad y brillo que tuvo hasta la peste de 1649.

Entierro del Cristo , obra realizada por Pedro Roldán, el padre de nuestra protagonista, en 1670 y que se encuentra en el Hospital de la Caridad de Sevilla  , una obra con el intenso dramatismo característico del barroco, un arte que trataba de conmover y despertar el fervor religioso del espectador. Sus hijos ayudarían todos ellos a realizar estas obras en el taller colaborando por ejemplo en el encarnado de las figuras , es decir , en darles ese color que podéis observar en los rostros y las manos que imitar el color de la piel . Pero Luisa , su tercera hija, pronto mostraría otras inquietudes más ambiciosas (Imagen procedente de http://es.wikipedia.org )

¿Y la mujer? Ángeles Caso recoge en su obra estos versos de una contemporánea de nuestra protagonista, la duquesa de Newcastle, Margaret Cavendish (1623-1673), una escritora inglesa que resumía con estas palabras la situación de la mujer en el siglo XVII que no era muy diferente a la de siglos anteriores ni tampoco de siglos posteriores hasta bien mediado el siglo XIX "Las mujeres viven como murciélagos o lechuzas;/ trabajan como bestias;/ y mueren como gusanos" Este era el mundo al que llego en 1652 Luisa Ignacia Roldán Villavicencio, nada menos que la tercera  de  los ocho  del escultor sevillano Pedro Roldán (1624-1699) y su esposa Teresa de Jesús Ortega y Villavicencio. Pedro Roldán tuvo como maestro al escultor granadino Alonso de Mena(1587-1646), del que Teresa era probablemente familia, y Pedro estuvo viviendo gran parte de su juventud en la ciudad granadina hasta que la muerte de Mena en 1646 le hizo tomar la decisión de regresar a Sevilla donde no tardó en convertirse en uno de los escultores más prometedores de la ciudad. Las cosas iban bien para el taller de Pedro Roldán cuando Luisa vino al mundo en en septiembre de 1652 . Pedro recibía muchos pedidos, en particular de imágenes religiosas , y el taller trabajaba a pleno rendimiento. Por eso , en cuanto tenían suficiente edad los hijos e hijas de Pedro Roldán pasaban a ayudar  en el taller a su padre . Las dos hermanas mayores de Luisa, María Roldán, nacida en 1644, y Francisca Roldán, que vino al mundo en 1651, se encargaran de ayudar a su padre dedicándose al dorado de las figuras y también en las labores más delicadas como el encarnado de las mismas. Esta es una operación que consisten  en proporcionar a las partes visibles de la imagen, pies, manos y rostro principalmente, el tono de la piel . 

Iglesia de Santa Marina en Sevilla donde fue bautizada Luisa Roldán el 8 de septiembre de 1652. En 1984 fue hallada su partida de bautismo "En la ciudad de Sevilla , domingo ocho del mes de septiembre del año 1652, yo el licenciado Pedro Ambrosio de Poblete, cura de esta iglesia de la Señora  Santa Marina de Sevilla, bauticé a Luisa, hija de Pedro Roldán y de Dña Teresa de Jesús, su legítima mujer, fue el padrino  Juan Peral Crespo, vecino de la Magdalena; amonestele el parentesco espiritual; firmado ut supra Pedro Ambrosio de Poblete. Cura" (Imagen procedente de http://sevillanadas.blogspot.com.es )

Por supuesto, Luisa también ayudaba en el taller, pero pronto despuntaría por su habilidad y también por su inconformismo. Mientras que sus hermanas  se concentraban en dar color a las imágenes esculpidas en madera por su padre, Luisa  comenzó a tallar sus propias obras. No ha llegado hasta nosotros lo que su padre pensaba sobre aquella hija que comenzaba a despuntar como artista ¿tal vez barruntaba que su hija sería en el futuro una dura competencia para su taller? ¿o tal vez como una digna heredera del taller que él había fundado? Aunque seguro que también era consciente de los muchos obstáculos que tendría que salvar su hija para abrirse camino como escultora en un mundo de hombres donde las mujeres se limitaban a ayudar en silencio en los talleres a sus padres,hermanos o esposos. Pero ya sabemos que Luisa no era conformista y rompía moldes y también lo haría en su matrimonio. La hermana mayor, María, se casó con el también escultor Matías Brunenque, y su otra hermana mayor, Francisca, también contrajo matrimonio con un escultor , José Felipe Duque Cornejo. Ellos también pasarían a trabajar en el taller como era lo habitual , pues era, por así decirlo, el negocio familiar. Al igual que sus hermanas, Luisa se enamoró de un escultor, uno de los ayudantes de su padre llamado Luis Antonio Navarro de los Arcos(1652-1711) .Pero sin que sepamos la razón, Pedro Roldán se opuso al matrimonio y no dio su autorización para el enlace. Para cualquiera de sus hermanas eso habría sido suficiente para anular el compromiso , pero no para Luisa  que a los diecinueve años se casó el día de Navidad de 1671 sin contar entre los presentes en la ceremonia a su padre. Este desafío a la autoridad paterna era algo inaudito y tal vez Luisa se arriesgó a ello porque era su gran oportunidad de independizarse, salir del taller paterno y buscar su propio camino como escultora. 

Las figuras de San Servando y San Germán realizadas en 1687 por Luisa para el Ayuntamiento de Cádiz y que hoy pueden contemplarse en la catedral Nueva de Cádiz. Ya llevaba entonces dieciséis años casada con el mediocre escultor Luis Antonio Navarro de los Arcos . Para casarse con él había  desobedecido a su padre que deseaba para su hija un esposo mejor que aquel, pero Luisa tal vez lo que buscaba era salir del taller de su padre e independizarse y eso se lo daba su matrimonio con Luis Antonio  aunque el tiempo mostraría que él nunca aportó ningún apoyo económico al matrimonio y todo el peso recayó sobre Luisa . Hay que  tener presente  el secundario papel que jugaba la mujer en la sociedad del siglo XVII para darnos cuenta de lo valiente que fue Luisa buscando  la independencia profesional  renunciando a una vida cómoda y asegurada en el taller de su padre Pero si lo hubiera hecho así hoy no conoceríamos su obra  ,habría sido una aprendiz durante toda su vida  (Imagen procedente de http://www.avvlalaguna.com)

Fuera ya del hogar y el taller de su padre, Luisa abre su propio taller en Sevilla donde , otra cosa extraordinaria, su marido trabaja como ayudante de Luisa encargándose del encarnado de las imágenes, la misma labor que ella hacía en el taller de su padre. Durante estos primeros años de actividad consigue pequeños encargos de iglesias sevillanas que le solicitan imágenes religiosas que ella empieza tallando en madera tal y como hacía su padre aunque pronto comenzará a trabajar con barro , un material que no era muy apreciado en la época pero Luisa logrará perfeccionar su técnica logrando llamar la atención por  la calidad de sus obras aunque sin dejar nuca de trabajar con la madera, un vínculo que en cierto modo la mantenía unida a su padre. Crearía probablemente numerosas imágenes de la Virgen para los pasos de Semana Santa de diferentes parroquias, y digo probablemente porque las obras de esta primera etapa no incluían su nombre y hoy sólo se puede sospechar que son suyas pero falta la confirmación de su autoría. En los contratos aparece, el nombre de su esposo, aunque era ella la que se encargaba de la realización de las obras. También parece que después del alejamiento entre padre e hija por el desacuerdo con respecto a la boda las relaciones entre ambos mejoran y Luisa colabora con su padre en la elaboración de algunos de estos pasos de Semana Santa. La fama de Luisa va creciendo y ganándose el respeto primero y la admiración después tanto de sus competidores como de los clientes. Los encargos crecen en número al igual que su familia. Entre obra y obra Luisa tiene tiempo para dar a luz entre 1672 y 1689 a dos hijos y cinco hijas , de los que solo tres superarían la infancia, algo habitual en aquel tiempo. 

El Ecce Homo esculpido por  Luisa Roldán que hoy también se puede contemplar en la catedral de Cádiz, considerada una de sus mejores obras .  Su objetivo era avivar la fe de quién contemplara sus obras a través de la expresividad de sus creaciones aunque en sus obras trata de contener el exagerado dramatismo de otros contemporáneos ,  En Cádiz Luisa y su marido permanecerán durante dos años , entre 1686 y 1688, y entonces se decidió a viajar a Madrid para tratar de triunfar en el lugar más difícil, la corte   (Imagen procedente de http://bloghistoriadelarte.wordpress.com )

Probablemente fue en 1686, cuando Luisa tiene treinta y cuatro años y ya cuenta con un sólido prestigio como artista en Sevilla, cuando recibe un encargo  de la catedral de Cádiz que la lleva a trasladarse a la ciudad gaditana con toda su familia abandonando su Sevilla natal, Empezaba una nueva etapa en su carrera artística más arriesgada, porque abandonaba la ciudad donde ya era conocida por todos y tenía más contactos además de contar con la presencia de su padre , para entrar a competir con otros artistas que la recibirían con recelo por su condición femenina , abriéndose de nuevo camino gracias a su talento, su trabajo y su determinación. Entre las obras de esta época están las imágenes de San Servando y San Germán esculpidas en 1687  para el Ayuntamiento de la ciudad aunque hoy se encuentran en la Catedral Nueva de Cádiz. Otra de las obras de esta época en Cádiz es una imagen de Nuestra Señora de la Soledad que Luisa , que para entonces ya era conocida también como La Roldana, donó al convento de los Padres Mínimos en Puerto Real a cambio de oraciones por las  almas del matrimonio. Realiza también figuras del Niño Jesús como la que se encuentran en la Iglesia de San Pedro en Arcos de La Frontera o la del Convento de Santo Domingo en Jerez de la Frontera. En muchos casos es difícil la atribución de estas obras hasta que aparece algún documento en un archivo que permite conformar su autoría. En algún momento entre finales de 1688 y comienzos de 1689  Luisa toma de la mano a su familia, su esposo y sus dos hijos supervivientes, para intentar el más difícil todavía, triunfar en la corte, en Madrid, allí donde todos querían tener éxito y donde Luisa no conocía a nadie  y sólo podría valerse de su talento. 

"Sagrada Familia con el Niño dando los primeros pasos"  realizada hacia 1693 y que se conserva en la actualidad en el Museo Provincial de Guadalajara. Pertenece ya a su etapa en Madrid , donde se convertiría en escultora de cámara de dos reyes, Carlos II y Felipe V , la única mujer en conseguirlo después de la pintora italiana Sofonisba Anguissola durante el reinado de Felipe II (Imagen procedente de http://bloghistoriadelarte.wordpress.com ) 

No se sabe en que fecha exacta llegó a Madrid pero conociendo que a mediados de 1688 estaba trabajando todavía en Cádiz y que su último hija, María Bernarda , nacía en Madrid el 28 de febrero de 1689, fue en esos meses finales de 1688 o al comienzo de 1689 cuando emprende la aventura. Significaba empezar una vez más de cero, volver a buscar clientes, ganarse el respeto de sus competidores y que su nombre se extendiera entre nobles, eclesiásticos y por la corte del monarca Carlos II (1661-1700), el desdichado hijo de Felipe IV, y digo desdichado porque Carlos era el triste resultado de generaciones de matrimonios endogámicos entre los miembros de la familia Habsburgo. Poco después de su nacimiento el 6 de noviembre de 1661, el embajador francés Rebenac fue a rendirle homenaje como heredero al trono español y su impresión no fue demasiado alentadora "El príncipe parece bastante débil ;muestra signos visibles de degeneración; tiene flemones en las mejillas, la cabeza llena de costras  y el cuello le supura" y unos años más tarde otro embajador francés relata como los malos augurios de su predecesor sobre la salud y el aspecto físico del que  ya es rey tras la muerte de su padre Felipe IV en  1665 se cumplen "Las facciones de Carlos II , aunque algo parecidas a las de su abuelo Felipe III, eran alargadas , estrechas y como abobadas, la frente descubierta y chata, la mirada inexpresiva, la nariz colgante como una glándula carnosa entre la frente y la boca, el labio deforme, cayendo sobre la mandíbula y ésta sobre el pecho" Carlos II, al que el pueblo bautizaría como el Hechizado y al que le dedicaba coplas como esta que dice así "El Príncipe , al parecer,/ por lo endeble y patiblando,/ parece hijo de contrabando,/ pues no se puede tener" , sería el triste epílogo de la dinastía de los Austria en España, pero seguía siendo uno de los monarcas más poderosos de Europa y el gobernante de un vasto Imperio donde nunca se ponía el Sol, y trabajar para él era lo máximo a lo que podía aspirar un artista. 

Retrato de Carlos II  llamado el Hechizado, realizado por su principal retratista, Juan Carreño de Miranda(1614-1685) y donde a pesar de tratarse de retratos oficiales donde se intentaba ofrecer la mejor imagen posible del retratado no puede ocultar el aspecto enfermizo del monarca  afectado de múltiples dolencias . Veamos la descripción que nos dejó del rey cuando tenía 18 años el representante papal Nicolini "El rey es más bien bajo que alto, flaco y feo. Mira con expresión melancólica y un poco asombrada. Si no anda no puede tenerse en pie, como no sea apoyándose contra una pared, una mesa o en alguna persona. Es tan débil de cuerpo  como de espíritu. De vez en cuando no deja de dar muestras  de inteligencia, memoria y cierta agudeza, pero lo corriente no es eso: ordinariamente se muestra abúlico ,apático e insensible , torpe e indolente  y parece que está atontado. Puede hacerse de él lo que se quiera porque carece de voluntad propia" Ese era el gobernante del  que todavía era el Imperio más poderoso y también el patrón de nuestra Luisa Roldán (Imagen procedente de http://es.wikipedia.org )

Después de tres años de  lucha en los que se ganó la vida con encargos como "Los desposorios místicos de Santa Catalina" o "El descanso en la huida de Egipto", Luisa se labra también fama en Madrid gracias a sus obras en barro con la que se decoran los oratorios de las iglesias madrileñas y las capillas de los palacios de la aristocracia. Por fin , el 15 de octubre de 1692 Luisa recibe el nombramiento como escultora de cámara del rey. Ninguna mujer había alcanzado tal honor desde que la pintora italiana Sofonisba Anguissola se convirtiera en pintora de cámara de Felipe II más de un siglo antes. Por desgracia la España de Carlos II poco tenía que ver con la de Felipe II, el reino se halla sumido en una profunda crisis económica , el pueblo pasa hambre y en la misma corte la esposa del embajador francés se queja asombrada que no hay casi ni para comer . El pueblo arruinado, la aristocracia arruinada y el rey arruinado, ese era el panorama del reino en la última década del siglo XVII. Y Luisa no iba a tardar en notar los efectos de esa falta de dinero.Recibe encargos  para obras tanto en barro como en madera para las residencias del monarca así como para aquellas iglesias y capillas de las que Carlos II era devoto, pero después de entregar sus trabajos no recibe ni una sola moneda a cambio y lo mismo sucede con los encargos de la aristocracia. En teoría tenía fijado un salario anual fijo, pero no era más que papel mojado y cuando acude al condestable de Castilla, Íñigo Melchor Fernández de Velasco (1629-1696) , que era la máxima autoridad en ausencia del monarca, para pedirle que le adelante su salario  el condestable la responde que estaría encantado de hacerlo tan pronto como el rey le diga de donde sacará el dinero para ello. En 1693 se dirige al propio monarca  para solicitarle que la permita habitar en una vivienda perteneciente al Tesoro porque "No tenía donde vivir ni ella ni sus hijos".

El arcángel San Miguel aplastando al diablo  que se encuentra en el Monasterio  de El Escorial . Se dice que el rostro del ángel es el de la escultora y el del diablo el de su esposo Luis Antonio, lo que demostraría que a esas alturas de su matrimonio las relaciones no debían de ser muy buenas entre ambos. El pintor y tratadista de pintura  Antonio Palomino (1655-1726) que en 1715 publicaría "El Museo Pictórico y Escala Óptica" que en el tercero de sus tres volúmenes recoge biografías de los principales artistas del barroco español, escribe sobre Luisa Roldán que "es una artista de modestia suma, habilidad superior y virtud extremada" (Imagen procedente de http://marivi-hypatia.blogspot.com.es )

La artista reconocida y admirada en Sevilla y Cádiz ,la escultora de cámara de uno de los monarcas más poderosos del planeta, apenas tenía para comer y vivía en la miseria porque no había dinero para pagarla, Desesperada, en 1697 escribe a la segunda esposa del rey, Mariana de Neoburgo (1667-1740) solicitándola "vestuario o una ayuda de costa o lo que fuera de su agrado". Ni siquiera le llegaba el dinero para comprarse algo de ropa y apenas podía alimentar a sus hijos , como admite en otra carta dirigida también a la reina "por estar pobre y tener dos hijos, lo paso con grandes estrecheces pues muchos días falta para lo preciso para el sustento de cada día". En 1698 su marido, Luis Antonio Navarro solicita en la Corte un puesto como criado, pero es rechazado aunque finalmente se lo conceden en junio de ese mismo año. Mientras, a pesar de todo, Luisa sigue trabajando y para el Monasterio de El Escorial realiza un Arcángel San Miguel con el diablo a sus pies, una de sus obras más conocidas y en las que la tradición quiere ver en el rostro del arcángel un autorretrato de Luisa y en la cabeza del diablo de su esposo Luis ¿problemas matrimoniales? No lo podemos saber porque no lo dejó escrito, pero toda la responsabilidad de mantener a la familia recaía sobre ella.  En 1699 fallece en Sevilla su padre Pedro Roldán  en Sevilla nombrando a su hija , la más rebelde de todas sus hijas, como una de sus herederas lo que demuestra que padre e hija hacía tiempo que se habían reconciliado. En Madrid Luisa pasaba hambre y tenía que mendigar que le pagaran algo de su trabajo ¿por qué no regresar a Sevilla? Pero probablemente el orgullo y su deseo de triunfar en la corte se lo impidió, no pensaba dar un paso atrás y regresar, seguiría luchando aunque se enfrentaba a obstáculos contra los que nada podía su talento. 

Virgen de la Leche  de Luisa Roldán. Como escultora de cámara del rey Carlos II  Luisa tenía un sueldo fijo pero el problema es que nunca lo recibía y a lo largo de aquellos años tuvo que escribir en diferentes ocasiones al rey y la reina para solicitarles ayuda con la que mantener a su familia  Tras la muerte de Carlos II en noviembre de 1700  Luisa dejaba de ser escultura de cámara. Tal vez era el momento de regresar a Sevilla, pero ese no era el estilo de nuestra protagonista que decidió quedarse para convencer al nuevo monarca, Felipe V , que ella era la candidata adecuada para ocupar ese cargo (Imagen procedente de http://mujerespintoras.blogspot.com.es )

Los últimos meses del reinado de Carlos II son patéticos, el monarca es sometido a exorcismos porque se cree que los males que padece son consecuencia de algún tipo de hechizo . En 1699 el embajador francés escribe sobre Carlos "Su mal, más que una enfermedad concreta es un agotamiento general y nadie al verlo le echaría menos de ochenta años" aunque Carlos apenas tenía treinta y ocho años. Su estado se agrava a lo largo de 1700  hasta el extremo de que el 3 de octubre redacta su testamento  y el 1 de noviembre de 1700 el monarca fallecía después de siete días de agonía. El embajador francés  escribe  "Pasó la noche del 29 al 30 delirando y en continua inquietud , acentuándose este síntoma hacia las diez la mañana. Estuve en palacio  al mediodía, como de costumbre , y me dijeron que agonizaba. No tenía apenas voz; nadie creía posible que llegase a la noche" El 2 de noviembre la Gaceta de Madrid anunciaba así la noticia a los madrileños "En el día de ayer fue Dios servido, por sus altísimos juicios y merecido castigo de nuestros pecados , que a la hora del mediodía  sobresaltase a su majestad un accidente de fiebres malignas y letargo, con tanto rigor y violencia que le arrebató la vida entre las dos y las tres de la tarde, dejándonos solamente el consuelo de su premeditada y cristiana muerte" Así terminaba la vida del último monarca de la casa de Austria en España y así se quedaba Luisa sin su patrón, aunque nunca la hubiera pagado. El trono de España lo había legado Carlos II al duque de Anjou, Felipe de Borbón (1683-1746), nieto del rey de Francia Luis XIV(1643-1715), aunque este nombramiento no sería aceptado por todos que reconocía como heredero legítimo a otro miembro de la casa de Austria, el archiduque Carlos de Habsburgo(1685-1740). Era el comienzo de la Guerra de Sucesión Española que se prolongaría hasta 1713. 

San Gines de la Jara , otra de las obras realizadas por Luisa Roldán durante su etapa madrileña y que en la actualidad se encuentra en el Getty Center en Los Ángeles, Estados Unidos. Algunos expertos en arte han querido ver  en algunas de sus obras indicios del carácter ciclotímico de Luisa, un trastorno del estado de ánimo que se caracteriza por alternar momentos de euforia con momentos  de depresión, pero con la distancia que nos separa de ella es muy difícil determinar este aspecto. Lo cierto es que Luisa sufrió muchas penalidades durante sus años en Madrid y siempre supo salir adelante con valor y determinación, luchando por lo que amaba, la escultura, su arte, convirtiéndose en la escultora más importante del barroco español, en realidad en la única que logró convertirse en una artista independiente y no una anónima ayudante en un taller. Sobre la fecha de su muerte quiero hacer una aclaración, en la mayoría de biografías e incluso en el documental que incluyo aquí aparece el año 1704, pero parece ser que recientemente se halló su partida de defunción fechada en el 10 de enero de 1706 (Imagen procedente de  http://cerrocofrade.foros.ws )

El 18 de febrero de 1701 el duque de Anjou, ahora ya el rey Felipe V de España, hace su entrada triunfal en Madrid  y unos días después de su coronación Luisa le presenta dos de sus obras, un Nacimiento de Cristo y un Entierro de Cristo  al tiempo que presenta su solicitud para ser nombrada escultora de cámara del nuevo rey. En ella el monarca lee como Luisa le solicita junto con el puesto "casa para vivir y ración para mantenerse ella y sus hijos Pongo en consideración de Vuestra Majestad que lo se lo ejecuto en piedra madera, barro , bronce, plata y en cualquier otra materia"  El monarca tiene otros problemas más urgentes en estos momentos y no la responde por lo que Luisa le enviará al menos otras dos misivas. Por si fueran pocos los obstáculos tampoco tiene buenas críticas de algunos miembros de la corte que desprecian su trabajo por centrarse en el barro, un material considerado innoble por algunos aristócratas. Pero a finales de 1701  el rey la responde concediéndole su puesto como escultora de cámara de Felipe V. Pero el mucho sufrimiento padecido por Luisa en aquellos años en Madrid había minado sus fuerzas y el 10 de enero de 1706,  Luisa Roldán, la primera escultora conocida en España y una de las pocas en el mundo antes del siglo XIX, fallecía en Madrid , envejecida y pobre pero convertida en la escultora de cámara de dos reyes de España, fallecía en Madrid . Una artista que supo defender su independencia y su vocación en un tiempo en que el arte , como la mayoría de las profesiones , era cosa de hombres pero ella se abrió paso a base de su talento, determinación y valor. Dos mil años antes, en una isla griega llamada Lesbos, la poetisa Safo escribía "Os aseguro que alguien se acordará de nosotras en el futuro" Este es mi particular homenaje a Luisa Roldán, un nombre que yo ignoraba y que debería enseñarse en los libros de arte porque es una de las pocas voces femeninas que logró hacerse oír en un mundo de hombres, una muestra del talento perdido por nuestra civilización al  amordazar a la mitad de su población ¿cuantas más Safo, Christine de Pisan, Sofonisba Anguissola, Artemisia Gentilleschi o Luisa Roldán no habrán muerto sin tener la oportunidad de mostrar el talento que sólo estas pocas afortunadas pudieron sacar a la luz?

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MUJERES EN LA HISTORIA: ARTEMISIA GENTILESCHI Y EL ARTE DE LA INVISIBILIDAD (PRIMERA PARTE)

La escritora francesa conocida como Madame de Genlis (1746-1830) , una de las pocas mujeres que pudo vivir cumpliendo su vocación literaria y pedagógica, escribió en una ocasión refiriéndose a las dificultades de la mujer para abrirse paso en la sociedad de su tiempo "En cuanto una mujer se aparta del camino normal que ha sido trazado para ella, se convierte en una especie de monstruo". ¿Qué camino era ese que madame de Genlis calificaba de normal? Es sencillo de imaginar, un matrimonio a edad temprana, dar muchos hijos a su marido, consagrarse al cuidado del hogar y tener una vida considerada virtuosa , entendiendo por virtud la sumisión al papel que la sociedad atribuía a la mujer y transmitir esa misma sumisión a sus hijas. La escritora española Ángeles Caso(1959) en su libro "Las olvidadas", en el que voy a basar este relato, recupera estos versos de la escritora y aristócrata británica Margaret Cavendish, duquesa de Newcastle (1623-1673), que describe el ciclo de la vida de la mujer no sólo en los siglos XVII en el que ella vivió,  sino a lo largo de la mayor parte de la historia "Las mujeres viven como murciélagos o lechuzas/ trabajan como bestias/ y mueren como gusanos". Ese era tu destino si eras mujer y tenías la mala fortuna de nacer en una familia de las clases bajas, tener hijos y ver como la mayoría de ellos morían, trabajar hasta el agotamiento cuidando de la familia y colaborando en las tareas del campo y morir en la pobreza después de una vida de penalidades. Por supuesto, no era igual en la aristocracia, con ejemplos como la propia Madame de Genlis o la duquesa de Newcastle, pero sus vidas también estaban sujetas a limitaciones que las impedían desempeñar una profesión, porque eso no era cosa de mujeres. ¿Cuántos talentos se habrán perdido por esta exclusión de la mitad de la humanidad de los estudios, la creación artística, la invención científica?

Autorretrato de la pintora italiana Sofonisba Anguissola realizado en 1556, cuando la pintora tenía 24 años y actualmente conservado en el museo de Lancut en Polonia. Ella fue una de esos escasos ejemplos de mujeres que lograron seguir adelante con su vocación artística . Sofonisba tuvo que superar muchos obstáculos pero su talento fue reconocido y trabajó durante muchos años en la corte más poderosa de su tiempo, la del rey español Felipe II(1527-1598). Por desgracia, su éxito no facilitó el camino a otras artistas como nuestra protagonista de hoy, Artemisia Gentileschi, que tuvo que enfrentarse con los mismos prejuicios con los que habían tenido que luchar las mujeres desde hacía siglos . La poetisa griega Safo de Lesbos habría escrito "Os aseguro que alguien se acordará de nosotras en el futuro" pero sólo de estas pocas personalidades excepcionales llegaría su nombre y su obra hasta nosotros. La mujer tenía que convertirse en una heroína para demostrar su talento y aun así nada la garantizaba que lograra el éxito ni que alguien le pudiera facilitar el camino (Imagen procedente de http://womenshistory.about.com )

 

Sólo unos pocos nombres, como si se trataran de estrellas que destacan en el cielo oscuro de la noche, brillan en medio del silencio al que fueron sometidas las mujeres a lo largo de casi toda la historia de la humanidad. Desde la poetisa griega Safo en el siglo VI a. C , a la científico Hipatia de Alejandría (hacia 355- hacia 415) , la escritora Christine de Pisan (1364-hacia 1430) o la pintora Sofonisba Anguissola (1532-1625) son algunos de los pocos nombres que han llegado hasta nosotros, mujeres que desafiaron los prejuicios sociales y religiosos del tiempo que les tocó vivir para demostrar su talento, siempre luchando contra la incomprensión, el rechazo , la sospecha que la sociedad mostraba hacia aquellas mujeres que desafiaban la tradición, convirtiéndose en los monstruos a los que hacía referencia madame de Genlis. Hoy vamos a conocer a una de esas mujeres, y no a una cualquiera sino la que es considerada por muchos críticos de pintura como una de las grandes artistas del barroco aunque su nombre, como no podía ser de otro modo, había sido olvidado durante varios siglos hasta que en el pasado siglo XX fue de nuevo reivindicado no por tratarse de una mujer, sino por el valor de su creación artística , aunque, añado yo, tiene el valor añadido de haberla realizado teniendo que enfrentarse a obstáculos que un hombre nunca tendría que haber sorteado. Pero subamos a nuestra particular máquina del tiempo y viajemos hasta la última década del siglo XVI, un siglo de apasionada vida artística, que había conocido el final del Renacimiento, el de la resurrección de la armonía de las formas clásicas de las antiguas Grecia y Roma, que había dominado todo el siglo XV y el primer cuarto del siglo XVI.

La "Madonna del largo cuello" del pintor italiano,  Girolamo Francesco Maria Mazzola , más conocido como Parmigianino (1503-1540), llamado así tanto por su lugar de nacimiento, Parma, como por su baja estatura ya que su nombre artístico es un diminutivo en italiano. Fue uno de los principales representantes del estilo manierista que os explico en el párrafo bajo estas líneas, un estilo surgido del Renacimiento y que haría de puente con el Barroco, en el que las formas naturales eran deformadas, exageradas, como en esta pintura donde podéis observar como las figuras de la Virgen y del Niño Jesús están exageradamente alargadas , una de las principales características del manierismo. Parece que Parmigianino empleaba lentes que deformaban lo que el pintor observaba. Un estilo semejante era el que caracterizaba a otro de los grandes pintores del siglo XVI , El Greco (1541-1614) (Imagen procedente de http://lananegra.blogspot.com )

 

Pero como a todo movimiento se le contrapone otro que cuestiona sus valores, hacia 1530 surgió el manierismo , que discutía el ideal de belleza defendido por los artistas renacentistas, basado en el equilibrio de la composición, la armonía de las proporciones, el retrato idealizado de la naturaleza, la aparición de los desnudos y de los temas mitológicos. Los manieristas  abandonan ese naturalismo idealizado de las formas y los colores, retratan a los protagonistas de sus obras en posiciones forzadas, violentas e imposibles, con colores fríos y distintos a los que podemos hallar en la naturaleza , se trata de una pintura más artificial, exagerada y desproporcionada,  que parece huir de la naturaleza y del realismo, obras preciosistas donde lo que importaba era "la maniera", palabra italiana que podría traducirse como al estilo, a la manera de algo, en este caso obras pintadas a la manera de artistas como Miguel Ángel(1475-1564), Rafael Sanzio(1483-1520) o Leonardo da Vinci(1452-1519),  de donde derivó el término manierismo. Pero en el último cuarto del siglo XVI surgiría a su vez otra reacción contra el artificioso estilo manierista de la mano de uno de los grandes artistas de la historia de la pintura, Michelangelo Merisi da Caravaggio (1571-1610), que abandonó el estilo artificial de los manieristas y también la idealización característica del Renacimiento,  para iniciar una nueva etapa de la pintura que buscaba reflejar la realidad, sin embellecerla, sin alegorías, buscando mostrar no sólo el físico, la apariencia real de los retratados, sino también su psicología, resaltada además por el juego de luces y sombras de estos cuadros, donde el color queda subordinado a la luz que ilumina el cuadro desde un único punto luminoso fuera del cuadro, como si se tratara de una claraboya que el espectador no puede ver y que dota a estas obras de un aire de misterio. Sus obras serán fuertemente criticadas en su tiempo porque en ellas faltaba el ideal, la nobleza de espíritu de sus protagonistas, algo que a Caravaggio no le interesa, pues trata de reflejar la realidad, la enfermedad, la suciedad y utiliza para sus obras de santos y vírgenes a personas de la calle, a pobres e incluso a prostitutas, lo que escandaliza a la Iglesia de su tiempo.

"Martirio de San Pedro" de Caravaggio y que todo viajero en Roma puede contemplar en la iglesia de Santa María del Popolo  . Es uno de los mejores ejemplos del tenebrismo , nombre que se da a la fase inicial del estilo barroco que dominaría la pintura, la arquitectura y la escultura  durante el siglo XVII. El tenebrismo se caracteriza sobre todo por el uso de la iluminación, ya que los personajes son iluminados por una única luz, situada en algún lugar por encima de ellos pero también fuera de la visión de espectador . Con la llegada del Barroco se abandona la idealización del Renacimiento y la exageración del Manierismo para reflejar lo que se ve, lo feo y lo bello, lo agradable y lo repugnante, una mirada descarnada sobre la realidad. También se caracteriza por la grandiosidad de sus obras, se pintan  óleos monumentales donde el artista juega con la luz, el color y el movimiento. En lugar de buscar la simetría como en el Renacimiento , se decanta por la asimetría , más cercana al movimiento real de la naturaleza. Este mismo realismo es lo que lleva a tener como uno de los temas preferidos de los artistas barrocos el martirio de los santos, donde tratan de reflejar el dolor del santo, como hace Caravaggio en esta obra. Será Caravaggio  el principal inspirador de la obra de Artemisia Gentileschi (Imagen procedente de http://globedia.com )

 

Con Caravaggio nacía el Barroco, o al menos fue el primer gran representante del  estilo artístico que iba a dominar todo el siglo XVII. Su vida fue tan turbulenta como su pintura, en 1606 había sido acusado de dar muerte en una pelea en Roma a un hombre llamado Ranuccio Tomassoni. Aunque en otras ocasiones sus mecenas habían podido protegerle , la acusación de asesinato era más grave que las frecuentes riñas en las que hasta entonces se había visto envuelto, y tuvo que huir de Roma para buscar refugio en Nápoles desde donde viaja a continuación a Malta gobernada entonces por la Orden de los Caballeros de Malta que incluso le conceden el título de Caballero de la Orden y pintor oficial de la Orden, pero de nuevo volvió a meterse en líos y en una nueva riña hirió de gravedad a un caballero de la Orden lo que provocó su expulsión de la isla. Luego viajaría por Sicilia para regresar por último a Nápoles donde sufriría un intento de asesinato que le desfiguró la cara y que podría haber sido patrocinado por pintores rivales de Caravaggio. En 1610 viajaba de regreso a Roma para obtener el perdón del papa por el homicidio cometido cuatro años antes y aquí el misterio se cierne sobre el destino final de Caravaggio. Para unos Caravaggio fue asesinado durante su estancia en Roma, para otros murió en una pequeña localidad de la Toscana, Porto Ércole, víctima de la malaria. De una u otra forma el primero de los grandes genios del barroco había muerto y su discípulo más aventajado sería un pintor pisano llamado Orazio Gentilleschi (1563-1639), el principal representante de los llamados Caravaggistas.

"San Francisco sostenido por un ángel" , obra realizada durante los primeros años del siglo XVII por Orazio Gentileschi y que hoy se puede contemplar en el Museo del Prado de Madrid . Durante sus primeros años como pintor Gentileschi, el padre de la protagonista de este relato, Artemisia Gentileschi, había comenzado dentro del estilo manierista hasta que viajó a Roma y conoció a Caravaggio con el que además parece que llegó a entablar una cierta amistad. Se convertiría en uno de sus principales seguidores que serían llamados los Caravaggistas . Esta obra pertenece a una de sus épocas de máximo esplendor, la primera década del siglo XVII, cuando también pinto frescos para la cúpula del San Pedro del Vaticano (Imagen procedente de http://www.museodelprado.es )

 

Orazio era a su vez hijo de un orfebre de Florencia llamado Giovanni Battista Lomi, padre de otro pintor de la época, Aurelio Lomi (1556-1622). Aunque Orazio creció rodeado por artistas representantes del manierismo, cuando viajó a Roma y conoció la obra de Caravaggio quedó tan impresionado por ella que no dudó en seguir el estilo del que desde entonces se convertiría en su maestro. En la última década del siglo XVI encontramos a Orazio luchando por hacerse un nombre en Roma, una ciudad que podríamos comparar con la Nueva York de nuestros días por la intensidad de su vida cultural, incluso demasiado intensa como nos lo cuenta Ángeles Caso  que escribe que aquella Roma era "Una ciudad llena de oportunidades , pero en la que la rivalidad, la codicia y hasta el odio entre artistas, intermediarios y patronos acababa a menudo con los huesos de unos y otros en las cárceles, las galeras o las tumbas. Una ciudad llena de poder y de lujo , de miserias éticas, de pícaros y genios y seres extravagantes, capaces de lo que fuera con tal de obtener un contrato para decorar una cúpula o un salón" En este ambiente vital , dinámico pero también  violento y duro nacía en Roma el 8 de julio de 1593 la primera de los cuatro hijos que tendría Orazio y la única que sería niña, a la que puso por nombre Artemisia . Orazio y su esposa tendrían otros seis hijos, todos ellos varones, de los que sólo tres llegarían a la edad adulta. La madre  de Artemisia moriría durante el parto de su séptimo hijo, un destino habitual para las mujeres de su tiempo, cuando la futura pintora sólo tenía doce años de edad, convirtiéndose a partir de aquel momento en la única mujer del hogar de los Gentileschi.

LA PINTURA BARROCA

Para ilustrar mejor el estilo pictórico que iba a dominar durante la época en que vivió Artemisia Gentileschi he incluido este breve documental con algunos de los pintores y las obras más importantes del Barroco

 

 

Aunque ya sabemos que no era considerado apropiado que las mujeres siguieran los pasos artísticos de sus progenitores si era habitual que  las mujeres ayudaran en los talleres de pintura , aunque sólo en labores concretas y sin que se las encargara realizar obras completas, por lo que no podían ser consideradas artistas ni tampoco firmaban ninguna obra. Pero Orazio debió percatarse del talento de su hija mayor y puso mucho empeño en enseñarla, incluso más que a sus propios hijos que jamás lograrían desarrollar el talento de su hermana. Pero como nos cuenta Ángeles Caso, Orazio era consciente de los peligros que una joven tenía que afrontar en la sociedad de la Roma de comienzos del siglo XVII, donde los abusos y las violaciones estaban a la orden del día. La mejor forma de protegerla era manteniéndola recluida en casa , a salvo de la vista de posibles seductores, mientras la enseñaba los secretos de la pintura . Escribe Ángeles Caso " Artemisia llevó una vida de absoluta reclusión. Tan sólo salía para ir a la iglesia , y eso siempre al alba. Durante el día nadie pudo ver nunca a aquella criatura que se desvivía por pintar y, a la vez, tenía que ocuparse mantener el hogar en orden" Casi parece la descripción de la vida de una mujer afgana durante el gobierno talibán pero así estaban las cosas en la Roma del siglo XVII. En 1610, el mismo año de la muerte del maestro de Orazio Gentileschi, Caravaggio,  Artemisia realizaba la primera de sus grandes obras, "Susana y los viejos", influida por el realismo de Caravaggio pero donde ya mostraba su propio punto de vista y su personalidad como artista, una obra cuya madurez incluso hoy sorprende a los críticos por ser impropia de una artista tan joven y que ha llevado a algunos a aventurar que o bien fue realizada en una fecha posterior a la que figura en el cuadro o en ella participó su padre.

"Susana y los viejos"  pintada por Artemisia Gentileschi en 1610 cuando sólo contaba con diecisiete años. Este tema, tomado como tantos otros del Antiguo Testamento, del Libro de Daniel , donde se cuenta la historia de Susana, esposa de un hebreo llamado Joaquín que era muy rico y vivía en Babilonia.   Ella era una mujer de gran belleza y también muy piadosa. Un año fueron elegidos dos ancianos como jueces del pueblo hebreo dos ancianos  que acudían al jardín de la casa de Joaquín y espiaban a Susana. Así lo cuenta el Libro de Daniel "Cuando al mediodía toda la gente se marchaba, Susana solía salir a pasearse por el huerto de su marido. Los dos ancianos la veían todos los días cuando salía a pasear y empezaron a desearla; pervirtieron su mente y desviaron sus ojos, que ya no miraban al cielo ni se acordaban de sus justos juicios"(Daniel 13,7-10). Hasta que un día aprovecharon que Susana se había quedado sola después de despedir a sus doncellas y se disponía a tomar un baño ,momento que recoge el cuadro de Artemisia,  y se apresuraron hacia ella y la dijeron "Mira, las puertas del jardín están cerradas y nadie nos ve. Nosotros te estamos deseando; consiente , pues, en darte a nosotros; si no lo haces , atestiguaremos contra ti de que estaba contigo un joven y que por eso mandaste fuera a las doncellas"(Daniel 13,20-22) Susana se negó a doblegarse a las pretensiones de los dos ancianos que la acusaron de adulterio con un joven tal y como la habían amenazado. Era una historia de fuerte contenido erótico, sin duda inapropiada para la mentalidad de la época como tema de inspiración para una joven artista de diecisiete años,  pero lo que destaca en la obra de Artemisia es un enfoque diferente al que le daban los pintores varones, pues estos mostraban a Susana exhibiendo su cuerpo con completa despreocupación sin saber que estaba siendo espiada,  mientras que Artemisia la presenta en el momento  en que es sorprendida por los dos ancianos y trata de proteger su desnudez ante sus miradas libidinosas mostrando a su vez la vergüenza y el rechazo que le causa esa situación. Como escribe Ángeles Caso , es un ejemplo de empatía femenina (Imagen procedente de http://gigantesquedesaparecen.blogspot.com ) 

 

Sea como fuere, el talento de Artemisia era innegable pero había un problema, las mujeres tenían vedado su ingreso en academias para mejorar su formación y Orazio no podía dedicarla mucho tiempo porque se estaba encargando de la decoración del Palacio Pallavicini-Rospigliosi  en Roma. Precisamente aquí colaboraba con él Agostino Tassi Buonamici(1566-1644), un pintor nacido en la ciudad de Peruggia, en la Umbría, y que durante su carrera artística que le había llevado a trabajar primero en la Toscana y luego en Génova, había destacado como paisajista y , en particular, por la utilización de la técnica del Trampe - d´oeil o Trampantojo, que seguro que si no la habéis visto en un palacio o en un museo la habréis contemplado en los muros de nuestras ciudades, pues consiste en murales donde los elementos arquitectónicos son realizados con una perspectiva que crea en el ojo la ilusión de profundidad, como si no hubiera una pared y pudiéramos seguir caminando hacia el fondo de la composición o bien que sus personajes fueran a salir del cuadro, una especie de cine en tres dimensiones pero sin la necesidad de utilizar gafas especiales para poder contemplarlo. A pesar de su segundo apellido, Buonamici podría traducirse como buen amigo o amistoso, Tassi no era persona muy de fiar pues ya había tenido problemas con la justicia y en más de una ocasión fue encarcelado, un Caravaggio pero sin el talento del gran maestro del barroco. Pero , a pesar de ello, de alguna forma se había ganado la confianza de Orazio Gentileschi que le eligió como preceptor de su hija, para que la ayudara a completar su formación. Resulta difícil entender que Orazio, que siempre había protegido a su hija con tanto celo, permitiera que aquel hombre de dudosa reputación pasara ahora a compartir muchas horas del día con su hija en la soledad de la casa paterna, era casi como meter al zorro en el corral y, como podéis suponer, lo que era de temer que sucedería finalmente sucedió.

"Competición de cucaña en el Capitolio", obra realizada por Agostino Tassi hacia 1630 y actualmente conservada en el Museo Capitolino de Roma, donde se puede apreciar el uso de la perspectiva y del Trampantojo para crear la sensación de profundidad en la obra, una técnica en la que era maestro  Tassi, el hombre que sería elegido por Orazio Gentileschi como preceptor de su hija Artemisia y que marcaría el destino de la joven (Imagen procedente de http://www.epdlp.com ) 

 

 

La atractiva Artemisia ,que en 1611 tenía dieciocho año, aunque he encontrado diferentes fechas para la violación que oscila entre el 1611 y el 1612, era un objetivo demasiado evidente para que dejara escaparlo un hombre maduro como Agostino Tassi, que para entonces contaba cuarenta y siete años y cuya fama le precedía. En aquellas horas que pasaban juntos en soledad en la casa del padre de Artemisia, Tassi primero trató de seducirla pero ante los continuos rechazos de la joven a sus pretensiones no vaciló en hacer uso de la fuerza y satisfacer sus deseos como era práctica habitual en aquel tiempo, violándola. La violación , la pérdida de la virginidad aunque fuera por la fuerza, era una deshonra, pero no tanto para el hombre que la cometía, como para la mujer que quedaba marcada y le era casi imposible encontrar esposo lo que significaba la marginación social. La única alternativa a este amargo destino es que el violador accediese a casarse con su víctima, con lo que la honra quedaba restituida y parece ser que eso es lo que luego le prometió Agostino a Artemisia a cambio de seguir manteniendo relaciones sexuales con él, aunque ,por desgracia, Tassi no tenía intención alguna de cumplir con su palabra. En realidad Tassi ya estaba casado aunque la situación es confusa porque el matrimonio se habría roto años antes e incluso se decía que su mujer habría muerto asesinada, presuntamente por un sicario enviado por el propio Agostino .Fuera esto verdad o no lo cierto es que el padre de Artemisia, Orazio, denunció a Agostino por la violación, pero , sobre todo, por no cumplir su promesa de casarse con su hija aunque el juicio hacia un pobre favor a su propia hija porque hacía publica la violación y lo que eso significaba de deshonra social para Artemisia.

 

Durante el juicio Artemisia relataría como se desarrollaron los hechos de aquel acontecimiento que marcaría su vida y que yo tomo prestado del relato de Ángeles Caso en su obra "Las olvidadas" "Cuando estábamos en la puerta del cuarto -declaraba Artemisia ante el juez - me cogió (se refiere a Tassi) y cerró el cuarto con llave y después de cerrado me tiró encima de la cama empujándome con una mano por el pecho, me puso una rodilla entre los muslos de tal manera que yo no podía cerrarlos, y levantándome las faldas, que tuvo muchas dificultades para alzármelas, me puso una mano con un pañuelo en el cuello y en la boca para que no gritase y habiendo puesto primero las dos rodillas entre mis piernas y apuntándome con el miembro a la naturaleza , empezó a empujar y lo introdujo dentro de mi , que yo sentí que me ardía muchísimo y me hacía mucho daño, pero por el impedimento que tenía en la boca no pude gritar, aunque intenté chillar todo lo que podía llamando a Tutia. Y le arañé la cara y le tiré del pelo y antes de que me introdujera el miembro también se lo agarré tan fuerte que incluso le arranqué un trozo de carne pero a él no le dolía nada de eso y siguió haciendo sus cosas, y estuvo un rato encima de mi con su miembro dentro de mi naturaleza" ¿Cuántas veces, cuantos millones de mujeres a lo largo de la historia han tenido que sufrir esta vejación? Pero cuando Tassi  termina Artemisia no se quedó quieta , ella nos lo cuenta "Al verme libre abrí un cajón de la mesa y cogí un cuchillo y fui hacia Agostino diciendo "Quiero matarte con este cuchillo porque me has deshonrado".Él , abriéndose la camisa , dijo "Aquí estoy" y yo me lancé con el cuchillo, pero se apartó , que si no le habría hecho daño y fácilmente lo habría matado; no obstante le herí un poco en el pecho y le salió sangre, aunque poco, porque apenas le había dado con la punta del cuchillo"

Dibujo de una aplastapulgares, una de las torturas más utilizadas en el siglo XVII y que utilizaron con Artemisia durante el juicio de violación para comprobar si estaba diciendo la verdad. Era la palabra de ella contra la de Tassi y al no haber testigos y no existir en la época otro medio de probar las violaciones , el método empleado era torturar a la acusadora , evitando así las falsas acusaciones. Curiosamente no hay noticias de que Tassi fuera sometido a ninguna tortura para comprobar si las acusaciones que lanzó contra la honestidad de Artemisia tenían alguna veracidad. A pesar del dolor Artemisia no cambió nada de su declaración y por suerte para ella y también para la historia del arte los jueces detuvieron la tortura antes de que sus dedos quedaran inutilizados para la pintura (Imagen procedente de http://blogs.ua.es ) 

 

 

Pero no es fácil matar a una persona, ni siquiera cuando es alguien que te ha hecho tanto daño como Tassi le había infligido a Artemisia , la joven se derrumbó en aquel momento, llorando su desgracia ,momento que aprovechó el artero y mentiroso Tassi para embaucarla "Agostino se abrochó la camisa,  y yo estaba llorando y doliéndome del mal que me había causado y él para tranquilizarme me dijo "Dadme la mano que os prometo casarme con vos en cuanto salga del laberinto en el que estoy. Y con esta buena promesa me tranquilicé y con  esa promesa me indujo a consentir después más veces amorosamente a sus deseos, que esa promesa me la volvió a confirmar más veces" Pero como decía el escritor español del siglo XVII Francisco de Quevedo, "Nadie ofrece tanto como el que no va a cumplir." y Tassi no tenía intención alguna de cumplir su palabra como no tardaría en descubrir Artemisia "Después -sigue relatando Artemisia - tuve noticias de que tenía mujer , me quejé con él de esa traición y él siempre me lo negaba diciéndome que no tenía mujer y siempre me decía que estaba seguro de que ningún otro más que él me había tomado." Pero no penséis que esta declaración de Artemisia era realizada como en la actualidad, con un abogado y respondiendo con tranquilidad a las preguntas. Artemisia tenía que demostrar que lo que decía era cierto y para ello la sometieron a tortura para averiguar si todo lo que había dicho correspondía con la realidad y emplearon con ella una técnica conocida como  empulguera que consistía en ir apretando progresivamente los dedos del torturado con unas cuerdas hasta lograr el aplastamiento de sus falanges. Por fortuna para Artemisia, con ella la tortura no se llevó hasta el final porque sino habría quedado incapacitada para pintar durante el resto de su vida.

 

Además de las torturas Artemisia también tuvo que sufrir las calumnias de Tassi que la acusó de ser una mujer licenciosa, una prostituta que gustaba de acostarse con todo hombre que se la aproximaba.  y como nos cuenta Ángeles Caso, llegó a declarar que el mismo padre de Artemisia había dicho de su hija que "era una puta y no sabía como hacer para remediarlo". Es la estrategia tantas veces utilizada en las agresiones sexuales, culpabilizar a la víctima.  En caso de ser hallado culpable la pena a la que se enfrentaba Tassi era de pasarse un mínimo de cinco años y un máximo de veinte remando en galeras, uno de los castigos tradicionales de la época , pasando a llamarse galeotes, además de tener que pagar a la víctima , en este caso a Artemisia, una dote suficiente para que a pesar de la violación alguien se dignara a casarse con ella. Aunque en aquella época era muy difícil demostrar las violaciones pues todo se basaba en los testimonios de los implicados , en este caso fue decisivo el testimonio de la propia hermana de Tassi que declaró contra él acusándole además de mantener relaciones con la hermana pequeña de la esposa de Tassi, lo que era considerado un incesto. Como veis sólo con esta historia se podría escribir un serial para televisión y es fácil imaginar el dolor que tuvo que causar en la joven Artemisia todo este espectáculo que  se prolongaría durante cinco meses hasta que el juez tomó una decisión y sentenció a Agostino Tassi a elegir entre el destierro definitivo de Roma o cinco años en las galeras. Parece que Tassi contaba con importantes contactos en Roma que lograron suavizar la pena y que lograrían que apenas unos meses más tarde esta condena fuera suspendida y Tassi, que había elegido el destierro , pudo regresar tranquilamente a la ciudad. Tassi aún viviría muchos años, hasta 1644, siempre implicado en asuntos ilegales pero contando con la ayuda permanente de personas poderosas lo que le permitió morir ya anciano, a los 78 años de edad en 1644.

"Judit decapitando a Holofernes". realizado por Artemisia poco después de finalizado el juicio por violación, y que hoy es el cuadro más conocido de la pintora italiana, una obra que era un tema habitual en el Barroco pero en este caso con  un dramatismo y violencia que sólo igualó Caravaggio .  En el Libro de Judit se cuenta la historia  de la resistencia de los hebreos en Betulia al asedio al que estaban siendo sometidos por las tropas de Babilonia dirigidas por el general Holofernes. La situación era desesperada hasta que interviene Judit, que es definida en el Libro de Judit como una mujer viuda "muy bella y de aspecto encantador"(Judit8,7-8) Ella fingió traicionar a su pueblo y entregarse a Holofernes aunque lo que en realidad pretendía era seducirle y darle muerte. Así, después de un banquete en el que Holofernes bebió más de la cuenta ,  Judit aprovechó su oportunidad "Solamente quedó Judit en la tienda con Holofernes quien, bañado en vino, yacía en el lecho. Judit había dicho a su doncella que estuviera fuera del dormitorio"(Judit 13,2-3) y a continuación procede a degollar al general babilonio lo que causaría la retirada de las tropas de Babilonia "Ha llegado el momento de ayudar a tu heredad y de realizar mis proyectos para derrotar a los enemigos que se han levantado contra nosotros." Acercándose luego al lecho , asió la cabeza por los cabellos diciendo "Señor, dios de Israel, dame ahora fuerzas". Por dos veces le dio en e cuello con todas sus fuerzas ,cortándole la cabeza"(Judit 13,5-9). Esta es la escena representada por Artemisia en esta obra llena de dramatismo y violencia, con la sangre de Holofernes salpicando la ropa y los brazos de sus verdugos . Ángeles Caso escribe sobre esta obra "Bajo el hermoso satén anaranjado del traje (Judit es la que se encuentra a la derecha del cuadro), aparecen sus brazos musculosos ,casi masculinos. Ni el más leve matiz de duda en su rostro impasible. Sus ojos no se apartan del movimiento de la cimitarra que degolla al enemigo, sino que mira con determinación y fijeza el profundo tajo del cuello" Ángeles Caso aventura que bien podría tomarse esta obra como una venganza contra el género masculino ya que fue realizada justo después de terminar el juicio , una forma de canalizar el dolor y la rabia que sintió durante aquellos cinco meses que duró la causa,  en el que tuvo que sufrir multiplicada la humillación  de la violación. Pero lo que es indiscutible, al margen de la interpretación que demos al cuadro, es el extraordinario dramatismo de la composición  (Imagen procedente de http://www.emol.com )

 

 

Pero mientras que Tassi se disponía a continuar su vida como si nada hubiera pasado, la reputación de Artemisia estaba hundida. La habían violado, la habían mentido, la habían torturado y difamado y ahora la víctima parecía la culpable de lo que había sucedido, algo de lo que tal vez habría que responsabilizar al padre de Artemisia, Orazio, porque de no hacerse el juicio ella no tendría que haber sufrido aquella humillación pública. Pero Artemisia era una mujer fuerte, que iba a levantarse de aquel golpe y que hablaría con el lenguaje que mejor sabía utilizar, la pintura , y serán mujeres fuertes, guerreras, valientes las protagonistas, aunque no exclusivamente, de sus obras, aunque eso no significa que consideremos a Artemisia una pintora feminista pues es un concepto que entonces ni siquiera existía ni se planteaba en el sentido que le damos hoy, pero si que mostraría a través de sus obras , del realismo , la fuerza y el dramatismo de estas composiciones a mujeres que , de alguna forma, desafiaban un mundo controlado por el hombre y por unas reglas sociales dirigidas a mantener a la mujer en un estado de subordinación permanente al hombre . Justo a la época posterior al juicio corresponde otra de sus grandes obras  "Judit decapitando a Holofernes". Su tema está tomado del Libro de Judit que forma parte a su vez de los textos que conforman el Antiguo Testamento de la Biblia, ambientado en la guerra que mantenía Israel con Babilonia. Su protagonista, Judit, es una bella y cultivada hebrea que para salvar a su pueblo de los ejércitos de Babilonia se hace conducir ante el general Holofernes al que logra seducir , haciéndole creer que ella también está enamorada de él.Logra que éste la invite a su tienda de campaña donde Judit le incita a emborracharlo y aprovecha la ebriedad de Holofernes para degollarlo. Con su muerte el ejército de Babilonia huye e Israel obtiene la victoria. Artemisia supo plasmar el dolor que le había causado aquel juicio, su violador Tassi y su propio padre, en esta obra , canalizando sus sentimientos a través del arte. Artemisia se iba a independizar personal y artísticamente de su padre e iba a convertirse en la pintora más importante del Barroco, pero será mañana cuando la acompañaremos por un camino que, como no podía ser de otra forma, no estaría exenta de obstáculos.

MUJERES EN LA HISTORIA: SOFONISBA ANGUISSOLA, HISTORIA DE UNA ARTISTA

En la serie de artículos que periódicamente voy escribiendo en el Mentidero sobre mujeres que han destacado a lo largo de la historia, venciendo los obstáculos casi insalvables que sociedades dominadas por el hombre ponían a la libertad y al desarrollo de la mujer , hemos conocido ya a una reina de Egipto, la legendaria Cleopatra VII (69-30 a.C) y a una escritora de la Edad Media, la que podemos considerar como primera escritora profesional , Christine de Pisan(1363-1430). Hoy vamos a conocer a una pintora , una mujer que desafió una vez más los prejuicios de su época para seguir su vocación, el arte, aunque Giovanni Bocaccio(1313-1375), el autor de una de las obras más importantes de la literatura medieval, el "Decameron", dijera sobre el arte y las mujeres que "el arte es ajeno al espíritu de las mujeres, pues esas cosas sólo pueden realizarse con mucho talento , cualidad casi siempre rara en ellas" . Una vez más la obsesión por negar cualquier virtud y cualidad a la mujer, excepto la de cuidar al marido y tener hijos, aunque por fortuna no todos pensaban así, pues dos siglos después, Giorgio Vasari(1511-1574), el más importante de los biógrafos de pintores, escultores y arquitectos del siglo XVI , escribiría "Pues si las mujeres son capaces de hacer tan bien a los seres humanos al darles vida,¿cómo puede maravillarnos que aquellas que lo desean sean capaces de hacerlos igualmente bien pintándolos?"

Esta mujer que desafió a los convencionalismos de la sociedad de su tiempo, y que son casi los de las sociedades de todos los tiempos, se llamaba Sofonisba Anguissola , hija de Amilcare Anguissola, miembro de la baja nobleza de Génova, y de Bianca Ponzone . Aunque no conocemos con certeza la fecha de su nacimiento, se cree que fue hacia 1532 en la ciudad italiana de Cremona , siendo la mayor de siete hermanos, de las que seis eran hijas y sólo uno era varón. Si el nombre de su padre era un homenaje al gran general cartaginés Amílcar Barca (275-228 a.C), padre de Aníbal Barca(247-183 a.C), quién apunto estuvo de acabar con el poder de Roma en el siglo III a.C, Sofonisba era el nombre de la hija de otro de los generales cartagineses, Asdrúbal Giscón. Era esta una costumbre familiar que también se cumplió con su hermano, al que pusieron por nombre Asdrúbal, en homenaje al hermano de Amílcar. Los embarazos debieron ser la causa de la muerte de la madre de Sofonisba, pues Bianca Ponzone moriría en 1537 , cinco años después del nacimiento de su hija mayor, por lo que los embarazos debieron ser consecutivos y alguno de ellos múltiple.

Muchas mujeres murieron en aquellos años como consecuencia del excesivo número de embarazos en una época donde cada parto suponía un gran riesgo para la vida de la madre. Así Amilcare se quedaba al frente de una familia con seis hijas y un hijo, pero lejos de recluir a sus hijas en el ámbito privado de la casa en espera de casarlas, Amilcare era un hombre de su tiempo, el Renacimiento, y deseaba la formación más completa posible para sus hijas, animándolas a seguir sus inclinaciones artísticas e intelectuales. Así, además de Sofonisba, otras cuatro de sus hermanas se inclinaron por la pintura.  La más brillante de ellas junto con Sofonisba, Lucia,que era discípula de su propia hermana mayor,  moriría a temprana edad, otra de ellas, Elena, ingresaría en un convento después de hacerse monja, y dos hermanas más , Europa y Ana María Anguissola siguieron pintando hasta el momento de su matrimonio. Sólo una de ellas, Minerva, no siguió los pasos de Sofonisba , y se dedicó a la escritura, mientras que el único varón,Asdrúbal, estudió como sus hermanas aunque no compartió sus inclinaciones artísticas.

Durante toda su vida Sofonisba Anguissola pintaría autorretratos. El último de ellos está fechado en el año 1620 , cuando Sofonisba contaba ya con 88 años de edad. El de la imagen es del año 1556,cuando Sofonisba era una joven de 24 años y se encontraba en Roma bajo la protección del gran Miguel Ángel, quién durante dos años la tuvo bajo su protección, gracias primero a la influencia de su padre, Amilcare Anguissola, y después al talento de la propia Sofonisba, que consiguió ganarse la estima de uno de los grandes genios del Renacimiento (imagen procedente de http://es.wikipedia.org)

Los motivos que empujaron a su padre a darles esta educación, que debía parecer una excentricidad en aquel tiempo, cuando el arte no era considerado algo digno de un aristócrata, nos son desconocidos, aunque me gustaría pensar que Amilcare amaba a sus hijas y apreciaba su sensibilidad y cualidades artísticas y decidió apoyarlas para que las pudieran desarrollar. ¿Cuantas mujeres de talento a lo largo de la historia jamás habrán tenido esa posibilidad y hayan ahogado sus dotes artísticas e intelectuales en una vida oscura dedicada a la familia y el cuidado del hogar? Por fortuna, no era este el caso de Sofonisba y sus hermanas.En 1546, cuando Sofonisba cuenta unos catorce años de edad , se convierte junto a su hermana Elena en la alumna del joven pintor , también de Cremona, Bernardino Campi(1522-1591). Los aprendices en los talleres del Renacimientodurante tres años Campi las enseñaría desde preparar el lienzo para pintar , la elaboración de los pigmentos hasta realizar sus primeras obras, que generalmente eran  copias de obras de otros pintores.

"Bernardino Campi pintando a Sofonisba Anguissola" realizado por Sofonisba a finales de los años cincuenta del siglos XVI en la que la joven Sofonisba retrata a uno de sus maestros, el pintor italiano Bernardino Campi (1522-1591) que a su vez aparece retratándola a ella (Imagen procedente de http://en.wikipedia.org)  

Las dos hermanas permanecieron en el taller de Campi durante tres años , hasta que en 1549 este abandona la ciudad para trabajar en otra. Es entonces cuando Elena abandona la pintura para ingresar como monja en un convento y Sofonisba decide seguir su formación junto al pintor Bernardino Gatti(1495-1576). Durante los años anteriores Sofonisba se había dedicado a realizar retratos ,principalmente de su familia, ya que debido a su condición de mujer no estaba muy bien visto que retratase a otros modelos que no formaran parte de la familia. Esto, que podría haber significado una rémora para su formación como pintora, dio a la pintura de Anguissola una característica que la diferenciaba de otros pintores , una pintura más intima, más personal,en definitiva, más humana, emocional y tierna que la solemne y más fría pintura de aquellas obras que tenían como modelo a nobles, príncipes o autoridades de la Iglesia. Estas primeras obras plasman escenas de la vida cotidiana , esos pequeños gestos íntimos que prestan a sus obras ese espíritu íntimo y humano , cercano al espectador, que parece que se asomase por una ventana para contemplar la vida en casa de la familia Anguissola.

"El juego de ajedrez", de 1555, antes de dirigirse a Roma, Sofonisba pintaba a sus hermanas Minerva, que se convertiría en escritora, Lucia, que  después de Sofonisba era la hermana que tenía un mayor talento para la pintura y la que moriría a más temprana edad, y Europa, que también pintaba.  Lejos de la solemnidad de los retratos de miembros de la nobleza o de la Iglesia, siempre con poses estáticas y alejadas del espectador, Sofonisba nos acerca a los protagonistas de sus cuadros, su propia familia, situándolos en escenas de la vida cotidiana, como si les sorprendiéramos mientras, como en este caso, están jugando al ajedrez. Una pintura viva, cercana , donde Sofonisba nos transmite la ternura de su mirada sobre sus hermanas. (imagen procedente de http://lineaserpentina.blogspot.com )

Lejos de ver a sus modelos como frías estatuas sin vida, lo que podemos ver en muchas obras de esta época, Anguissola se preocupa por esos pequeños detalles que revelan el estado de animo, el carácter del retratado, desde una sonrisa levemente esbozada a una mirada  intensa o un gesto de una mano, todo lo que pueda darnos una idea del espíritu del retratado . También comenzará en esta época con una larga serie de autorretratos que se prolongarán durante su dilatada existencia. Durante el tiempo que trabajó con Bernardino Gatti, la joven Sofonisba comienza a labrarse una reputación como retratista ,destacando entre sus obras de esta época su "Bernardino Campi pintando a Sofonisba Anguissola" ,pero necesitaba salir de la cerrada sociedad de Cremona y buscar horizontes más amplios. Así, en 1554, cuando cuenta con veintidós años de edad, decide dejar la compañía de Bernardino Gatti y probar fortuna en Roma , contando en esta empresa con el apoyo  de su padre Amilcare, cada vez más convencido del talento de su hija.

Quizás fue gracias a la influencia de su padre que Sofonisba pudo conocer al ya entonces legendario Miguel Ángel Buonarrotti(1475 -1564), entonces ya un anciano de casi ochenta años de edad pero lleno aún de vitalidad y que era conocido como "Il Divino", siendo el único artista hasta entonces del  que ,estando con vida, se habían escrito dos biografías suyas . En aquellos años Miguel Ángel había abandonado prácticamente la pintura y estaba volcado en la arquitectura, sobre todo en la finalización del Palacio Farnese  y , por supuesto, la Basílica de San Pedro del Vaticano. Sin embargo, bien fuera por la influencia de su padre, o de la de otros pintores que ya conocían la obra y el talento de Sofonisba, Miguel Ángel aceptó entrevistarse con ella. En aquella ocasión pidió a Sofonisba que pintara a un niño llorando y ella dibujó una obra que tituló "Niño mordido por un cangrejo". Tuvo que convencer a Miguel Ángel del talento de aquella joven , pues durante los dos años siguientes Miguel Ángel se encargaría de manera informal de su formación, supervisando su trabajo, lo que tuvo que ser un honor casi inimaginable para la joven artista.

"Niño mordido por un cangrejo" el dibujo con el que Sofonisba se ganó el aprecio de Miguel Ángel que durante los dos años siguientes ejercería una especie de tutela no oficial sobre la obra de la pintora de Cremona. Aunque su padre Amilcare Anguissola , convencido del talento de su hija, había hablado en su favor al genio florentino, este nunca la habría ayudado si no se hubiera convencido de su talento. El apoyo de Miguel Ángel abriría muchas puertas a la joven Sofonisba, que iba a empezar a recibir numerosos encargos , aunque no podía cobrar por ellos ya que no estaba admitido socialmente y era visto como deshonroso que una mujer cobrara por sus obras. Recibía regalos por ellas (imagen procedente de http://uncajonrevuelto.com )

De aquella época se conservan varias cartas de agradecimiento escritas por Amilcare , como esta de 1557 dirigida al gran maestro, extraída de la obra "Las olvidadas" de Ángeles Caso ,del que he obtenido gran parte de  los datos de este artículo,   y donde podemos leer "Vuestra alma bondadosa , excelentísima y virtuosa me ha dejado de vos el recuerdo que merece un caballero tan extraordinario. Y lo que me convierte , a mí y a toda mi familia, en vuestro más humilde servidor, es haber comprendido el afecto honesto y sincero que sentís hacia Sofonisba , mi hija, a la que habéis iniciado en el tan honrado arte de la pintura. Os aseguro que me siento más agradecido por el favor que recibo de vuestro honestísimo afecto que por todas las riquezas que un príncipe podría conceder, pues me siento obligado por las gracias generosas y virtuosas que nos habéis concedido , y que coloco por encima de cualquier honor y beneficio que se pueda dar en este mundo. Os pido pues, ya que en el pasado habéis sido tan generoso, con vuestra encantadora cortesía de dirigiros a mi hija y animarla, que os dignéis compartir con ella vuestro divino pensamiento". Tal vez os pueda parecer demasiado intenso y exagerado el tono de la carta, pero era la forma de escribir en aquel tiempo.

Un año después , en 1558, volvía a escribir Amilcare a Miguel Ángel "Os aseguro que entre los numerosos  favores que le debo a Dios, figura el de saber que un caballero tan eminente y tan repleto de talento, más que ningún otro ser en el mundo, ha sido tan bueno como para examinar , juzgar y alabar las pinturas realizadas por mi hija, Sofonisba" Leyendo estas palabras hay que reconocer que debía ser muy difícil conservar los pies en el suelo y no envanecerse en demasía , pues los elogios no podían ser más excesivos , aunque en el caso de Miguel Ángel se correspondían a su inmenso talento. Sin duda para Sofonisba haber estado bajo la protección y dirección de Miguel Ángel era la mejor carta de presentación que podía tener para abrirse camino como pintora . Fue en esta época cuando conoció a alguien que ya he citado al inicio de este artículo , el pintor, arquitecto y escritor Giorgio Vasari(1511-1574)

"Retrato de Amílcar, Minerva y Asdrúbal Anguissola" realizado por Sofonisba en 1558 , otra de sus escenas familiares. Sofonisba estaba a punto de dar un nuevo giro en su vida para trasladarse a la Corte del rey español Felipe II como una de las damas de honor de la joven reina Isabel de Valois que apenas contaba con 13 años en el momento de contraer matrimonio con el monarca más importante de aquel tiempo. Entre la reina y Sofonisba se establecería una estrecha relación durante los ocho años que compartieron en la corte española, hasta el extremo de que la reina la tuvo en cuenta en su testamento. (imagen procedente de cuadernodesofonisba.blogspot.com)

Vasari era ya entonces conocido por la obra que había publicado en 1550 en Florencia, titulada " Las vidas de los más excelentes pintores, escultores y arquitectos" , donde por primera vez se utilizaba el termino Renacimiento por escrito, haciendo referencia al Renacimiento de las artes que se estaba viviendo desde el siglo XV, y en la que recogía una serie de biografías de pintores, arquitectos y escultores de la época. Años después de este encuentro con Vasari, este escribiría sobre Sofonisba "Pero Sofonisba la cremonesa, hija del señor Amilcaro Angusciola, se ha esforzado más que ninguna otra mujer de nuestros tiempos , con más estudio y con mayor gracia , en las cosas del dibujo, pues ha logrado no sólo dibujar, colorear y retratar del natural y copiar excelentemente cosas de otros , sino que por sí sola ha hecho obras de pintura únicas y bellísimas;por lo que ha merecido que Felipe, rey de España, habiendo escuchado de boca del señor duque de Alba sus virtudes y méritos, haya mandado a buscarla para conducirla muy honorablemente a España, donde la mantiene al lado de la reina , con gran liberalidad y para asombro de toda aquella corte , que admite como algo maravilloso la excelencia de Sofonisba"

Pero nos estamos adelantando en el tiempo, a la época en que Sofonisba se hallaba en la corte del rey de España Felipe II(1527-1598) , pero antes regresa entre 1555 y 1556 a Cremona, pintando retratos de su familia como "El juego de ajedrez" de 1555 en el que aparecen retratadas sus hermanas Lucia, Minerva y Europa y el "Retrato de Amílcar,  Minerva y Asdrúbal Anguissola"   y también recibe muchos encargos de la nobleza  y miembros de la Iglesia de las ciudades vecinas, como Milán o Mantua, siempre con cuidado de elegir modelos que no pudieran comprometer de ningún modo la reputación de Sofonisba , que se encontraba también con el impedimento de no poder estudiar la anatomía humana ya que era considerado impropio para una mujer, como también era considerado impropio que una mujer cobrara por su trabajo lo cual se veía como un atentado contra su honor. ¿Qué recibía a cambio de sus obras? Regalos, los que el cliente estimase oportuno, aunque tal vez se llegase a un acuerdo antes de la realización de la obra . Ya veis la cantidad de obstáculos que tenía que superar una mujer que deseaba ser artista , en este caso pintora, ni podía retratar a personas que comprometieran su reputación, ni podía estudiar la anatomía humana, ni tampoco cobrar por su trabajo, lo que explica el motivo de que hubiera tan pocas artistas en cualquier rama del arte. Simplemente, no se lo permitían.

Otro autorretrato de Sofonisba tocando la espineta junto a una criada  realizado en 1561   , a través de ellos podemos seguir su evolución a lo lardo de su dilatada existencia. Durante su estancia en la Corte del rey Felipe II supo ganarse el respeto y la admiración de otros pintores de la corte como Tiziano o Alonso Sánchez Coello  además de retratar a todos los miembros de la familia real y cumplir con sus obligaciones como dama de honor de la reina . En  una época donde la mujer no tenía lugar en las artes, la obra y la vida de Sofia Anguissola abriría el camino para otras artistas que siguieron sus pasos, aunque las dificultades no fueron menores que las que tuvo que superar Sofonisba (imagen procedente de http://es.chessbase.com )

Sofonisba estaba en Milán en 1558 cuando se encuentra con el español , Fernando Álvarez de Toledo, duque de Alba (1507-1582), al que en 1555 el monarca español Felipe II había nombrado duque de Milán y un año después virrey de Nápoles , el mejor general español de la época y en quién el  rey confiaría hasta el final de sus días, cuando entre 1580 y 1582 fue virrey de Portugal hasta su muerte en ese mismo año. Como nos contaba Vasari , en Milán Sofonisba  pinta un retrato del duque de Alba ,hoy desaparecido, que queda impresionado por las dotes artísticas de la pintora de Cremona . Mientras, en la escena internacional , España y Francia firmaban la paz después de un largo periodo de guerras que las había estado enfrentado durante casi toda la primera mitad del siglo XVI. Entre el dos y el tres de abril de 1559 los reyes Felipe II de España, Enrique II de Francia(1519-1559) e Isabel I de Inglaterra(1533-1603) firmaban unos acuerdos, los de  Cateau Cambresis,  que dibujaban un nuevo panorama internacional y algunos de los cuales permanecerían vigentes durante casi un siglo.  Entre los acuerdos figuraba el matrimonio entre la hija del rey francés, Isabel de Valois(1546-1568) y Felipe II . La boda se celebró por poderes en junio de 1559, y a pesar de la gran diferencia de edad entre el rey e Isabel, casi veinte años, sería el matrimonio más feliz del monarca español

Felipe II amaba a su joven esposa a la que el historiador Henry Kamen (1936)describe  como "una adolescente de cabello oscuro y ojos brillantes;sus inmensas vivacidad y energía compensaban de sobra su falta de belleza natural. Devolvió a Felipe las fuerzas de su juventud. Él le dedicaba su tiempo , e incluso discutía su trabajo con ella"  Como el rey la mimaba y trataba por todos los medios que estuviera a gusto en su nuevo hogar , acepta el consejo del Duque de Alba para que lleve a Sofonisba a la corte para hacer compañía a la joven reina, pues su educación, dotes artísticas  y la nobleza de su origen la convertían en una compañera ideal. Así se convirtió Sofonisba en dama de honor de Isabel de Valois y en la única italiana , pues el resto de damas de honor que acompañaban a la reina se repartían entre siete españolas y ocho francesas. Aunque Sofonisba era catorce años mayor que la reina, se estableció entre ambas una estrecha relación que la convertiría en una de sus damas de honor favoritas . Según recoge Ángeles Caso en "Las olvidadas" el embajador del duque de Mantua en Madrid escribía a su su señor "La Reina ha empezado a pintar, y dice Sofonisba la cremonesa, que es quien le enseña  y es muy favorita suya, que retrata del natural con un carboncillo de tal manera que enseguida se conoce a la persona que ha retratado"

Retrato de la reina Isabel de Valois, tercera esposa de Felipe II , apenas una adolescente de 14 años cuando llega a la corte española y que encontraría  en Sofonisba a uno de sus mejores amigas ,a la que daba clases de pintura y que se convirtió en una relación tan estrecha que cuando Isabel murió en 1568  , el embajador de Urbino en la corte española escribiría a su señor "La señora Sofonisba dice que ya no quiere vivir". (imagen procedente de http://cvc.cervantes.es )

Ambas comparten la música, lecturas y las clases de pintura que Sofonisba daba a la joven reina. Mientras, Sofonisba trabaja con el pintor de la corte Alonso Sánchez Coello(1531-1588), discípulo de otro de los pintores de la corte, Antonio Moro (1519-hacia 1578). La mayoría de las obras que Sofonisba realizaría durante estos años serían  retratos de miembros de la familia real , desde Isabel de Valois y Felipe II, pasando por el príncipe Carlos (1545-1568), hijo primogénito de Felipe, que había sido el primero en estar comprometido con Isabel aunque luego Felipe anuló este compromiso y el que se casó fue el propio monarca, y las infantas Isabel Clara Eugenia(1566-1633) y Catalina Micaela(1567-1597). En otro artículo hablaré sobre estos aspectos de la historia, que terminarían con la muerte del príncipe Carlos, uno de los episodios más oscuros de la vida de Felipe II y que daría origen a parte de la leyenda negra que rodea su persona . Muchos de estos retratos realizados por Sofonisba en aquellos años se atribuyeron posteriormene a Moro, a Coello e incluso a Tiziano (1477-1576) y sólo en las últimas décadas del siglo XX  han comenzado a descubrirse que en realidad habían salido de los pinceles de Sofonisba, como el célebre retrato de Felipe II que siempre se había atribuido a Alonso Sánchez Coello y era obra de la pintora italiana.


Para atribuir la autoría de estos cuadros a Sofonisba hay dos grandes obstáculos,el primero , que nunca firmaba sus obras  ya que , en realidad, no trabajaba en la corte como pintora sino como dama de honor , y al no cobrar por su trabajo tampoco existen documentos escritos que confirmen sus obras . Sus retratos eran muy apreciados, porque al igual que sucediera con los retratos de su familia, estaban dotados de vida con gestos y posturas que revelaban la personalidad del retratado. Fueron buenos años para Sofonisba , pero en 1568 se suceden las desgracias en la corte española. Primero se descubre una conjura contra el rey en la que esta implicado su propio hijo, el príncipe Carlos, quizás resentido con su padre desde que este se casara con Isabel de Valois, que en un primer momento había sido su prometida y también posiblemente afectado por algún tipo de enfermedad mental, agravada desde que en 1562 sufriera una caída en la que se golpeó la cabeza . El príncipe es encerrado en sus propios aposentos desde enero de 1568, amenaza con suicidarse en varias ocasiones por lo que se retiran los cuchillos y cualquier objeto que le pudiera causar daño, se pone en huelga de hambre, luego comienza a comer en exceso y finalmente moriría el 28 de julio de 1568. Muchos acusarían, sin pruebas, a Felipe II de la muerte de su hijo.

Retrato del príncipe Carlos(1545-1568) que es una copia realizada por el pintor español Alonso Sánchez Coello(hacia 1531-1588) sobre el original de Sofonisba Anguissola que habría realizado dos retratos de Carlos de Austria y ambos se hallan perdidos.   Carlos era el hijo que Felipe II había tenido con su primera esposa , María Manuela de Portugal(1527-1545), que falleció al dar a luz . De naturaleza enfermiza y de un comportamiento excentrico y cruel en el que llegó a asar vivas a liebres o cegar a los caballos de la cuadra real , este se agravó después de su caída en 1562 por unas escaleras en las que se golpeó fuertemente la cabeza. Se le practicó una trepanación y los excesos de su comportamiento se acentuaron. Además también tenía una pierna más larga que la otra, una pequeña joroba y el pecho hundido. Este es el retrato atribuido a Sofonisba Anguissola del joven príncipe que moriría en sus aposentos, donde llevaba recluido siete meses después de que se descubriera que había participado en una conjura contra el rey, su padre. Su muerte daría origen a la leyenda negra según la cual Felipe II habría ordenado el asesinato de su hijo, pero no hay ninguna prueba que avale esta suposición (imagen procedente de http://cuadernodesofonisba.blogspot.com.es)

Isabel de Valois estaba muy unida al hijo de Felipe II  y su muerte la afectó en el peor momento, pues estaba embarazada y su embarazo había estado rodeado de complicaciones que se agravaron en julio de ese año . Así se describe su estado en una carta dirigida al Duque de Alba "La venían unos desmayos  temerosos, tales que unas veces le faltaban los pulsos, otras la acudía una dificultad de resuello hasta venir en peligro de ahogarse, otras unos entumecimientos de cabeza...salían de su orina muchas arenas rojas , y esto se complicaba con algunas cámaras leonadas y negras" Isabel de Valois moría el 3 de octubre de 1568 , con 22 años de edad, al dar a luz un feto que no sobrevivió. La corte se hallaba abrumada por el dolor , un dolor aún más agudo en cuanto que el rey se había quedado sin sucesor masculino a la corona. Sofonisba , tan unida a Isabel, entra en un estado cercano a la depresión , tal y como lo describe el embajador de Urbino "La señora Sofonisba dice que ya no quiere vivir". Aunque tras la muerte de Isabel todas sus damas de honor regresaron a sus lugares de origen, el afecto que el rey tenía por Sofonisba como consecuencia de su buena relación con Isabel, hizo que Sofonisba permaneciera en el Alcázar.

Retrato de Ana de Austria (1549-1580), cuarta y última esposa de Felipe II, realizado por Sofonisba Anguissola (Imagen procedente de www.museosenfemenino.es )

El 24 de enero de 1570 Felipe II volvía a casarse por cuarta y última vez , en esta ocasión con  su sobrina Ana de Austria (1549-1580), los matrimonios consanguíneos eran corrientes en la dinastía de los Austria , lo que en el futuro tendría graves consecuencias. Pero este matrimonio suponía un cambio de la vida en la Corte. Sofonisba verá como su vida también pega un giro súbito cuando se concierta su matrimonio , bien por voluntad del rey o por acuerdo del rey y Sofonisba, con don Francisco de Moncada , hijo del virrey de Sicilia. Sofonisba tenía casi cuarenta años, lo que en aquella época era ya una edad muy tardía para casarse, pero sin duda no le habían faltado candidatos debido a la destacada posición que ocupaba en la Corte. El propio monarca se encargaría de la dote de Sofonisba y así lo escribe el monarca "Dada la estima que sentimos por la manera exquisita como vos, Sofonisba Anguissola, habéis servido a la muy serena reina Doña Isabel,mi muy amada esposa y habéis sido su dama de honor , y como prueba de satisfacción por vuestra presencia, los cuidados de vuestro cargo y otras tareas que habéis cumplido entre el personal de su casa, y por las cuales ella os concedió un legado en su testamento, y por toda responsabilidad y obligación  que la citada reina y nos mismos podemos tener hacia vos, tenemos la intención de concederos por este documento 3000 ducados"

Retrato realizado en 1565 del monarca español  Felipe II(1527-1598) que durante siglos fue atribuido a Juan Pantoja de la Cruz (1553-1608) y sólo ahora se ha demostrado que su autora fue Sofonisba Anguissola. Igual que ha sucedido con muchas otras de las obras de nuestra pintora, que no firmaba sus obras . El monarca español la estima hasta el extremo de darla una dote para su matrimonio y pagarle una pensión durante el resto de su vida. Ella siempre mantuvo el contacto con el monarca. Así le escribía al pedir un favor para su segundo marido "Confío en la benevolencia y la generosidad hacia sus súbditos de las que Vuestra Majestad da pruebas tan a menudo , siendo yo misma la más afectísima de vuestras servidoras.Espero recibir este favor de vuestras reales manos, de las que depende mi dicha. Conservaré el recuerdo de esta bondad entre las muchas que Vuestra Majestad me ha otorgado .Con reverencia y humildad , beso vuestra mano, rogando a Dios que os conceda una vida larga y dichosa" (Imagen procedente de http://es.wikipedia.org )

Aun habría algunas cantidades más añadidas a esa dote, y al final de este documento el rey señalaba "Deseo de vos otro favor;que residáis en una de nuestras propiedades reales de Castilla o algún lugar equivalente" quizá para que no viviera fuera quién había tenido un contacto tan cercano con la vida en la Corte y pudiera dar algún detalle inconveniente a los muchos enemigos del rey español.Sofonisba se casaba por poderes el 26 de mayo de 1573 y a continuación emprendía viaje a Sicilia para encontrarse con su marido , al que no conocía. Los siguientes cinco años suponen un vacío en la biografía de Sofonisba ,hasta la muerte de su marido durante un asalto pirata cuando viajaba hacia Nápoles en mayo de 1578, aunque otras fuentes afirman que fue en 1579. Sofonisba decide regresar a su Cremona natal, junto a su familia y zarpa en un barco bajo el mando  de Orazio Lomellino

Lo que sucedió durante el viaje no lo sabemos , pero Sofonisba nunca llegó a Cremona, porque se enamoró de Orazio, que era notablemente más joven que ella, casándose con él en 1580 y estableciéndose en Génova, donde viviría los siguientes 35 años.De Orazio a penas sabemos nada, aunque si sabemos que el matrimonio no fue bien visto debido tanto a la diferencia de edad como, y sobre todo, a la diferencia de clase social, ya que Sofonisba era de la nobleza y Orazio no. Sufren presiones para evitar el matrimonio, incluida la del  duque de Florencia , Francisco de Médicis , que le escribe "Mirad muy bien lo que hacéis , pues, por la consideración de mujer sabia en que siempre os he tenido, estoy convencido de que no querréis perder el buen nombre que con tanto esfuerzo habéis adquirido  , y yo me ofrezco con toda presteza a hacer todo lo que juzguéis adecuado y beneficioso ; que Dios os conceda felicidad" Pero la carta de Francisco llegó tarde para evitar el matrimonio, pues Sofonisba contesta "Pero como los matrimonios se hacen primero en el cielo y después en la tierra, la carta de Vuestra Alteza Serenísima me llegó tarde, por lo que no puedo demostrarle mi muy afecta obligación a Vuestra Alteza Serenísima , a quien suplico ardientemente que me perdone"

Retrato de las Infantas Catalina Micaela (1567-1597), a la derecha en el retrato,  e Isabel Clara Eugenia(1566-1633) , las hijas que Felipe II tuvo con Isabel de Valois, realizado por Sofonisba Anguissola en 1570 . En 1599 Isabel Clara Eugenia visitaría a la artista en su casa de Génova , lo que muestra la relación personal que Sofonisba mantenía con la familia real española. Ella había visto nacer y crecer a Isabel y Catalina (imagen procedente de http://es.wikipedia.org )

Orazio la apoyó en su trabajo como pintora, instalándose en una gran casa en Génova, donde podía disponer de su propio taller , ayudados tanto por la generosa pensión que le había concedido Felipe II como por la fortuna personal de Orazio. Durante estos años seguiría pintando, en particular escenas religiosas, y recibe constantes visitas de pintores más jóvenes que desean aprender de la que ya era considerada una maestra por sus contemporáneos. Mantiene el contacto con la corte española y en 1599, cuando ya había muerto el rey Felipe II un año antes , su hija, la infanta Isabel Clara Eugenia en compañía de su marido el archiduque Alberto de Austria(1559-1621) la visita de camino a los Países Bajos que habían recibido en herencia del fallecido monarca  y del que Isabel sería gobernadora hasta 1633. Sofonisba se encargaría de realizar el retrato de la boda de aquella infanta a la que había visto nacer cuando era dama de honor de Isabel de Valois.

En 1615 ,con  83 años de edad, se traslada con su marido a la isla de Sicilia, instalándose en la ciudad de Palermo. Allí pintaría la última de sus obras,un autorretrato fechado en 1620, con unos 88 años de edad. En 1623, con 91 años , una edad extraordinaria en aquella época, Sofonisba recibe la visita de un joven y brillante pintor flamenco, Anton Van Dyck(1599- 1641), discípulo de Pedro Pablo Rubens (1577-1641) y uno de los retratistas más solicitados en Europa en aquellos años. De su visita a la gran pintora de Cremona, Van  Dyck escribiría en su diario "Sigue teniendo una buena memoria y el talante muy vivo , y me recibió muy amablemente. A pesar de su vista debilitada por la edad , le gustó mucho que le enseñase algunos cuadros. Tenía que acercar  mucho su cara a la pintura , y con esfuerzo conseguía distinguir un poco. Se sentía muy dichosa. Mientras dibujaba su retrato , me dio indicaciones que no me colocase demasiado cerca , ni demasiado alto, ni demasiado bajo, para que las sombras no marcasen demasiado sus arrugas . También me habló de su vida y me dijo que había sabido pintar muy bien del natural. Su mayor pena era no poder pintar a causa de su mala vista. Pero su mano no temblaba nada

El dibujo esbozado de Sofonisba realizado por Anton Van Dyck y conservado en su cuaderno. Lo realizó durante su visita a Sofonisba en 1623, cuando la gran pintora de Cremona tenía ya 91 años. Sofonisba es la única mujer que en la actualidad tiene tres de sus obras colgadas en uno de los museos más importantes del mundo. Aunque ella abrió el camino, nunca ha sido fácil para la mujer introducirse en el cerrado mundo del arte (imagen procedente de http://uncajonrevuelto.com ) 

Sofonisba Anguissola, aquella mujer que fue protegida por Miguel Ángel , que había sido dama de honor de la reina de España , que había conocido a los grandes pintores de su época, que rompió los convencionalismos de su época casándose por segunda vez con un hombre de una clase social inferior, cuya obra era reconocida por sus contemporáneos que la consideraban uno de los grandes nombres de la pintura de aquellos siglos maravillosos del Renacimiento y comienzo del Barroco, la mujer que una vez dijera " La vida está llena de sorpresas; intento capturar estos preciosos momentos con los ojos bien abiertos", cerró por última vez aquellos ojos siempre atentos y curiosos, ávidos de capturar el color y la belleza, el 16 de noviembre de 1625, a la edad de 93 años. Sin embargo, su obra pasaría pronto al olvido y , como ya hemos visto, muchas de sus creaciones serían atribuidas a otros pintores . Sólo en las últimas décadas se ha hecho justicia , reconociendole  la autoría de esas obras  y , sobre todo, reconociendo la energía, el valor ,la decisión de una mujer que ,como todas nuestras protagonistas de esta serie de Mujeres en la Historia, desafió los convencionalismos y los límites establecidos por un mundo de hombres.

Último autorretrato de Sofonisba Anguissola, hacia 1620, cuando contaba ya 88 años. En sus últimos años recibió la visita de pintores y nobles , se había convertido en una figura reconocida dentro del mundo del arte , la pionera en un mundo que hasta entonces había pertenecido en exclusiva a los hombres. Aún tendrían que pasar siglos hasta que se reconociera con normalidad la vocación artística de la mujer (imagen procedente de http://remecataluna.blogspot.com )

Para cerrar este artículo nada mejor que las palabras que su segundo esposo, Orazio Lomellini, colocó en su tumba en 1632 , siete años después de su muerte y cuando se cumplía el centenario de su nacimiento "A Sofonisba, mi mujer .... quien es recordada entre las mujeres ilustres del mundo, destacando en retratar las imágenes del hombre ... Orazio Lomellino, apenado por la pérdida de su gran amor, en 1632, dedicó este pequeño tributo a tan gran mujer" Cuando ahora veamos su obra, veremos detrás la personalidad de esta mujer que hizo historia y desmintió las palabras de Boccaccio con la que habría este artículo "El arte es ajeno al espíritu de las mujeres , pues esas cosas sólo pueden realizarse con mucho talento ,cualidad casi siempre rara en ellas" Cuanto daño hicieron durante siglos opiniones como esta a miles , a millones de mujeres anónimas que hoy son representadas por grandes mujeres como Sofonisba Anguissola.


BREVE VÍDEO CON FOTOGRAFÍAS DE LAS OBRAS DE SOFONISBA ANGUISSOLA

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