En la primera parte de éste relato sobre la vida y obra del pintor francés Georges de la Tour (1593-1652) que me decidí a escribir a raíz de la visita a la exposición que a su figura dedica el Museo del Prado, una oportunidad única para contemplar su producción artística pues se exponen treinta y uno de sus cuarenta cuadros reconocidos lo que supone casi un 75% de su obra total . vimos algunos de los pocos datos que conocemos sobre su biografía. Que había nacido en la pequeña localidad de Vic sur Seille, en el ducado de Lorena gobernado en aquel momento por el duque Carlos III de Lorena (1543-1608) , que fue bautizado el 14 de marzo de 1593, siendo hijo del panadero Jean de la Tour y de su esposa Sybille de Crospaux, que también procedía de una familia de panaderos. Y aquí terminaba lo que sabemos de su infancia y adolescencia que transcurrió al final de las guerras de religión que durante medio siglo habían convulsionado Francia, y ya no volvíamos a encontrarlo hasta el año 1617, cuando otro documento,el registro de su matrimonio, nos dice que se casó en Vic sur Seille con Diane Le Nerf, según algunas fuentes hija de un platero, según otras hija del tesorero del duque de Lorena, que en aquel momento era el hijo del ya fallecido Carlos III, Enrique II de Lorena (1563-1624). Fuera como fuese , Georges de la Tour aparece aquí registrado por primera vez como pintor. Os hablé de la dificultad de establecer una cronología de su obra e incluso de determinar su autoría , pues apenas cuatro de sus cuatros aparecen firmados y con la fecha de su realización, pero en la exposición del Prado se ha hecho el esfuerzo de establecer un recorrido con una cronología aproximada que nos presenta entre sus primeras obras una serie dedicada a los apóstoles que durante mucho tiempo fueron exhibidos en la catedral de Albi, hasta que tras el estallido de la Revolución Francesa de 1789 quedaron dispersos y algunos de ellos se perdieron para siempre.
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| Así se pueden contemplar en la exposición del Museo del Prado, tal y como es posible que Georges de la Tour las concibiera y que apoyaría la idea de que representan a una aldeana realizando algún tipo de reproche a su dócil esposo representando así dos personajes característicos del teatro de su época, la mujer dominante y el esposo dócil como os comentaba más arriba. (Imagen procedente de unpaseoporelprado.elmundo.es) |
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| "Vieja " es el sencillo título de esta obra de Georges de la Tour expuesta en el MH De Young Museum de la ciudad estadounidense de San Francisco, perteneciente a su primera etapa y que parece que formaba pareja con la obra obra que tenéis bajo estas líneas, "Viejo", con la que coincide en dimensiones y características de la obra. En ellas vemos a dos ancianos retratados con el naturalismo característico de la primera etapa de la producción de La Tour aunque como explican en la exposición ataviados con una vestimenta tal vez demasiado lujosa para dos aldeanos. El cuidado en el detalle de las ropas de sus retratados recuerda a un contemporáneo de Georges de La Tour, el pintor español Francisco de Zurbarán (1598-1664) con el que a menudo se han confundido sus obras igual que con las de otros pintores españoles de su tiempo, como Diego Velázquez (1599-1660) o José de Ribera (1591-1652) lo que lleva a decir al actual director del Museo del Prado, Miguel Zugaza(1964), que el pintor del ducado de Lorena "Es el más español de los pintores franceses" (Imagen procedente de https://fr.wikipedia.org)
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Os contaba como en estas primeras obras religiosas como en otras de carácter profano como "La riña de músicos" o "Comedores de guisantes" se hacía patente la influencia del pintor italiano Michelangelo Merisi da Caravaggio (1571-1610),el hombre que había conocido un gran éxito en Itlaia durante la primera década del siglo XVII inspirando una nueva corriente artística, el tenebrismo, precursora del Barroco, una influencia que se hace patente sobre todo por el tratamiento naturalista de sus personajes, pues incluso los apóstoles y santos, como sus diferentes versiones del "San Jerónimo leyendo una carta", se apartan de cualquier pretensión de idealización para ofrecernos en sus rostros y cuerpo los estragos causados por el paso del tiempo.¿Viajó Georges de la Tour en estos años de juventud , entre 1610 y 1615, a Italia donde habría conocido la obra del maestro italiano?¿Tal vez viajó a los Países Bajos donde habría estado en contacto con la Escuela Caravagesca de Utrecht representada por seguidores de Caravaggio como los pintores flamencos Gerritt Hermansz van Honthorst (1590-1656) y Hendrick Jansz Ter Brugghen (1588-1629)? Como sucede con casi todo acerca de la biografía de Georges de la Tour, si estuvo en estos lugares no ha quedado constancia documental de ello. Según los historiadores de arte , camino que siguen los dos comisarios de la exposición del Prado, el conservador del Museo del Louvre Dimitri Salmon, y el jefe de Conservación de Pintura Italiana y Francesa de Museo del Prado , Andrés Úbeda, la pintura de Georges de la Tour se dividiría en dos etapas diferencias, y a esta primera etapa la podríamos llamar de los Cuadros Diurnos que hemos empezado a conocer y que se caracterizan sobre todo por su gran realismo y por centrarse, al margen de sus cuadros dedicados a los apóstoles e incluso en algunos de ellos , en escenas de la vida cotidianas cuyos protagonistas suelen ser mendigos, músicos ambulantes , campesinos y también pícaros a los que vemos jugar a las cartas, pelearse, comer o tocar un instrumento musical, sin embellecer sus rostros y mostrando las emociones , el sufrimiento , la rudeza de sus rasgos.
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| "Tañedor de Zanfoña con su perro" que se conserva en la actualidad en el Museo du Mont de Piété de la ciudad francesa de Berges . Es un ejemplo representativo de los rasgos principales de la obra de Georges de La Tour en su primera etapa, donde retrata con crudo realismo a los ancianos, los mendigos y los aldeanos que constituían la realidad cotidiana del ducado de Lorena, desterrando todo intento de idealización . Obra de grandes dimensiones, 1,86 metros de alto por 1,20 metros de ancho, sería la más grande de las conservadas del pintor de Lorena y también la primera en la que habría tratado el tema del músico ciego y pobre sobre el que realizará numerosas variaciones como era costumbre en Georges de la Tour , como veremos en otros temas como los retratos de San Jerónimo penitente, los de las Magdalenas o los de los tramposos en el juego. En esta obra vemos a un mendigo ciego cantando mientras se acompaña con la zanfoña (o zanfonía) , con un perro tumbado a sus pies que probablemente le sirva como lazarillo o guía para poder moverse. Como e los cuadros de "Viejo" y "Vieja" la combinación en el fondo de una zona luminosa y otra en sombras sirve para dar profundidad al cuadro. Característico también de la obra de Georges de la Tour es la completa ausencia de decorado, que acentúa la desoladora soledad del nuestro cantante ciego que parece entonar en ese mismo momento una canción, como muestra su boca abierta mientras que el mendrugo de pan depositado en el suelo muestra su extrema pobreza, pues eso es todo lo que tiene para comer. (Imagen procedente https://fr.wikipedia.org)
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| "Tañedor de zanfonía con una mosca" que se exhibe en el Museo de Bellas Artes de Nantes, una nueva variación sobre el tema de los músicos ciegos , aunque en éste caso vemos que la zanfonía que utiliza es un instrumento más lujoso que el anterior al igual que sus ropas, retratadas con el cuidado y el amor al detalle que de La Tour ponía en las ropas de sus retratados . En la exposición del Museo del Prado se explica que era habitual que estos intérpretes, a pesar de su pobreza, vistieran con ropas de cierta calidad pues así atraían a más gente para que les entregaran una limosna. En cuanto a la zanfonía no era un instrumento demasiado apreciado por las autoridades pues consideraban que invitaba al baile y la diversión en fiestas y verbenas, lo que a su vez podía ser el origen de comportamientos desordenados por parte del pueblo llano. En cuanto al uso de la zanfonía por estos músicos ciegos tiene su explicación en que se trataba de un instrumento que, incluso sin tocarlo con pericia,tenía un sonido agradable para aquellos que no tenían conocimientos musicales, que eran la mayoría. Al igual que otros cuadros de Georges de La Tour la autoría de ésta obra se atribuyó a diferentes pintores españoles, de Velázquez a Zurbarán pasando por Bartolomé Murillo (1617-1682). Por cierto, aquí no se aprecia, pero la mosca a la que se refiere el título del cuadro se encuentra sobre la zanfonía que toca el mendigo ciego (Imagen procedente de https://fr.wikipedia.org)
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Sabemos que poco después de su matrimonio, en algún momento entre 1618 y 1620 se había establecido en la corte del duque de Lorena Enrique II en Lunéville, cuya fortaleza había renovado el duque para convertirla en uno de sus lugares de residencia más habituales..Mientras, en Europa se producían importantes cambios. En Europa seguían alimentándose las tensiones religiosas entre católicos y protestantes mezcladas con contrapuestos intereses políticos. En 1618 la nobleza protestante de Praga, capital del reino de Bohemia, se sublevaba contra el emperador católico del Sacro Impero Matías I de Habsburgo (1557-1619) , que en los años anteriores había restringido la libertad religiosa del reino y limitado la autonomía municipal de la capital bohemia. Esto provocaría finalmente la rebelión de los nobles checos el 23 de mayo de 1618 cuando un grupo de ellos entraron en el Palacio Real de Praga y arrojaron por la ventana a dos gobernadores imperiales. Este acto fue conocido como la Defenestración de Praga, un desafío al poder del emperador que sería el detonante del estallido de un conflicto que llevaba muchos años larvándose en el interior del Sacro Imperio , aunque lejos estaban entonces de imaginar que la confrontación se prolongaría durante tres décadas y en la que participarían las principales potencias de su tiempo, conflicto que pasaría a la historia con el nombre de la Guerra de los Treinta Años , y Lorena no escaparía a los efectos de la guerra aunque en vida del duque Enrique ii, el ducado permanecería neutral y trató de actuar como mediador entre las diferentes partes enfrentadas.pero no podía evitar que ejércitos de mercenarios cruzaran por su territorio para dirigirse a los escenarios principales del conflicto en suelo del Sacro Imperio , lo que le obligó a reforzar sus fortalezas para proteger en lo posible al territorio y los habitantes del ducado. Sin descendencia masculina, Enrique II tampoco podía entregar el ducado a su hija mayor Nicole de Lorena (1608-1657), pues el duque Renato II de Lorena (1451-1508), fundador de la Casa de Lorena-Vaudémont en el poder en Lorena desde entonces, habría establecido que los derechos sobre el ducado sólo se podía transmitir a través del linaje masculino, aunque esta era una afirmación rechazada por Enrique II.
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| "El pago del dinero " que se encuentra en el Museo de Bellas Artes de la ciudad ucraniana de Lviv es una precursora de lo que será la segunda etapa en la obra de Georges de la Tour y es considerada la más temprana de sus pinturas nocturnas. . En ella vemos a un anciano que cuenta las monedas ante la mirada expectante de un grupo de hombres , uno de los cuales sostienen la vela que ilumina el centro de la escena, donde se fija nuestra mirada, mientras el resto del cuadro se va difuminando en las sombras . Encontramos por primera vez el elemento de la vela como foco de iluminación que dominará las obras de sus últimos años. Por lo demás el cuadro está lleno de incógnitas ¿por qué nos oculta su rostro la mujer vestida de rojo que vemos en primer plano a la izquierda?¿qué están haciendo estos personajes?¿por qué les paga? Pero, como explica uno de los comisarios de la exposición del Museo del Prado, Dimitri Salmon, conservador del Louvre "Uno no sabe si alegrarse o no, aunque es cierto que la ambigüedad que caracteriza sus lienzos hace aumentar su atractivo" (Imagen procedente de https://fr.wikipedia.org) |
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| "San Jerónimo penitente" conservado en el Museo de Grenoble , otro de los temas de Georges de la Tour sobre los que haría variaciones, como podéis ver en la obra justo debajo de estas líneas, el "San Jerónimo penitente" del Museo Nacional de Estocolmo (Suecia) con los que casi podríamos jugar al juego de buscar las diez diferencias. En ambos cuadros vemos a San Jerónimo(hacia 340-420), doctor de la Iglesia y primer traductor de la Biblia al latín en una edición conocida como "La Vulgata", arrodillado , sosteniendo en una mano el crucifijo y en otra una soga para flagelarse . La Biblia abierta en el suelo nos recuerda que fue San Jerónimo el traductor de su texto al latín lo que acercó su contenido a todos los habitantes del Imperio Romano, que se apoya en una calavera, tal vez un recuerdo de nuestra mortalidad, el "memento mori" "recuerda que vas a morir" de la Antigüedad . Aunque aquí no se aprecia bien , la piedra a sus pies presenta manchas rosáceas, la sangre derramada por Jerónimo mientras se mortifica. Georges de la Tour recoge aquí el episodio del retiro de San Jerónimo al desierto para vivir en soledad y expiar sus culpas. Observamos como el rostro queda en penumbra mientras que la frialdad de la luz acentúa la sensación de soledad de éste anciano retratado con gran realismo y que se halla a solas ante Dios , enfrentado al riesgo permanente de caer en la tentación (Imagen procedente de https://fr.wikipedia.org)
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Para asegurar que su hija no perdiera su condición de duquesa de Lorena, Enrique II concertó su matrimonio con el primo de Nicole y sobrino suyo, Carlos de Vaudémont (1604-1675), hijo a su vez del hermano de Enrique II de Lorena, el conde Francisco II de Vaudemont (1572-1632), que se había opuesto con firmeza a que el ducado pasara a manos de su sobrina Nicole pues consideraba que una mujer estaba excluida de la herencia del ducado y en caso de muerte de Enrique II, le correspondería a él y a su hijo Carlos hacerse cargo del gobierno. Se abrieron negociaciones y finalmente se llegó al acuerdo de la boda entre Carlos y Nicole. Enrique II, que se había ganado durante su gobierno el sobrenombre de "El Bueno", moría el 31 de julio de 1624 y en su testamento disponía que sólo su hija ostentaría el título de duquesa de Lorena, mientras que su esposo Carlos sería designado príncipe consorte de Lorena. Francisco II no aceptará estas disposiciones y un año después se hace con el control del gobierno y es reconocido como duque de Lorena por los Estados Generales del ducado en noviembre de 1625 y apenas cinco días después abdica en su hijo que se convertía en el nuevo duque Carlos IV de Lorena. Aunque su hermano Enrique había pasado a la historia con el sobrenombre de el Bueno por su amor por la cultura y la bondad de su carácter los gastos por la renovación de la fortaleza de Lunéville y, sobre todo, la de reforzar las fortificaciones del ducado para hacer frente a la amenaza de los ejércitos mercenarios que cruzaban su territorio para tomar parte en el conflicto militar que se había desatado en el Sacro Imperio , sumieron a la Lorena en una profunda crisis económica ahogándola en deudas. Además la llegada al poder de Carlos IV enrareció las relaciones entre Lorena y el reino de Francia, pues el rey francés Luis XIII (1601-1643) pretendía unir la Lorena a Francia a través de un matrimonio con Nicole y un miembro de la Casa Real francesa por lo que la unión de Carlos IV y Nicole había arruinado sus planes.
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| "El tramposo del as de tréboles" que se exhibe en el Kimbell Art Museum de Fort Worth en Texas. Al igual que su obra hermana, "El tramposo del as de diamantes", fue pintada durante la década de 1630 , cuando su pintura evoluciona hacia una etapa intermedia entre las pinturas diurnas y las pinturas nocturnas , en las que su pintura se vuelve más luminosa y las expresiones de sus protagonista se tornan menos dramáticas y más dulcificadas .¿Os acordáis de "Los jugadores de cartas" realizado por Caravaggio en 1594 y que veíamos en la primera parte? Aquí retoma Georges de la Tour el tema de Caravaggio , el de un joven noble (el personaje de la derecha que se distingue por su lujosa vestimenta) que va a ser engañado por el joven tahúr que a la izquierda nos muestra las cartas que tiene en la mano mientras se dispone a sacar de su espalda el as de tréboles que da el título a la obra y con la que despojará al inocente aristócrata de su dinero, mientras en el centro de la composición vemos a una cortesana (meretriz de lujo) que hace un gesto de complicidad con la mirada a su criada mostrando que son participantes en el engaño del que está siendo víctima el joven rico (Imagen procedente de https://fr.wikipedia.org/)
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| "La buenaventura" que se exhibe en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York y la que para los historiadores de arte, y apreciación que un profano como y también comparte, es la más bella obra de los cuadros diurnos de Georges de la Tour y probablemente uno de los cuadros más hermosos de la pintura francesa del siglo XVII. Se cree que fue realizado hacia el año 1639 cuando Georges de la Tour habría viajado a París, en el caso de éste pintor siempre hay que hablar en condicional pues todo lo que sabemos de él entra dentro del terreno no de la certeza sino de la conjetura más o menos probable , para establecerse en el Palacio del Louvre como pintor del rey Luis XIII, permaneciendo allí hasta 1643 cuando habría retornado a Lorena donde continuaría viviendo hasta su muerte en 1652. Pero también hay otros historiadores que establecen su realización años antes , hacia 1635 o 1637. De nuevo Georges de la Tour se inspira en un tema de Caravaggio. Con un fondo de color neutro , nos encontramos ante una escena de un joven rico a tenor de sus ropas que parece recibir en una de sus manos una moneda de plata que le entrega la anciana que vemos a la derecha ataviada con ropas de calidad. Ella y las otras tres mujeres más jóvenes que rodean al hombre parecen ser gitanas por sus ropas que aprovechan la distracción del joven para desvalijarle. Fijaos en la joven de la derecha, entre la anciana y el joven aristócrata, como intenta cortar la cadena de oro mientras a la izquierda otra de las jóvenes introduce su mano para robar el contenido de los bolsillo. Como sucedía con los cuadro de los tramposos, del que algunos aventuran que hacía pareja, destacaba su brillante colorido y el juego de miradas entre los protagonistas, bellas y desalmadas jóvenes que no dudan en desvalijar al ingenuo joven. Su autenticidad fue puesta en entredicho en dos ocasiones en los años setenta y ochenta y en 1960 también fue el centro de una polémica en Francia por la salida de la obra del país tras ser vendida al Museo Metropolitano de Nueva York. (Imagen procedente de https://fr.wikipedia.org) |
Además, Luis XIII y su valido, Armand Jean du Plessis, más conocido como el cardenal Richelieu (1585-1642), ambicionaban expandir la frontera norte de Francia, lo que suponía ocupar , entre otros, los territorios del Franco Condado, en ese momento bajo soberanía española, la Alsacia, territorio del Sacro Imperio Romano Germánico, y los estados soberanos del ducado de Bar y el ducado de Lorena. Carlos IV tuvo que buscar nuevas alianzas , abandonando la neutralidad y su política católica para acercarse a los hugonotes y también a los enemigos del cardenal Richelieu dentro de la propia corte francesa, entre ellos el hermano pequeño de Luis XIII, Gastón de Orleans(1608-1660), que conspira contra el cardenal. Gastón de Orleans participaría en una rebelión en 1630 en un intento de hacerse con el poder , pero la rebelión fracasa y Gastón de Orleans huye , buscando refugio en 1632 en la corte de Carlos IV de Lorena que, en ese tiempo, había enviado sus tropas para apoyar al emperador del Sacro Imperio, Fernando II de Habsburgo (1572-1637) que tenía que enfrentarse al imparable avance de un nuevo actor en la guerra de los Treinta Años, el rey protestante de Suecia Gustavo II Adolfo (1594-1632). Carlos IV además aprobó el enlace entre su hermana Margarita de Lorena (1615-1672) con el propio Gastón de Orleans, lo que no favoreció sus relaciones con Francia. Ese enlace fue el pretexto que el cardenal Richelieu aprovechó para iniciar la ofensiva contra Lorena. En dos ocasiones diferentes, en junio de 1632 y en septiembre de 1633 Lorena será invadida por las tropas francesas y el ducado comenzó a sufrir las terribles consecuencias de la guerra,que iba acompañada por saqueos, destrucción de poblaciones , hambre y enfermedades que asolarían buena parte de Europa durante el conflicto. Una vez más parece que me he olvidado de nuestro pintor, pero sabemos tan poco acerca de su vida que para explicar el entorno en el que se desarrolló su obra es necesario contar , aunque sea con brevedad, los acontecimientos históricos en los que se desenvolvió su existencia.
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| "Niño soplando una lámpara" que se encuentra en el Museo de Bellas Artes de Dijon y con ella entramos en la última etapa de la producción artística de Georges de la Tour, la de sus cuadros nocturnos, la que más celebridad ha dado al pintor del ducado de Lorena y en la que un único foco de luz centra nuestra atención iluminando parte de la escena mientras el resto queda sumido en penumbras . En ella vemos a un niño que se aplica a la tarea de prender con un tizón una lámpara de aceite. La figura parece fundirse con el fondo del que se diferencia sólo por ligeros cambios de color . En la exposición del Museo del Prado se explica que esta obra,al igual que la que vemos justo debajo de estas líneas, "Niña soplando un brasero" se inspiraban en obras de pintores de la Antigüedad Clásica cuyas obras están desaparecidas pero que conocemos por referencias del escritor romano Plinio el Viejo(23-79) , como el griego Antífilo de Egipto (que vivió en el siglo IV a. C) y que había sido puesto de moda en Venecia por pintores como Jacopo Bassano (hacia 1515-1592) (Imagen procedente de https://fr.wikipedia.org) |
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| "Niña soplando un brasero" procedente de una colección privada en Alemania donde el brasero incandescente es el único punto de luz de la misma forma que en la obra que acabamos de ver más arriba ese foco de luz era la lámpara, mientras el resto del cuadro queda sumido en la oscuridad. El cálido reflejo de la luz nos descubre el rostro de la niña, creando una sensación de intimidad y cercanía, como si nos encontráramos en la misma habitación que ella contemplando una escena de la vida cotidiana en el interior de un hogar cualquiera de Lorena. Como sucede con otras obras de Georges de la Tour su autenticidad ha sido objeto de debate hasta hace unos pocos años (Imagen procedente de https://fr.wikipedia.org) |
Parece que durante la década de los años veinte del siglo XVII los vaivenes políticos de Lorena no afectaran a la acomodada situación de Georges de la Tour que sigue realizando sus lienzos de músicos ciegos como "Tañedor de Zanfonía con su perro" o el "Tañedor de zanfonía con una mosca", nuevas versiones de San Jerónimo en este caso no leyendo una carta, sino como penitente en dos cuadros parecidos pero no idénticos que se conservan en los Museos de Grenoble y de Estocolmo, los "Comedores de guisantes" que ya conocemos o los retratos "Un viejo" y "Una vieja" obras todas ellas caracterizadas por su naturalismo , dentro de los denominados cuadros diurnos. donde todavía no hace uso de los efectos luminosos de las pinturas nocturnas de su segunda etapa . De todas estas obras os voy contando lo que sobre ella se explica en la exposición para que en cierto modo fuera como si todos juntos camináramos por ella adentrándonos en el mundo tan desconocido de Georges de la Tour. Pero si durante la década de los años veinte del siglo XVII el ducado de Lorena no había sufrido los rigores de la guerra ya vimos que las cosas cambiaron en la década de los años treinta con las invasiones de Francia en 1632 y 1633. Después de éstos reveses, el 19 de enero de 1634 Carlos IV decidía abdicar como duque de Lorena y entregaba el gobierno a su hermano Nicolás François de Vaudémont (1609-1670) que se convierte así en el duque Nicolás Francisco de Lorena. El nuevo duque había tenido una mejor relación en estos años con el rey Luis XIII y Carlos esperaba que con el nombramiento de su hermano como nuevo duque mejoraría la situación política del ducado.. Nicolás Francisco era cardenal pero renuncia a la dignidad cardenalicia para contraer matrimonio con Claudia Francisca de Lorena (1612-1648), que era hija del antiguo duque Enrique II de Lorena y , por lo tanto, prima del nuevo duque y hermana de Nicole de Lorena, la esposa de Carlos IV. Pero ese mismo año Nicolás Francisco y su nueva esposa, que habían sido puestos bajo vigilancia en su propio palacio por las tropas de Luis XIII, escapan y abandonan Lorena que ahora se quedan por completo en manos de Francia.
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| "San José carpintero" procedente del Museo del Louvre y una de mis obras preferidas de la exposición . Se cree que habría sido realizada entre 1638 y 1645 pero estuvo desaparecida y no fue redescubierta hasta el año 1938, cuando el historiador de arte británico Percy Moore Turner(1905-1952) a halló en un castillo y cuatro años más tarde, en 1942 , la autentificaba como un Georges de la Tour. En ella vemos a un San José, sin signos externos que revelen su santidad, trabajando en su taller de carpintero . Georges de la Tour lo retrata en el momento en que detiene su labor para mirar a su hijo, Jesús, cuyo rostro, al igual que el reto de la escena, aparece iluminado una vez más por la llama de una vela. Vemos que la herramienta con la que trabaja San José simula la forma de una cruz un anuncio del futuro que le espera a su pequeño hijo, que sujeta la vela y su luz se transparenta entre sus sus dedos al tiempo que ilumina su rostro donde su piel fina contrasta con la tez curtida y arrugada de su padre. Es una escena íntima entre un padre y un hijo , que por su sencillez, alejada de cualquier solemnidad religiosa , y por ello más conmovedora. (Imagen procedente de https://fr.wikipedia.org)
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| "Job y su mujer " , obra que se encuentra expuesta de forma habitual en el Museo Departamental de Arte Antiguo y Contemporáneo de la ciudad francesa de Épinal. No fue atribuida a Georges de la Tour hasta el año 1922 aunque es una de las pocas que tienen la firma de su autor, la cual fue descubierta en 1972 con un "De La Tour fecit" (hecho por De La Tour) y en cuanto a su fecha de realización sigue habiendo un debate abierto, pues algunos la consideran una obra de juventud mientras que otros historiadores de arte la sitúan entre sus últimas obras. Lo que aquí presenta el pintor del ducado de Lorena es a la mujer de Job célebre por su paciencia ante la adversidad y lealtad a Dios , regañando a su esposo por mantenerse leal a Yahvé después de que éste le hubiera despojado de todo lo que tenía . En la historia que cuenta la Biblia Job es un próspero ganadero que tiene diez hijos y profundamente creyente. Satanás, celoso , cree que la devoción de Job a Dios se debe a su buena situación familiar y económica, pero que lo abandonaría si fuera golpeado por la adversidad. Pide a Yahvé que lo ponga a prueba, y Yahvé acepta el desafío de Satanás que le irá arrebatando todo menos la vida: así sufre enfermedades, como la sarna, sus criados son atacados por los caldeos, su ganado muere al igual que sus hijos , queda sumido en la pobreza y su mujer lo abandona . A pesar de ello Job sigue fiel a Yahvé y por ello será recompensado recuperando todo lo que Satanás le había arrebatado.. En la escena retratada por Georges de la Tour vemos a Job en plena regañina de su esposa , con una vasija de barro rota a sus pies con las que se frota las heridas causadas por la sarna que le atormenta mientras la luz de la vela ilumina a los dos esposos dejando el resto en penumbras (Imagen procedente de https://fr.wikipedia.org) |
En 1635 Carlos IV tratará sin éxito de recuperar el ducado mientras Georges de la Tour y su familia sufren, como todos los habitantes del ducado, las consecuencias de la inestabilidad en forma de un incremento de las bandas de forajidos y de la inseguridad, se producen rebeliones y , por si fuera poco, se suceden las epidemias y hambrunas. Ya en 1638 Lunéville sufre un gran incendio y es probable que muchas de las obras de Georges de la Tour desaparecieran en ésta época. Un año después, siempre rodeado por el desconocimiento que tenemos de su vida, lo encontramos trabajando en el Palacio del Louvre en París como pintor ordinario del Rey Luis XIII. Al parecer habría sido también muy apreciado por el cardenal Richelieu . En estos años Georges de la Tour vive una etapa intermedia de su obra entre las obras Diurnas y las Nocturnas, donde la pintura se vuelve más luminosa y los gestos menos dramáticos. A esta etapa pertenecerían, siempre con las dificultades para ordenar cronológicamente su obra, pinturas como "La buenaventura" del Museo Metropolitano de Nueva York, y dos obras casi idénticas, "El tramposo del as de diamantes" del Museo del Louvre y "El tramposo del as de tréboles" del Kimbell Art Museum de Fort Worth en Texas , que parecen claramente inspiradas en "El jugador de cartas" realizado por Caravaggio en 1594 y que veíamos en la primera parte. Entre tanto, el 2 de abril de 1641 el duque Carlos IV de Lorena firma un tratado con Luis XIII en virtud del cual el duque recupera sus dominios pero se compromete a quedar bajo la tutela de Francia y romper su alianza con los emperadores de la Casa de Habsburgo que gobiernan en el Sacro Imperio, en ese momento el emperador Fernando III(1608-1657) Pero poco después de la firma del acuerdo se descubre que Carlos IV ha participado en una nueva conspiración contra Richelieu liderada por el conde de Soissons, Luis de Borbón (1604-1641), que ya había participado en una anterior conspiración en 1636 liderada por Gastón de Orleans, y ahora reincidía contando con el apoyo de España. La conspiración fue descubierta y un enfermo Richelieu todavía tuvo fuerzas para derrotar a los conspiradores en una batalla librada el 6 de julio de 1641 en la que Luis de Borbón encontró la muerte, mientras que el cardenal Richelieu ordenaba la detención del duque de Lorena.
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| "Magdalena penitente" que se encuentra en Los Angeles Country Museum de la ciudad californiana de Los Ángeles . Otro de los temas que Georges de la Tour repite en sus obras es el de María Magdalena arrepentida del que justo bajo estas líneas os traigo otro de los que pueden verse en la exposición "La Magdalena penitente del espejo" Ambas coinciden tanto en tamaño como en su composición, pues los elementos son casi los mismos excepto la presencia del espejo. Vemos como ésta joven se halla rodeada de instrumentos de penitencia, como el flagelo que se encuentra sobre la mesa, . También vemos libros de las Sagradas Escrituras y una calavera sobre su regazo sobre la que posa su mano pareciendo reflexionar sobre lo efímero de la existencia humana y lo inevitable que es la muerte. Al margen de cualquier otra reflexión creo que es casi imposible detenerse ante estos cuadros y no quedarse atrapado en su belleza enigmática (Imagen procedente de https://fr.wikipedia.org/)
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Carlos IV vuelve a la lucha contra Francia y Georges de la Tour decide regresar a su Lorena natal en 1643. Tal vez fue en esta época cuando entra en la segunda etapa de su producción artística, la de los cuadros nocturnos, la más característica de su obra y creo que la mejor conocida por los que no somos expertos en arte. Os contaba en la primera parte como mi primer contacto con la pintura de Georges de la Tour fue con una de sus "Magdalenas penitentes" , una obra de gran simplicidad en su contenido, una joven sentada ante un espejo con una calavera en su regazo y una vela que es el único foco de luz que ilumina toda la escena. En estas escenas representa figuras religiosas pero desprovistas de cualquier signo físico que nos pueda hacer pensar que se trata de santos , vírgenes o personajes bíblicos, de ahí que algunos historiadores del arte , al referirse a estas obras, hablen de pinturas de una religiosidad laica porque lo que interesa a Georges de la Tour es lo que tienen de humanos y no de santos o vírgenes, aunque si que incluye símbolos y objetos que hacen referencia a su naturaleza religiosa. A estos años pertenecen obras de belleza arrebatadora, como "La Magdalena penitente" de Los Angeles Country Museum o "La Magdalena del Espejo" de la Washington Gallery of Art, todas ellas con un elemento en común, las escenas son iluminadas por un único foco de luz, normalmente una vela que puede estar a la vista o cubierta , dejando el resto del cuadro en una suave penumbra , creando la sensación de ser los invitados a una escena de íntima soledad y de profunda espiritualidad en las que casi sientes la presencia material del silencio rodeando a las solitarias figuras iluminadas por la vela, por un brasero o por una lámpara , como esas dos obras mucho menos conocidas que las Magdalenas pero no menos hermosas en su simplicidad, el "Niña soplando un brasero" y el "Niño Soplando una lámpara".
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| "Mujer espulgándose" una de las obras más enigmáticas de Georges de la Tour. Vemos a una mujer semidesnuda que es espulga a la luz de una vela. Entre los pulgares sujeta uno de los insectos mientras que en su vientre sobresale otro. En la exposición advierten que es sorprendente que junto a ella no haya una jofaina o palangana donde arrojar las pulgas , como era habitual . Pero el enigma se halla en que es lo que nos quiere contar aquí el pintor ¿quién es ella? Su rostro se parece al de la criada de los cuadros de los jugadores de cartas que veíamos antes ¿será ella ?¿o tal vez una joven embarazada acogida en una institución benéfica de Nancy, capital de la Lorena, donde por un tiempo habría vivido Georges de la Tour? También se aventura en la exposición que fuera otra Magdalena penitente o la misma Virgen María pero no creo que llegara a retratar a ninguna de las dos en una situación así . En todo caso un enigma más entre tantos que rodean la vida y obra de de Georges de la Tour (Imagen procedente de https://fr.wikipedia.org )
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Pero no todas son figuras solitarias en esta última etapa, encontramos también escenas religiosas de grupo como "La Adoración de los pastores" o esa maravilla que es "El recién nacido" qué podéis ver también en éste artículo y donde vemos las constantes de su obra, el tratamiento humanizado de los personajes bíblicos, que podrían ser cualquiera de nosotros aunque se traten de la Virgen María o de San José, una profunda humanidad que se hace patente en una de mis obras favoritas además de las Magdalenas, "San José carpintero", donde contemplamos a un San José como un hombre ya en la edad madura que alza los ojos mientras trabaja para observar el rostro de su hijo iluminado por la cálida luz de una vela irradiando ternura., una escena cotidiana en la vida de un padre y su hijo, si no fuera porque son San José y Jesús. Como explica Dimitri Salmon "La mayoría de sus cuadros admiten dos lecturas, una religiosa y la otra profana . Una natividad donde aparecen la Virgen y el niño Jesús también puede ser interpretada como un simple nacimiento anónimo, como una escena de género·"y personalmente creo que esa cualidad, la humanidad de sus retratados, es lo que hace que su obra siga tan viva hoy como cuando la realizó porque podemos identificarnos con sus modelos, no son figuras sagradas, son seres humanos de carne y hueso sorprendidos en una escena íntima de su vida cotidiana y casi sentimos la necesidad de hablar en voz queda y caminar con suavidad para no perturbar ese momento íntimo inmortalizado por la maestría artística del pintor de Lorena. Su arte evolucionó desde el realismo descarnado e incluso violento de su primera etapa, recordemos aquella "Riña de músicos", hacia obras que irradian calidez, ternura y espiritualidad aunque con alguna obra difícil de clasificar como "Mujer espulgándose" donde vemos a una mujer semi desnuda quitándose un parásito con los dedos mientras sobre el vientre observamos otro de esos parásitos., manteniendo la escena ilumina por una vela, como corresponde a sus pinturas nocturnas.
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| Otra de las obras que encuentro de una belleza fascinante, "El recién nacido" que se halla en el Museo de Bellas Artes de Rennes y que se cree que fue realizado hacia 1648. Es una extraña Natividad, porque queda excluido San José de la composición siendo sustituido por Santa Ana, madre de María y abuela de Jesús, pues se cree que es ella la mujer que a la izquierda sostiene la vela que ilumina la escena aunque permanezca oculta por su mano. Una vez más cualquier signo religioso queda borrado para que la escena adquiera una naturaleza de vida cotidiana que a la vez la hace eterna y universal, por encima de credos y tradiciones. Vemos como el pintor se limita al uso de tres colores, rojo, blanco y marró cuya intensidad varía en función de la intensidad de la luz que reciben de la vela que sostiene Santa Ana y , una vez más, a destacar el extraordinario realismo del rostro del bebé, realismo que también se puede observar en otros detalles menos llamativos como el brillo de las uñas de María que reflejan la luz de la vela o el brillo de los ojos de Santa Ana. La sensación que causa contemplar la obra de Georges de la Tour es la que expresa en un artículo dedicado al pintor el escritor español Antonio Muñoz Molina (1956) "Cuanto más atentamente se mira más cosas se van viendo en esa penumbra" (Imagen procedente de https://fr.wikipedia.org)
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Uno más de los muchos elementos enigmáticos y desconcertantes que añadir a la larga lista de ellos en la vida y obra de Georges de la Tour en la que también es singular la completa ausencia de paisajes en sus obras . Como dice el comisario español de la exposición del Museo del Prado, Andrés Úbeda, "La mejor definición que he leído sobre él es que Georges de La Tour no ama el mundo. El mundo no está en su pintura. No hay ventanas al exterior, ni vegetación, ni apenas animales. Sólo rocas lunares " Pero si no pinta ni bodegones, ni paisajes ¿podríamos decir que su pintura es religiosa por los motivos que dominan su última etapa? ¿qué quieren decirnos esas Magdalenas solitarias en la penumbra de su habitación? No sabemos como fue su infancia, no sabemos como se formó como pintor, ignoramos si viajó a Italia o los Países Bajos para completar su formación artística, desconocemos su apariencia física y sobre su carácter, excepto la referencia a que llegó apuntar con una pistola a un recaudador de impuestos no sabemos mucho más ¿amaba a su mujer,?¿cómo era la relación con sus hijos?¿qué pensaba de la situación que vivía el mundo en el que vivía azotado por la guerra , las enfermedades, el pillaje, las hambrunas? Desconocemos los años en que realizó sus obras e incluso cuantas llegó a realizar lo que ha contribuido a la intensa polémica que rodea su obra a la hora de autentificar la autoría del pintor sobre algunas de las obras cuya atribución sigue siendo dudosa. Mientras nuestro protagonista sigue trabajando en Lunéville la Guerra de los Treinta Años llega a su fin en 1648 con la firma de la Paz de Westfalia , que en realidad estaba constituida por dos acuerdos, el Tratado de paz de Osnabrück el 15 de mayo y el Tratado de Münster firmado el 24 de octubre de ese año de 1648 que puso punto final de manera definitiva a la guerra. Lorena fue apartada de las discusiones del tratado y el duque Carlos IV mantuvo su enfrentamiento con Francia después de fracasar las negociaciones que mantenía con el sucesor del cardenal Richelieu al frente del gobierno francés, el cardenal Giulio Mazarino (1602-1661).
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| "San Pedro arrepentido" o "Las lágrimas de San Pedro" que se conserva en el Museo de Cleveland y es una de las cuatro obras firmadas y fechadas por Georges de la Tour, por lo que sabemos que fue realizada en 1645, dos años después de que el pintor regresara al ducado de Lorena. Aquí contemplamos a San Pedro llorando arrepentido por haber negado hasta en tres ocasiones ser uno de los discípulos de Jesús. Su rostro arrepentido se nos muestra gracias a la luz p que entra por una ventana que no vemos y que revela las lágrimas que brillan en su rostro y sus ojos humedecidos por el llanto mientras los alza hacia el cielo al tiempo que junta sus manos implorando el perdón de Dios . Una vez más , sin necesidad de acudir a símbolos religiosos, Georges de la Tour sabe conmovernos con la escena de un realismo extraordinario , desde la vestimenta de San Pedro hasta el mismo gallo que nos recuerda las palabras de Jesús "Desde ahora te digo; antes que cante el gallo, me negarás tres veces"(Mateo 26, 34-35) Georges de la Tour habría realizado varios cuadros sobre éste tema pero éste es el único que se conserva , un cuadro que es diurno y nocturno a la vez, nocturno por la luz que procede del farol y diurno por la luz del atardecer que parece iluminar con su luz rojiza el rostro de Pedro (Imagen procedente de https://fr.wikipedia.org) |
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| "San Juan Bautista en el desierto" que se encuentra en el Museo de Georges de la Tour que abrió sus puertas en su localidad natal, Vic-sur Seille. Se cree que pudiera ser su última obra , al menos la última de las conocidas, y habría sido realizada alrededor de 1649-1651. En ella vemos a un casi adolescente Juan , con un largo y brillante pelo lacio, cubierto su cuerpo apenas con una piel de oveja , mientras alimenta con una de sus manos a un pequeño cordero. Una vez más su naturaleza religiosa más se adivina que se muestra, y lo adivinamos a través de elementos que presagian su trágico destino, como el mechón de pelo que cruza su cuello en el que podemos ver un anuncio de su futura decapitación, o también los libros que apenas vislumbramos al fondo, apilados uno sobre otro, tal vez el Antiguo Testamento y el Nuevo Testamento. San Juan parece sumido en sus pensamientos meditando en la soledad de su vida de ermitaño acerca de su propia vida y del mundo que le rodea, mientras su cuerpo es iluminado por una luz que Georges de la Tour oculta a nuestros ojos y que parece querer transmitirnos la fragilidad de éste joven meditabundo, que es San Juan, pero que podría ser cualquier adolescente que se preguntase acerca del futuro que le aguarda (Imagen procedente de https://fr.wikipedia.org) |
Pero el desenlace de éste conflicto queda ya fuera de nuestra historia porque Georges de la Tour morirá mucho antes. El 15 de enero de 1652 fallece su esposa víctima de una de las epidemias que asolaba periódicamente Europa , y dos semanas después, el 30 de enero de 1652 moría también Georges de la Tour y comenzó el largo período de olvido y silencio de su obra, hasta el extremo de que sus cuadros eran atribuidos a otros pintores, sobre todo pintores españoles y neerlandeses, como grandes pintores españoles del Barroco como Francisco de Zurbarán (1598-1664), el mismo Diego Velázquex (1599-1660) o José de Ribera "el Españoleto" (1591-1652) o neerlandeses, entre ellos los caravaggistas de la Escuela de Utrecht, nuestros viejos conocidos van Honthorst (1590-1656) y Ter Brugghen (1588-1629). Como si alguien hubiera decidido que había que borrar su presencia de la historia fueron desapareciendo todos los objetos relacionados con su existencia y finalmente incluso con su muerte, porque su tumba también desapareció. Habría que esperar hasta el siglo XX para que el historiador de arte alemán Hermann Voss (1884-1969) identificara en el Museo de Bellas Artes de Rennes, dos obras de Georges de La Tour que , de forma sorprendente, estaban firmadas y una de ellas incluso fechada , algo que ya hemos visto que era muy inusual en las obras de La Tour. Se trataba de "·La Aparición del Ángel a San José" y el "San Pedro arrepentido", esta última es la que estaba firmada y fechada, ambas exhibidas en la exposición del Museo del Prado.. Casi veinte años después de su redescubrimiento, Georges de La Tour volvía a ser contemplado por el público en general en una exposición que se celebraría en la Orangerie de París entre noviembre de 1934 y febrero de 1935. Desde entonces cobró una fama que no ha mermado con el paso de los años sino que incluso se ha incrementado hasta el punto de que todos los museos han deseado tener una de sus obras y han proliferado las falsificaciones y las atribuciones erróneas. Hoy podemos recorrer los pasillos del Museo del Prado dejándonos cautivar por la belleza y el misterio que emana de su obra, en particular de esas escenas nocturnas iluminadas por la vacilante luz de una vela. Apenas sabemos algo de su vida , pero no hace falta saber más para amar su obra artística y dejarnos atrapar por la belleza de sus cuadros. Para terminar este relato, que espero que os haya servido para acercaros un poco más a un pintor que merece la pena conocer de mano de personas con mucho más conocimiento que el mío , quiero recoger las palabras que vienen en el catálogo de la espectacular exposición del Museo del Prado, que creo que resumen todo lo que necesitamos saber sobre Georges de la Tour " Es un pintor de excelencia, de soledad y de paz".
COMENTARIO DE LA EXPOSICIÓN DEL MUSEO DEL PRADO DE GEORGES DE LA TOUR
Para terminar os incluyo este vídeo donde uno de los comisarios de la exposición, el jefe de Conservación del Museo del Prado Andrés Úbeda nos presenta la exposición y nos introduce en la vida y obra de Georges de la Tour
Enlace con la primera parte de "Georges de la Tour: el artista de días y noches"
http://chrismielost.blogspot.com.es/2016/04/georges-de-la-tour-el-artista-de-dias-y.html
COMENTARIO DE LA EXPOSICIÓN DEL MUSEO DEL PRADO DE GEORGES DE LA TOUR
Para terminar os incluyo este vídeo donde uno de los comisarios de la exposición, el jefe de Conservación del Museo del Prado Andrés Úbeda nos presenta la exposición y nos introduce en la vida y obra de Georges de la Tour
Enlace con la primera parte de "Georges de la Tour: el artista de días y noches"
http://chrismielost.blogspot.com.es/2016/04/georges-de-la-tour-el-artista-de-dias-y.html
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