PAUL GAUGUIN, UN PINTOR EN BUSCA DEL PARAÍSO (SEGUNDA PARTE)

En la primera parte de este relato habíamos recorrido la vida de Paul Gauguin desde su nacimiento en 1848 en el tumultuoso París revolucionario, le acompañamos junto a su familia en la huida a América cuando su padre , un destacado periodista antimonárquico, tuvo que abandonar Francia para no ser detenido durante la represión política que siguió a la caída de la II República Francesa y el advenimiento al poder del nuevo emperador Napoleón III(1808-1873) en 1851. Vimos que su padre moría en el viaje y era la madre de Gauguin la que a partir de entonces se haría cargo de sacar adelante a la familia.  Después de permanecer unos años en la casa de la familia de su madre en Lima, Perú, en 1854  regresaron a Francia. Su madre trabaja en París como modista mientras  el pequeño Gauguin estudió hasta los diecisiete años, cuando después de suspender su examen de ingreso en la Escuela de Navegación decide enrolarse, siguiendo su espíritu aventurero, en la marina mercante y a continuación en la Marina de Guerra francesa donde permanecerá hasta 1871. Ya en 1872, de vuelta a París y gracias a su tutor y protector Gustave Arosa comienza a trabajar en la Bolsa de París como agente de Bolsa al tiempo que el propio Gustave le pone en contacto con los pintores que en aquel momento iniciaban una revolución en la pintura , los impresionistas. En 1873 se casaba con la joven danesa Mette-Sophie Gad, con la que iba a tener cinco hijos y un año después asistía a la primera exposición de pintura impresionista, donde toma la decisión de convertirse en pintor.

Autorretrato con retrato de Bernard, o Los Miserables pintado por Gauguin en 1888.Ese mismo año Gauguin había aceptado la invitación de Vincent Van Gogh de viajar a Arlés para trabajar allí juntos, pero mientras aún estaba en Bretaña y Van Gogh en Arlés este último escribió a Gauguin y a uno de los discípulos de este, Émile Bernard(1868-1941),que también esperaba que acudiera a Arlés, que se intercambiaran entre sí sus autorretratos.Émile Bernard envió a Van Gogh su autorretrato en el que también aparecía Gauguin y Gauguin hizo lo propio , pintando su autorretrato incluyendo también el de Émile que podemos ver  al fondo de la obra. Así describía en una carta el propio Gauguin su obra, en la que él se había hecho representar a sí mismo en el papel de Jean Valjean, el protagonista de la novela "Los Miserables" de Victor Hugo(1802-1885), un personaje con el que se identificaba por tratarse de un hombre incomprendido y marginado por la sociedad como se sentía Gauguin "He hecho por Vincent, que me lo había pedido, un autorretrato. Creo que es una de mis mejores cosas, por ejemplo, es tan abstracto que resulta completamente incomprensible. Para empezar, es el busto de un bandolero, un Jean Valjean que además personifica un pintor impresionista desdeñado y, en cambio, perpetuamente ligado al mundo .La boca, los ojos y la nariz son como las flores que se encuentran en una alfombra persa y también personifican el aspecto simbólico. El color está sacado muy de lejos, de la naturaleza . Todos los rojos y violados fundidos a la superficie por las grandes llamaradas son como un horno que luce a los ojos  y todo aquello contra un fondo de color cromo puro sobre el que están esparcidos unos ramos de flores infantiles; algo así como la alcoba de una chica joven"  Como cambia la perspectiva de una obra cuando entendemos lo que su creador quería plasmar en el lienzo (imagen procedente de http://commons.wikimedia.org )

 

Después de dar clases de pintura y participar a partir de 1876 en las exposiciones organizadas por los impresionistas, en 1882 una crisis bursátil le dejaba sin trabajo. Acompaña a su esposa a la capital danesa, Copenhague, donde vivía la familia de ella, pero no permanecerá demasiado tiempo allí y dejando a su familia en Dinamarca regresa a Francia  para desarrollar su carrera como pintor. Después de vivir tiempos duros , en los que coqueteó con la pobreza, viajó a Bretaña , estableciéndose en Pont Aven , punto de encuentro de diferentes artistas que viajaban por Bretaña, y allí conoce a un joven pintor , Charles Laval(1861-1894), al que le unirá una estrecha amistad y con quién emprenderá su primer gran viaje en busca del paraíso, en la primavera de 1887, que le llevará hasta Panamá, donde trabajará por un corto espacio de tiempo en las obras del Canal de Panamá, y caerá enfermo afectado por las fiebres tropicales y la disentería. Después de abandonar el trabajo y recuperar las fuerzas, viajaría hasta Martinica, en las Pequeñas Antillas, donde por primera vez tiene la sensación de atisbar un esbozo de  la tierra prometida que buscaba y realiza sus primeras obras importantes. Ese mismo año, muy debilitado por las enfermedades, regresaba a Francia y volvía a residir en Pont Aven, donde se rodea de un grupo de jóvenes pintores, que crean un nuevo estilo pictórico, el sintetismo, que ya describí ayer. En 1888 responde a la invitación de Vincent Van Gogh(1853-1890), al que conocía a través de su hermano y marchante de arte Theo Van Gogh(1857-1891), y reside unos meses con él en Arlés.

Fotografía de Paul Gauguin en 1891, cuando gracias a una exposición donde pudo vender algunos de sus cuadros reunió el dinero necesario para emprender su gran aventura, el viaje a la Polinesia que en su imaginación se dibujaba como un territorio que aún vivía en una mítica Edad de Oro, una especie de Jardín del Edén en el que hallaría aquel Paraíso que había intuido durante su estancia en Martinica en 1887 pero que las enfermedades no le habían dejado disfrutar . Estaba decidido a lograr su sueño , como él decía " He querido establecer el derecho de atreverme a todo". (Imagen procedente de http://commons.wikimedia.org )

 

Vimos también como aquella relación entre ambos fue tumultuosa y tuvo un final casi trágico cuando en un incidente rodeado de leyenda Van Gogh perdió parte del lóbulo de su oreja derecha.Era diciembre de 1888 y los dos grandes artistas no volverían a verse más, aunque conservaron la admiración mutua , como lo demuestran estas palabras de Vincent Van Gogh dedicadas a las obras de Gauguin en Martinica , con una expresividad que aún hoy nos puede sorprender "¡Formidables! No fueron pintadas con el pincel, sino con el falo. Cuadros que al mismo tiempo que arte son pecados. Esta es la gran pintura que sale de las entrañas, de la sangre, como el esperma sale del sexo" Desde hacía años Gauguin sentía la necesidad de abandonar Francia  y Europa, de salir en busca de paisajes lejanos y exóticos para , según sus propias palabras , "vivir como un salvaje".  Terminaba ayer el relato con la exposición celebrada en el Hotel Brouot de París donde, en gran parte gracias a las buenas críticas de expertos como  Octave Mirbeau(1848-1917), logra el dinero suficiente para emprender la que iba a convertirse en su gran aventura, el viaje que determinaría su vida , la lejana Polinesia, la colonia francesa de Tahití.

Mapa de la Polinesia Francesa , donde se desarrollaría la última y más importante etapa en la vida de Paul Gauguin, primer en el período entre 1891 y 1893, cuando residió en Papeete, la capital de Tahití, y después, ya de forma definitiva desde 1895  hasta su muerte en 1903. En esta segunda etapa seguiría viviendo en Papeete pero a partir de 1901 se trasladó al archipiélago de las Marquesas, el más grande de la Polinesia, estableciéndose en la isla de Hiva´Oa . Buscaba su paraíso, el Edén donde escapar de una sociedad europea que encontraba fría y sin alma. Una vez había dicho "Siendo la vida como es, uno sueña con vengarse", y quizás trataba de apagar en estas tierras lejanas ese deseo de venganza , de hallar la paz y armonía que no encontraba en Francia pero que tampoco llegaría a disfrutar de ella en las islas más que en muy breves períodos de su vida, tal vez porque buscaba un paraíso que sólo existía en su imaginación y veía como llegaba demasiado tarde para retenerlo (imagen procedente de http://www.atlasescolar.com.ar ) 

 

Así, en 1891 llega a la capital de Tahití, Papeete, que significa "Agua de la cesta". Tahití había sido descubierta por el navegante español Pedro Fernández de Quirós (1565-1614) y forma parte de un grupo de más de mil islas que la geografía ha agrupado bajo el nombre de Polinesia, palabra griega que significa "Múltiples islas", un término creado por el erudito francés Charles de Brosses(1709-1777) en su obra publicada en 1756 y titulada "Histoire des navegations australes terrestres". Hoy se cree que la población de las islas que forman la Polinesia se inició por la denominada cultura lapita, originaria de Nueva Guinea y Nueva Caledonia, que luego se habría extendido hacia Melanesia , término procedente del griego que podría traducirse como "islas negras" ,y desde allí hasta la Polinesia, islas cuya colonización se habría iniciado tardíamente, hacia el año 1000 a. C , comenzando por islas como la propia Tahití , para  extenderse poco a poco hacia el este hasta alcanzar la isla de Pascua y Hawai entre los siglos IV y VI de nuestra era  y hacia el sur hasta llegar a Nueva  Zelanda en el siglo VIII.Durante el siglo XVIII hubo varios intentos de establecerse en Tahití por parte de los españoles , pero sería en el año 1842 cuando Tahití quedó bajo el protectorado de Francia, formando parte de lo que aún hoy es la Polinesia Francesa. A este territorio exótico, pero no tanto, ya que después de todo era ya una colonia francesa y su cultura se estaba transformando influida por la europea, llegó Gauguin en 1891 , dispuesto a vivir de la pintura y sumergirse en lo que él creía que era un paraíso terrenal.

"Parau Api" o "¿Qué hay de nuevo" la primera de las obras que podemos contemplar en la exposición de Gauguin del Museo Thyssen Bornemisza , pintada por Gauguin en 1892 y donde ya encontramos dos de las principales características de su obra durante su estancia en la Polinesia, el brillo de sus colores, en particular en esta primera estancia ya que en los últimos años se iría haciendo más oscura su pintura, y la mujer polinesia como protagonista absoluta de sus cuadros donde muy raramente aparece un hombre. Las amó y le ofrecieron los escasos momentos de su vida en que llegó a sentirse feliz (imagen procedente de http://www.museothyssen.org ) 

 

 

El año 1892 y 1893 son prolíficos para Gauguin, sumergido en aquel ambiente exótico. Durante su estancia escribe un diario en el que recoge sus impresiones  mientras vive en Tahití , al que da el título de "Noa Noa", que significa "fragancia", que luego ilustraría con xilografías ,una técnica basada en impresiones realizadas sobre planchas de madera, mientras no deja de pintar cuadros  como algunos de los que se pueden contemplar en la exposición del Museo Thyssen Bornemisza que ha dado origen a estos artículos, entre ellos el que abre la exposición, "Parau Api", que significa "¿Que hay de nuevo?", donde vemos a dos mujeres tahitianas sentadas sobre un suelo de brillante color amarillo, y que en la exposición aparecen acompañadas por estos versos del poeta y escritor alemán Herman Hesse(1877-1946) que parecen traernos los aromas exóticos de Tahití  "Ese viento hacia el que trepa/tiene una maravillosa fragancia/de lejanía y de otro mundo/ de aguas divisorias y fronteras lingüísticas/ de sur y de montaña/esta lleno de promesas". También podemos contemplar otra de las obras principales de esta época, "Matamoe", traducida como "Muerte. Paisajes con pavos reales", aunque en realidad "Matamoe" significa "Ojos dormidos", pero Gauguin aún no conocía bien la lengua canaca que hablaban los tahitianos. Este cuadro es uno de los pocos en los que aparece un hombre, en este caso empuñando un hacha, con lo que Gauguin trata de simbolizar por un lado lo salvaje en la figura del  hombre y por otro la civilización destructora en el hacha que sostiene en sus manos.

"Matamoe", donde podéis ver uno de los pocos hombres que Paul Gauguin incluiría en sus obras, un hombre que simbolizaría el espíritu natural y salvaje de los tahitianos empuña un hacha procedente de la civilización que parece querer corromper aquel paraíso. A lo lejos vemos como unas mujeres avanzan por el camino hacia una cabaña mientras que el primer plano está ocupado por dos bellos pavos reales. Sobre todo destaca la viveza de los colores, quizás una forma de mostrar el espíritu alegre que animaba a Gauguin en esta primera etapa en Tahití, cuando aún no había sentido como aquel Paraíso ya estaba dejando de serlo, al menos así se lo parecía a él. Ya en esta obra ha dejado atrás la influencia del impresionismo, desarrollando su propio estilo que es inconfundible , una exaltación de la vida primitiva, llegando incluso a caer en ocasiones en la ingenuidad, pero sobre todo son obras llenas de vida (Imagen procedente de http://www.artelista.com )

 

 

Porque ya en esta primera estancia en Tahití Gauguin se da cuenta que lo que él creía un Edén, estaba desapareciendo barrido por la civilización  europea , y en sus cuadros trata de retener los últimos alientos de aquel mundo que iba desapareciendo, como en otro cuadro de 1892 titulado "Mata Mua", "Erase una vez", donde Gauguin retrata un paisaje idealizado, un recuerdo del Edén, del Paraíso que está muy próximo a perderse. Vemos a unas mujeres danzando alrededor de la diosa de la Luna, Hina, mientras que en el primer plano podemos contemplar  a dos mujeres vestidas de blanco y sentadas, una de ellas tocando la flauta. Una escena que parece transmitirnos la imagen idílica de un mundo en paz y armonía con la naturaleza , ese Paraíso que pronto , así lo presentía Gauguin, iba a transformarse en un Paraíso Perdido irremediablemente ante el avance de la cultura europea.  En 1891 pinta "Haere Mai", "Venid", donde  pinta el lugar donde vivía al comienzo de su estancia en Tahití y sobre este cuadro Gauguin escribirá a sus amigos en Francia "Queridos amigos de la gran ciudad, esta es la gran palmera bajo la que duermo cada tarde, y esa silueta a la izquierda , mis vecinos.¿Ven esos cerdos negros? deambulan con libertad por esta tranquila llanura ¿y ven las montañas al fondo? Paso horas admirándolas , bañadas a la luz del atardecer. Ya no tengo ataduras, ahora soy libre para crear. El arte es una abstracción y lo extraigo de la naturaleza, soñando. Pienso más en la creación que en el resultado".

"Haere Mai" , que significa "Venid" , el cuadro al que se refiere la carta que incluyo más arriba y que reflejaba la alegría que Gauguin sentía de estar en aquel lugar . Esta obra, que también está incluida en la exposición que inspira este relato,  es como una ventana que nos abre el pintor para que observemos a través de sus ojos lo que veía cada día, las montañas, las palmeras, los cerdos que recorrían el campo, su vecina . Casi parece que  deteniéndonos ante él pudiéramos sentir la brisa del viento acariciando nuestro rostro , el olor de flores exóticas y el calor del trópico. Esa es la virtud del arte verdadero, transmitir vida  (Imagen procedente de http://www.repro-tableaux.com )

 

Otras obras de esta primera etapa en Tahití que podéis contemplar en la exposición son "Los cerdos negros" de 1891, "Mujeres en la ribera del río" de 1892 y "Parahi te maras", "Ahí está el templo", también de 1892. En 1893 escribe "Estoy preparando un libro sobre Tahití - hacía referencia a Noa Noa- que va a resultar muy útil para hacer entender mi pintura"  , una pintura que conservaba las características de la obra de Gauguin, con colores brillantes y una composición vibrante y llena de vida, donde la forma de las cosas va perdiendo importancia en favor del color como un anuncio del arte abstracto que se impondrá en el siglo siguiente,  y con un fuerte componente primitivista, en el sentido de recuperar imágenes del arte primitivo de pueblos como el tahitiano. Como describe el catálogo de la exposición "la exuberancia de la isla se convierte en los lienzos de Gauguin en una utópica Edad de Oro anterior al tiempo  o en un primordial Jardín del Edén  cargado de fragancias y explosiones cromáticas".Pero en 1893 Gauguin acusa la falta de dinero además de estar aquejado por una enfermedad en los ojos, por lo que decide regresar a Francia donde espera triunfar con sus obras, dejando en la isla a Tehamana , una joven de sólo trece años con la que había concertado matrimonio el año anterior. Ese mismo año ya recordaba con nostalgia  en su diario "Noa Noa" sus días en Tahití "¡Que agradable era ir de mañana a refrescarme al arroyo cercano, como me imagino que harían en el Paraíso el primer hombre  y la primera mujer" y concluye "¡Paraíso tahitiano , navey navey fenna, tierra deliciosa"

Páginas de su diario "Noa Noa", que significa Fragancia , en el que recogió sus impresiones acompañadas por dibujos y acuarelas de su primer viaje a Tahití en colaboración con el crítico Charles Maurice. Cuando en una entrevista publicada en mayo de 1895 para el periódico francés "El eco de París" le preguntaron porque había elegido Tahití para sus viajes , Gauguin respondió " Fui seducido una vez por esta tierra virgen y por su raza primitiva  y sencilla. Yo regresé y regresaré de nuevo . Para hacer algo nuevo es preciso remontarse a las fuentes, a la infancia de la humanidad. La Eva que yo he elegido es casi un animal, es por ello que ella es casta aunque esté desnuda.Sin embargo, - hacía referencia a los desnudos expuestos en los museos europeos- todas estas Venus expuestas en el Salón son indecentes , odiósamente lúbricas" Gauguin amaba de Tahití y sus habitantes lo que en ellos veía de natural y aún no corrompido por la civilización, aunque ya hacía más de medio siglo que los franceses ejercían el protectorado sobre aquellos territorios y poco quedaba de esa inocencia que Gauguin aún veía pero estaba condenada a desaparecer. En realidad la mirada de Gauguin tiene algo rousseauniano, la idea del buen salvaje  que hoy podríamos considerar paternalista y propia de la mentalidad colonial del siglo XIX , pero Gauguin se preocupó de verdad por la defensa de los derechos de los habitantes de Tahití y las Marquesas y utilizó sus escasas fuerzas en aquellos años a enfrentarse contra los abusos del poder colonial (Imagen procedente de http://www.reprodart.com )

Como escribiera el poeta y novelista Johann Wolfgang von Goethe (1749-1832) "Nadie anda impunemente bajo las palmeras, el modo interior de verse se transforma ciertamente en un país donde los elefantes y los tigres están en su casa", y ya en Francia Gauguin no dejaría de echar de menos su paraíso tahitiano. Además , el triunfo que esperaba no se producirá , aunque la muerte de su tío Isidore, con quién ya había convivido en su infancia y primeros años de juventud, como veíamos ayer, le permitirá recibir en herencia una cantidad de dinero suficiente para permitirle regresar  en 1895 a Tahití, y en esta oportunidad su marcha será definitiva. Arrastra una herida en la pierna que se había hecho en 1894 y que no terminaba de sanar pero la llegada a Tahití despierta de nuevo su actividad frenética . Sin embargo las enfermedades , entre ellas la sífilis, además de su dependencia del alcohol,  le irán causando un progresivo deterioro físico y mental que le empujaran incluso a un intento de suicidio . Su pintura refleja su estado de ánimo, haciéndose más sombría e inquietante donde refleja con más fuerza que antes . De esta época sobresale una de sus obras maestras , que también se puede ver en la exposición "¿De dónde venimos? ¿Quiénes somos? ¿Adónde vamos? "  realizada en 1897 , un año contradictorio en la vida del pintor, donde alternaba los periodos de euforia con otros en los que se sumía en una profunda depresión.

"¿De dónde venimos? ¿Quiénes somos? ¿Adónde vamos? "  , considerada por el propio Gauguin como su obra más importante, que pintó cuando ya había tomado la decisión de suicidarse una vez que la finalizara y que por suerte para él y para el arte no logró con éxito. He resumido en el texto del artículo el significado de este cuadro que trata de responder a las tres preguntas que le dan su título, pero dejemos que sea la voz de Gauguin la que nos lo explique mejor "Los dos ángulos superiores son amarillos de forma que parece un fresco doblado de los cantos y fijado sobre una pared dorada. Abajo a la derecha hay un bebé dormido y tres mujeres en cuclillas. Dos figuras vestidas de púrpura se confían sus conversaciones. Una figura enorme agachada, realizada deliberadamente a pesar de la perspectiva, levanta el brazo y mira sorprendida a los dos personajes que osan hablar sobre su destino. En el centro, hay una figura que recoge una fruta, dos gatos cerca de un niño, y una cabra. El ídolo, con los dos brazos levantados misteriosamente y con ritmo, parece indicar el más allá. Una figura agachada parece escuchar al ídolo. Y, finalmente, una vieja cerca de la muerte parece aceptar, resignada, lo que está pensando, y cierra la leyenda . El conjunto de la escena se sitúa entre un arroyo y bajo los árboles, al fondo está el mar , y, más allá, las montañas de la isla vecina" Gauguin había declarado antes de realizar esta obra que  quería "pintar antes de morir un gran cuadro que tengo en la cabeza"  y  fue sin duda una de sus obras más importantes, donde vemos a Gauguin respondiendo a las preguntas vitales que todo ser humano se plantea en algún momento de su existencia(Imagen procedente de http://commons.wikimedia.org )

 

Desde su regreso a Tahití se había enfrentado con el gobierno colonial que maltrataba la cultura tahitiana y al mismo tiempo sus obras no se vendían en Francia ni recibía ayuda de sus amigos allí. Para culminar las malas noticias en la primavera de 1897 su hija Aline(1877-1897), la segunda de los hijos que había tenido con Mette-Sophie Gad, en la que él había depositado muchas esperanzas porque veía en ella un gran talento artístico. A todo ello se une una grave infección en los ojos y problemas cardíacos , lo que le conduce a pensar en el suicidio si el próximo barco procedente de Francia no le traía buenas noticias sobre la venta de sus obras. Es justo en ese momento cuando realiza "¿De dónde venimos? ¿Quiénes somos? ¿Adónde vamos? ", un título que remite a las preguntas que le hacían cotidianamente los tahitianos ¿quién eres? ((o vai ´oe?), ¿De dónde vienes? (nohea roa mai ´oe?), ¿Dónde vas? (te haere ´oe hea?) pero ahora  se convertían en las preguntas que Gauguin se hacía a sí mismo. La obra le llevará un mes entero y cuando la concluye decide cumplir lo que se había prometido antes de empezar la obra, suicidarse. Tomando el frasco de arsénico que le había recetado su médico como remedio para una de sus múltiples dolencias, se sube a una montaña, no he podido determinas si fue a la más alta de la isla, el Monte Orohena de 2241 metros de altura,  y allí se tomó el contenido del frasco pero fue precisamente la gran cantidad de veneno ingerido lo que le salvó la vida, ya que le provocó el vómito  causando el mismo efecto que un lavado de estómago.

"Mujer Tahitiana" de 1898. Como casi todos los cuadros que incluyo en este artículo se encuentre entre los que podéis ver en la exposición dedicada a Gauguin. La mujer fue el tema principal de su obra junto con la naturaleza . Los frecuentes desnudos que podemos contemplar en sus cuadros rompieron con los últimos prejuicios que quedaban en la pintura y abrió el camino para las siguientes generaciones de pintores que ya no encontrarían obstáculos para representar desnudos en sus obras. También en esto fue Gauguin innovador y arriesgado , desafiando a los convencionalismos de su tiempo (Imagen procedente de http://commons.wikimedia.org )

Después de sobrevivir a este intento de suicidio tuvo la buena noticia de la gran acogida que tuvo el cuadro, que él calificaba como "Una obra filosófica temáticamente similar al evangelio." y que había creado como su testamento artístico, pues habitaba en su mente la idea del suicidio cuando la hizo. Pero este éxito le animó a seguir viviendo y pintando. La obra trata de responder a las tres preguntas que le dan su título, como si fuera un texto leído de derecha a izquierda, comenzando por la imagen del bebé que protagoniza la primera de las escenas junto con dos jóvenes que permanecen a su lado cuidándolo, un símbolo de la esperanza de la vida que empieza, con la que responde a la pregunta ¿De donde venimos?. A continuación, la parte central de la composición está ocupada por una mujer que trata de coger una fruta del árbol de la Ciencia del Bien y el Mal, como si se hallara en el Edén del que luego será expulsada , mientras a un lado de ella y al fondo se encuentran dos figuras conversando como si fueran filósofos que están preguntándose ¿de donde venimos?. Y finalmente, la tercera escena de la obra nos presenta a Vairumati, la madre del primer arioi, miembros de una sociedad religiosa de Tahití. Vairumati sería divinizada y para Gauguin tenía un valor simbólico similar a la Eva del Antiguo Testamento.Y a su lado una mujer anciana que se lleva las manos a la cabeza , en una postura que Gauguin tomó de una momia peruana que había sido hallada en esa postura. Las dos figuras representaban la muerte y el renacimiento, el ciclo de la vida humana.

Otra de sus obras más conocidas, "Dos Tahitianas" que va acompañado con el subtítulo "con flores de mango" de 1899. La mujer que nos mira directamente es Pau´ura , la que fue su esposa y con la que se iría a vivir al archipiélago de las Marquesas los últimos años de su vida  , que nos ofrece unos frutos rojos , cuyo color intenso centra toda nuestra atención. A su lado, otra joven lleva en sus manos flores disponiendo las manos en la posición de saludo utilizado en las islas . El fondo del cuadro es abstracto, para que nada distraiga nuestra atención de estas dos bellas jóvenes que en ningún momento parece que estuvieran posando, sino que más bien se diría que en su próximo movimiento acercaran las flores y los frutos para  darnos la bienvenida con ellos. Como escribiera el dramaturgo, poeta  y novelista irlandés Oscar Wilde(1854-1900) "No hay pose más difícil que la de ser natural" y Gauguin logra esa naturalidad que da vida a sus obras   (Imagen procedente de http://www.reproarte.com )

En 1898 Gauguin enviará este cuadro a París con otras obras realizadas en esta época como Hombre levantando los brazos y mujer sentada de espaldas de 1897 , Te pape nave nave (agua deliciosa) de 1898  y  Rave te iti aamu (El ídolo) de 1898. Obras donde las figuras carecen de volúmenes y parecen más como calcomanías que hubieran sido pegadas al paisaje , con aire ausente y frío, sin la vida que había caracterizado a las composiciones de años anteriores , con tonos más oscuros que parecen simbolizar la despedida de un mundo que se acaba  y siempre con la mujer como protagonista principal, una mujer que para Gauguin simbolizaba la vida feliz , como feliz le hicieron las mujeres que amó durante su estancia en la Polinesia .De las mujeres polinesias escribe en su diario "Noa Noa" que " La mujer maorí resulta un ser singular, pueril y majestuoso, escultural en sus raros instantes de inmovilidad, de ojos muy cándidos y muy agudos, con un encanto único, indefinible, quizás impenetrable".  Un año después, en 1899, pinta otra de sus obras maestras que además ha servido como cuadro de presentación de la exposición del Thyssen Bornemisza, "Dos tahitianas", aunque su primer título fue "Pechos con flores rojas" donde Gauguin retrata a dos mujeres tahitianas que llevan fruta y flores , presentándose ante nosotros para entregárnoslas después de pronunciar sobre sus ofrendas unos hechizos. Mujeres bellas, de piel de ébano , que simbolizan la fertilidad . Una de las dos mujeres, la que en el cuadro nos mira de frente, es Pau´ura, una joven que había conocido durante un primer viaje a las Marquesas, el mayor de los archipiélagos que forman parte de la Polinesia.

Esta es la fotografía de  Tohotaua, la esposa de uno de sus amigos, que Gauguin utilizaría para realizar el cuadro de la "Joven con abanico" realizado en 1902 . Tanto la fotografía como el cuadro se pueden contemplar en la exposición    (Imagen procedente de http://www.aloj.us.es )

Y como no podía faltar, este es el cuadro "Joven con abanico" que Gauguin pintaría en 1902, inspirado por la fotografía que veis más arriba y cuyas características trato de resumir un poco más abajo de este texto, cuando ya estaba en el archipiélago de las Marquesas, en la isla de Hiva' Oa, donde ya permanecería hasta su muerte en 1903 dedicado no sólo a la pintura sino también al grabado de madera y a esculturas en este material tratando de recuperar el espíritu del antiguo arte polinesio. Hasta el final, incluso cuando ya era consciente que no hallaría el Paraíso que tanto anhelaba hallar, siguió esforzándose por innovar, por crear al tiempo que consagraba sus últimas fuerzas a luchar por los derechos de los indígenas .Moriría convencido de que, según sus palabras "El salvaje es mejor que nosotros" y el se sentía como uno más de ellos "Porque es cierto -decía - soy un salvaje y los civilizados lo presienten"  (Imagen procedente de http://www.aloj.us.es )
 

Gauguin, que también está enfermo de lepra, se casara con Pau´ura y se irá a vivir con ella a las Marquesas,   estableciéndose en 1901 en la localidad de Atuona, en la isla de Hiva'Oa. Esta población fue la antigua capital de las Marquesas y una vez más Gauguin creyó hallarse en ese Paraíso que siempre había perseguido, sólo para descubrir que este paraíso no era tal debido a los abusos de las autoridades coloniales francesas sobre los habitantes de la isla. El enfermo y cansado Gauguin aún tuvo fuerzas para enfrentarse al gobierno para defender a los indígenas . A esta época corresponde otra de las obras de la exposición , "Muchacha con abanico" de 1902, donde retrata a una joven polinesia de nombre  Tohotaua, esposa de un amigo de Gauguin, a partir de una fotografía que podemos ver en la exposición junto al cuadro, si bien con la diferencia de que en la fotografía Tohotaua está vestida mientras que en la obra de Gauguin la retrata con el pecho descubierto , con uno de sus senos tapado por un abanico que sujeta con la mano derecha, lo que en la Polinesia tenía un significado de distinción  y el resto del cuerpo envuelto por un vestido blanco que contrasta con el bello color castaño de la piel de la muchacha y la tonalidad rojiza de su cabello. Pero en esta última etapa Gauguin más que a pintar se dedicará a realizar tallas y esculturas en madera donde trata de recuperar el primitivismo de la escultura indígena, tal vez cumpliendo lo que él mismo había dicho en una ocasión, "Para hacer algo nuevo hay que regresar a los orígenes".

En la exposición se informa que este cuadro , "Paisaje con perro", fue uno de los seis últimos cuadros que realizó Gauguin  , ya en el año de su muerte, 1903.  Según Gauguin la noche siempre había causaba pavor a los polinesios y escribía que "este pueblo siente un gran terror ante el espíritu de los muertos. Las fosforescencias de la noche son los espíritus de la noche , en quienes creen y a quienes temen" En esta obra la oscuridad, la noche y el perro inquieto que corre por el campo nervioso ante la presencia intuida de la Luna parecen simbolizar la llegada de la muerte y el convencimiento de Gauguin de la proximidad de su propio final. Moriría el 9 de mayo de ese mismo año (Imagen procedente de http://www.foroxerbar.com )

Y así entramos en el año 1903, con un Gauguin cansado y enfermo que parece sentir la inminente llegada de la muerte. Escribe "Finalmente he cumplido con mi deber y si mi obra no pervive al menos subsistirá la memoria de un artista que liberó la pintura de las cadenas académicas y de las plumas simbolistas" Podemos contemplar en la exposición uno de sus últimos seis cuadros, "Paisaje con perro", una obra de tonos oscuros, presentes en todas las obras de esta etapa final, donde un perro ocupa el centro de la composición, con una casa un poco más al fondo, corriendo por el campo como si presintiera la llegada de la luna igual que Gauguin siente la proximidad de su propia muerte. Aquel hombre que había escrito sobre sí mismo que durante su vida había buscado "un rincón de mi mismo todavía desconocido", moría en Atuona el 9 de mayo de 1903. En una de sus cartas expresaba su admiración por aquel mundo edénico del que él se sentía uno de sus últimos testigos antes de su extinción "El salvaje es mejor que nosotros. Te equivocaste un día al decir que incurriría en un error cuando decía que yo era un salvaje, porque es cierto, soy un salvaje y los civilizados lo presienten, pues en mis obras lo que sorprende y despista  e el elemento salvaje a pesar mio".

Autorretrato realizado por Paul Gauguin en 1903, el mismo año de su muerte a los 54 años de edad .  Veíamos como en 1889, antes de empezar su gran aventura, escribía "Tengo sangre india, sangre inca - su madre tenía familia en Perú donde estuvo residiendo unos años durante su infancia - y esto se refleja en todo lo que hago. Es la base de mi personalidad, intento confrontar la civilización podrida con algo más natural basado en lo salvaje". Quizás habría sido más acertado titular este artículo un pintor en busca de lo salvaje, pues eso es lo que buscaba Gauguin, un mundo primitivo, incorrupto, todavía virgen. Nunca lo encontró pero a cambio nos dejó una obra de una belleza y honestidad  que siguen vivas más de un siglo después (Imagen procedente de http://commons.wikimedia.org )

Aquí concluyo este recorrido por la vida de un hombre que quizás quiso buscar algo que no existía, que tal vez viajó tan lejos para huir de sí mismo, que sólo conoció la paz en momentos muy breves de su vida y no se si llegó a encontrar aquel "rincón de mi mismo todavía desconocido", pero nos dejó una obra vibrante, llena de color, de belleza y vida, aún en sus años finales más oscuros, que nos traen el eco de un mundo desaparecido, de un paraíso perdido del que Gauguin fue testigo y notario de su extinción.  No tengo conocimientos suficientes para transmitiros la profunda belleza y significado de su obra, pero espero, para el que no conociera su figura, haber despertado vuestra curiosidad y las ganas de visitar su exposición o ver su obra a través de los medios que hoy disponemos. Antes de viajar a la Polinesia Gauguin escribía "He tomado una firme resolución, la de irme a vivir para siempre a Oceanía. Pienso terminar allí mis días, libre y tranquilo, sin preocupaciones por el mañana y sin la eterna lucha contra los imbéciles". Por desgracia sólo pudo cumplir la primera parte de sus deseos, por fortuna para nosotros nos dejó la herencia de su maravillosa obra.



Tumba de Paul Gauguin en el cementerio de CavalryÁngel de la ciudad de Atuona , donde hoy viven no más de un millar de personas, situada en la isla de Hiva´Oa, en las Marquesas. Gauguin había llegado a Atuona en septiembre de 1901 a bordo de un barco con el poético nombre de "Croix du Sud", "La Cruz del Sur", y se construyó una casa en Atuona a la que dio el nombre de "Maison du jouir" o "Casa del placer" donde pasaría sus últimos años en compañía de Pau´ura . Junto a la entrada de su taller puso dos placas donde podía leerse "Sed amorosos y seréis felices" y en la otra "Sed misteriosos". Allí reposan sus restos, en la tierra a la que quiso pertenecer por voluntad propia , aquel paraíso que quizás ya se había perdido cuando llegó pero donde conoció también sus momentos de mayor felicidad y que fueron el origen de sus obras más hermosas. Muchos años después, el filósofo francés Émile Cioran(1911-1995) escribiría "El paraíso no era un lugar soportable, de lo contrario el primer hombre se hubiera adaptado a él; este mundo tampoco lo es, ya que en él se añora el paraíso o se da otro por seguro. ¿Qué hacer? ¿Dónde ir? No hagamos nada, no vayamos a ningún sitio, así, sin más." Tal vez tenga razón Cioran y sea inútil buscar paraísos perdidos, pero creo que no es tan importante encontrarlo como lo que vivimos mientras recorremos el camino que nos puede llevar hasta él. Ese camino es la vida y es lo que hizo que Gauguin encontrara lo mejor de su arte donde plasmó lo mejor de sí mismo  (imagen procedente de http://www.publico.es )

 

VINCENT VAN GOGH , EL BUSCADOR DE BELLEZA (SEGUNDA PARTE)

En la primera parte de este relato sobre la vida de Vincent Van Gogh(1853-1890) le habíamos dejado en Bruselas en el año 1880, poco después de decidir abandonar el camino de la religión para dirigir sus pasos hacia el arte. Gracias a la ayuda económica de su hermano Theo (1855-1891), que desde este momento apartará siempre una parte de su sueldo cada mes para enviárselo a Vincent , éste puede pagarse la inscripción en la Academia de Bellas Artes de Bruselas además de la comida y la ropa precisa para adecentar un poco su descuidado aspecto. Pero si había decidido cambiar de vida lo que no había cambiado era su carácter intempestivo y en ocasiones violento, siempre indomable e incapaz de sujetarse a unas normas establecidas, lo que hará que una vez más abandone sus estudios. En abril de 1881 decide regresar a la casa donde viven sus padres en la localidad de Etten , donde no es muy bien recibido por su padre pero le concederá el permiso para que comparta la vida con ellos. Su padre, que nunca le había hecho manifestaciones de cariño,diría sobre su hijo mayor "No podemos cambiar el hecho de que es un excéntrico". Los primeros meses allí, a pesar de la fría relación entre padre e hijo, son de tranquilidad para Vincent que además recibe la visita de su hermano Theo, que ahora trabajaba como marchante en París .

Pero si algo iba a endulzar este tiempo en Etten fue la visita durante el verano de su prima, Cornelia Adriana Vos-Sticker (1846-1918), a la que llamaría Kee. Ella había enviudado hacia poco tiempo y tenía  siete años más que Vincent, pero su simpatía y amabilidad conquistaron a un Vincent inexperto en estas lides del corazón porque, recordemos, que apenas un año antes había escrito a su hermano que nunca había estado con una mujer y eso era una de sus principales aflicciones. Vincent se enamora con la misma intensidad que había puesto a la hora de cuidar a los mineros de Borinage, es decir, dándolo todo hasta el extremo de que aquellos que contemplaban su comportamiento podían llegar a juzgarle por loco. El pintor confundía la amabilidad con la que le trataba Cornelia con amor y cuando después de muchos paseos compartidos por los campos de Etten se decide a declararse la respuesta por parte de ella es un rotundo "No, jamás, jamás" como escribiría Vincent a su hermano Theo en una carta fechada el 3 de noviembre de 1881. La viuda decide marcharse a Amsterdam, pero Vincent no cesará en su empeño, la escribe nuevas cartas insistiendo en su propuesta matrimonial e incluso viaja hasta Amsterdam donde llega a molestar a la familia de Cornelia. Esta obsesionado con ella y no acepta el no por respuesta. Escribe "Desde el principio me he dado cuenta de que, a menos que me entregue por completo, sin restricciones, con todo mi corazón, no tendré ninguna oportunidad, y aún así la oportunidad es pequeña, pero ¿qué me importa si tengo muchas o pocas oportunidades? ¿Debo considerar esto si yo la amo? Gracias a Dios, yo la amo."

Fotografía de Cornelia Adriana Vos-Sticker (1846-1918) ,junto a su hijo Jan. Cornelia era hija de una hermana de la madre de Vincent, y cuando viaja a Etten en el verano de 1881 hacía poco tiempo que había enviudado. Como podéis ver por la imagen no era una mujer de gran belleza pero si estaba dotada de un carácter amable y simpático, suficiente para un corazón solitario como el de Vincent Van Gogh. Aunque ella rechazó la propuesta de matrimonio del pintor, éste no se rendía y escribe ""Considero que ese "no, nunca" es un bloque de hielo que presiono sobre mi corazón para derretirlo. ¿Quién ganará, el frío del hielo o el calor de mi corazón?" y tampoco acepta las palabras de la familia de Cornelia que tratan de disuadirle y convencerle que debe dejar tranquila a Cornelia porque ella no le ama ""Las personas mayores consideran que todo está ya terminado y quieren forzarme a abandonar. Quieren convencerme de que ella no va a cambiar, luego ellos temen que ella cambie de idea" e insiste "Kee tiene escrúpulos de conciencia de tener un nuevo amor. Yo comprendo y respeto ese sentimiento, pero yo trato de crear algo nuevo, que no ocupe el lugar del viejo, pero que tenga derecho a tener su propio lugar". La última discusión con la familia con la famosa escena de Vincent poniendo su mano sobre la llama de una vela hasta que le dejaran hablar con ella parece que calmó a Vincent y la situación se enfrió . Poco después otro nuevo amor llegaría a la vida de Vincent (imagen procedente de http://www.aloj.us.es )

Según cuenta la escritora y periodista Elizabeth Lunday en su "Vidas secretas de grandes artistas" "una noche puso una mano en la llama de una vela y declaró que no la movería de allí hasta que le dejaran ver a su prima;se desmayó de dolor antes de que el tío de Cornelia pudiera apagar la llama" Este comportamiento no le ayudó , como podéis imaginar, a conquistar el corazón de su prima y Vincent sufría un nuevo desengaño amoroso. Este rechazo afecta aún más al comportamiento de Vincent, que se vuelve más violento de lo habitual y a su regreso a Etten se suceden los enfrentamientos con su padre hasta que en diciembre de ese año de 1881 tienen una gran discusión por temas religiosos y su padre Theodorus Van Gogh(1822-1885) le echa de casa . Vincent escribe a su hermano Théo que sigue viviendo en París "Pero, como puedes ver, estoy nuevamente en La Haya; por Navidad tuve una disputa bastante grave con nuestro padre, que llegó al extremo de decirme que sería mejor que abandonase la casa. Lo dijo tan enérgico que me fui aquel mismo día" En efecto, se encuentra en La Haya en casa de un primo de Vincent que además es pintor Anton Rudolf Mauve (1838-1888), un pintor de estilo realista que lograría sus mejores obras con la representación de personas y animales al aire libre.

"Pastora con un rebaño de ovejas" de Anton Rudolf Mauve , un pintor realista que enseñaría a Van Gogh diferentes técnicas pictóricas y le influiría en su primera etapa como pintor aunque su relación, como solía suceder con todas las amistades de Vincent, se rompió después de una discusión. Como ya veíamos en la primera parte de esta historia el propio Vincent reconocía lo difícil que era su carácter "Suelo ser una persona espantosa, propensa a la melancolía y el mal humor ;tengo hambre y sed de simpatía, pero si no la encuentro me trae sin cuidado e incluso echo más leña al fuego"  (imagenes procedente de http://boverijuancarlospintores.blogspot.com )

Mauve iba a ejercer una gran influencia en estos comienzos de Vincent como pintor , enseñándole las diferentes técnicas pictóricas, pero aunque Vincent agradece sus enseñanzas no está de acuerdo con la orientación de su pintura, a él no le interesa trasladar al lienzo la realidad tal y como es sino como él la ve, la interpretación de aquello que ven sus ojos. Las discusiones entre los dos pintores son cada vez más frecuentes hasta que , una vez más en la convulsa vida de Vincent, esta relación de amistad también se rompe. Estamos en el año 1882 y en este mismo año en que primero trabaja y aprende al lado de Mauve y después se separa de él conocerá a un nuevo amor en su vida, Christina Clasina María Hoornik(1850-1904), a la que él llamaría Sien .No era una mujer bella, tenía tres años más que Vincent, el rostro picado de viruela , era bebedora y fumadora, una niña de cinco años y estaba embarazada. La había encontrado en La Haya en el mes de enero, poco después de sufrir el desengaño de Cornelia. Así se lo cuenta meses después a su hermano Theo en una carta "Este invierno me encontré una mujer embarazada que tenía que hacer la calle para ganar su pan, ya sabes cómo. La tomé como modelo, y he trabajado con ella todo el invierno... he podido protegerla a ella y a su hija del hambre y del frío compartiendo con ellos mi propio pan. Comencé una nueva vida, no a propósito, sino porque tuve la oportunidad de empezar de nuevo y no rehusé hacerlo."

Ya sabemos por esta carta que su nuevo amor es una prostituta, tres años mayor que él y embarazada a la que primero acogerá por caridad y lástima hacia su situación pero de la que luego se enamorará, o al menos creerá estar enamorado . Vincent cuidará de ella, la irá a visitar al hospital cuando tiene a su hijo , al que pondrá de nombre Wilhen, como si él fuera el padre e incluso pinta las paredes de la habitación que reserva para el pequeño. Durante un año conviven como si se tratara de un matrimonio . Vincent oculta la existencia de Sien a sus padres por temor a la reacción de estos y sólo escribe sobre ella a su hermano Theo , que tampoco aprueba esta relación, al tiempo que en la mente de Van Gogh sigue recordando a su anterior amor , Kee, y sus palabras parecen mostrar que sus sentimientos por Sien no son tan intensos, ni siquiera podríamos hablar de verdadero amor a juzgar por estas palabras " Si K. me hubiese escuchado el verano pasado las cosas podían haber transcurrido de otra manera." y en otra carta añade "Mi sentimiento por ella es menos apasionado que el que sentí por Kee, pero el afecto que siento por Sien es lo único que soy capaz de dar. Ella y yo somos dos seres desgraciados que se ayudan mutuamente, que llevan sus problemas juntos y así la infelicidad se torna en gozo y lo insoportable en llevadero."

Dibujo realizado por Vincent de Clasina María Hoornik(1850-1904), que en 1882 , cuando convive con el pintor en La Haya apenas tiene 32 años pero por el dibujo vemos a una mujer envejecida por la dureza de la vida que llevaba . La había conocido en enero de 1882, apenas un poco después de terminar sus intentos de conquistar el corazón de Cornelia Adriana vos Sticker, lo que demuestra que su afecto no era tan profundo como él pretendía. Pero él lo explica así en una de sus cartas ""Sentí que mi "Ella o ninguna" había muerto. Entonces, no enseguida, pero sí muy pronto, sentí que el amor había muerto dentro de mí. Un vacío, un infinito vacío ocupó su lugar... Pero después de la muerte hay una resurrección." y añade para completar su justificación después del revuelo que había originado su anterior lance amoroso que había olvidado en menos de un mes " Comencé una nueva vida, no a propósito, sino porque tuve la oportunidad de empezar de nuevo y no rehusé hacerlo." (imagen procedente de http://www.aloj.us.es )

En realidad, Vincent era un mendigo de amor, necesitaba que le amasen pero nadie lo hacía y para protegerse de ello su imaginación creaba sentimientos amorosos que no existían en la realidad. Ni Kee le había correspondido nunca ni tampoco Sien le amaba, hallaba en él una protección que no tenía en nadie más, pero no era amor. Después de un año, en septiembre de 1883 Vincent abandona a Sien . Llega a acusar a Théo de la ruptura por el temor de Vincent a perder la asignación mensual que le enviaba su hermano, que siempre se había opuesto a esta relación y aún más cuando supo que le había contagiado a Vincent la sífilis y la gonorrea. Vincent escribe a Theo cuando vuelve a encontrarla un día en la calle, de nuevo ejerciendo la prostitución "La encontré en una situación tan lamentable, que me partió el corazón, y esto será una barrera insuperable entre tú y yo, a menos que ella pueda ser salvada." Después de este nuevo fracaso en su vida sentimental ,que siempre tenía una gran influencia en su equilibrio mental, Vincent se traslada a Drente, una de las doce provincias de los Países Bajos, situada al norte. Durante los meses siguientes pinta paisajes al oleo, de colores oscuros con los que Vincent llevaba al lienzo el profundo sentimiento de soledad que le embarga en esta época de su vida.

Por fin, después de tres meses en Drente ,decide regresar con su familia en diciembre de 1883. Ahora se encontraban en Nueten, donde había sido trasladado su padre , y aunque podríamos pensar que después de todas estas vicisitudes habría sido rechazado por sus padres es, por el contrario, bien recibido. Durante todo el año 1884 Vincent se dedica a pintar a los campesinos , sus rostros y sus trabajos, utilizando tonos oscuros y apagados quizás para representar la opresión y pobreza en la que vivían muchos de ellos. Los siguientes dos años serán de una intensa actividad en los que llega a pintar más de doscientas obras. Parece que encuentra  por fin algo de estabilidad emocional y en otoño de 1884 de nuevo el amor llama a su puerta. En esta ocasión será una vecina de Nueten llamada Margot Begemann , hija del fallecido pastor de Nueten al que el padre de Vincent había sustituido. Era la más pequeña de cinco hermanas pero ya era una mujer en edad madura pues tenía cuarenta y tres años , mientras que Vincent apenas tenía treinta y un años y no será la belleza la que cautive a Vincent que escribe sobre ella ""Es una pena que no la conociese hace diez años, ahora da la impresión de ser un violín de Cremona que ha sido estropeado por manos chapuceras. Cuando yo la conocí, ya estaba muy estropeada, pero originalmente era una persona de una gran valía."

Fotografía de Margot Begemann (1841-1907) que tenia doce años más que Vincent y que físicamente, a juzgar por sus palabras, no le resultaba nada atractiva aunque no se puede decir a tenor de las fotografías y dibujos que acabamos de ver de las otras mujeres a las que amó que ella fuera mucho menos agraciada que las anteriores. Podemos decir de ella que es la única mujer que conozcamos que amó de verdad a Vincent, aunque él no le correspondió con la misma intensidad y se olvidaría de ella poco después de que Margot se intentara suicidar con estricnina en respuesta a la prohibición de la familia de ella a que siguiera viéndose con el pintor. Ella nunca le hizo daño, quizás por ser la que le amaba de verdad y él también la guardaba afecto y años después la regalaría un cuadro que envió a través de una de sus hermanas (imagen procedente de http://www.ggallery.com )  

Una vez más no siente un amor verdadero por ella aunque si afecto , si bien él siempre tiende a engañarse a sí mismo sobre sus sentimientos , pero se siente en parte halagado por el amor que Margot si le profesa, cuando ya se había resignado a ser lo que la sociedad de entonces llamaba una solterona. Sin embargo, la familia de ella no veía con buenos ojos esta relación ,entre otros motivos por la diferencia de edad entre ambos y , seguramente, por la fama de desequilibrado que acompañaba a Vincent. Ante la oposición familiar Margot toma una decisión desesperada y trata de suicidarse con estricnina , aunque finalmente no lo consigue. De la poca profundidad de los sentimientos de Vincent hacia Margot es una demostración que después de este intento de suicidio Vincent apenas la mencionaría de nuevo en sus cartas a Theo. Habría que decir que los amores de Vincent no le dejaban heridas muy profundas pues, como hemos visto, a los pocos meses de romper una relación podía iniciar otra como si la anterior no hubiera existido. Y también es curioso observar que todas estas mujeres eran mayores que él y con circunstancias familiares adversas, bien porque la familia se opusiera o porque sus vidas fueran particularmente difíciles. Es como si él buscara relaciones difíciles deliberadamente pero como no soy psicólogo dejaré a otros el análisis de esta conducta.

El 26 de marzo de 1885 su padre Théodorus Van Gogh sufre una apoplejía y muere. Su madre había sufrido un accidente poco antes al caerse en la estación de tren , pero ya se había recuperado. Apenas un mes después , en abril de 1885 termina la que iba a ser su obra más importante hasta entonces "Comedores de patatas" en la que vuelve a incidir en uno de los temas principales de su pintura en esta época, la pobreza de las clases obreras .Trata de reflejar a través de los tonos oscuros de su pintura la desesperanza y la miseria en la que se desarrollaba la vida de estas personas por las que Vincent sentía una profunda compasión. Por vez primera centra su atención no en un único personaje sino en cinco personas sentadas alrededor de una mesa. Sobre ella escribiría el propio pintor "He querido poner conscientemente de relieve la idea de que esa gente que, a la luz de la lámpara come patatas sirviéndose del plato con los dedos, trabajó asimismo la tierra en la cual las patatas han crecido; este cuadro, por tanto, evoca el trabajo manual y sugiere que esos campesinos merecen comer lo que honestamente se han ganado. He querido que haga pensar en un modo de vivir muy diferente al nuestro. Así pues, no deseo en lo más mínimo que nadie lo encuentre ni siquiera bonito ni bueno" Como preparación para este cuadro había realizado con anterioridad más de cuarenta retratos de campesinos, buscando los rostros que incluiría en esta obra.

La obra más importante de la primera época de la obra de Vincent Van Gogh, "Los comedores de patatas" realizada en 1885 y que actualmente se conserva en el Museo Van Gogh de Amsterdam. Vincent había estudiado dibujo con el pintor realista Jean François Millet (1814-1875)  en Bruselas . Millet tenía como protagonistas principales de sus obras a los campesinos , pero unos campesinos idealizados como seres inocentes en contraposición a la degeneración del hombre urbano, algo así  como el buen salvaje de Rousseau. Van Gogh no estaba de acuerdo con esta manera de representar al campesino, él prefiere representarlos tal y como son, sin adornos y sin embellecer la realidad, pues así podía mostrar a lo que conducía la miseria  en la que vivían estas personas . El tono oscuro de la pintura de estos años primeros en la producción de Vincent se dirigen a acentuar la desesperanza y angustia de sus personajes (imagen procedente de http://www.todo-sobre.com )

Vincent esperaba que la calidad de esta obra fuera reconocida por los ambientes artísticos, pero la acogida es muy fría y vuelve a sentirse inseguro sobre su trabajo. Sin embargo, frente a malas críticas como la de su amigo el pintor Anthon Gerard Alexander van Rappard (1858-1892), al que había conocido en 1881 , que le escribe en una carta "Estarás de acuerdo conmigo en que este trabajo no se puede tomar seriamente, Por fortuna eres capaz de mucho más. Pero, ¿por qué todo lo observas y lo tratas superficialmente, de la misma manera? ¿por qué no estudias minuciosamente los movimientos?" y concluye "El arte es demasiado elevado para poderlo tratar con tanta negligencia", también hay otros comentarios elogiosos como los del pintor francés Émile Bernard (1868-1941) que escribe sobre "Comedores de patatas" "Me quedé desconcertado, en esta confusión, por la comida de los pobres en una barraca inquietante bajo una mísera luz. Era grandioso en su fealdad y estaba lleno de una vida inquietante" Ya en esta época Vincent se plantea abandonar los colores oscuros que hasta aquel momento habían caracterizado su pintura por otros más luminosos siguiendo los consejos de su hermano Theo al que escribe "expresar la luz por oposición a la obscuridad. Ya sé todo lo que piensas del "demasiado negro", pero, sin embargo, no estoy aún absolutamente convencido".

BREVE ANÁLISIS DEL CUADRO "LOS  COMEDORES DE PATATAS"

Es un breve vídeo de cinco minutos donde analiza esta obra que es la más importante de su primera etapa

En el mes de noviembre de 1885 abandona Nuenen y se dirige a Amberes para vivir en su barrio portuario. A comienzos de 1886 se matricula en la Academia de Bellas Artes de la ciudad pero no termina de encajar en su ambiente ni es apreciado por sus profesores que incluso le quieren poner en la clase de principiantes con jóvenes de quince años. Harto de esta situación Vincent coge sus escasas pertenencias y toma un tren con destino a París para irse a vivir con su hermano Theo. Poco antes de este viaje escribía en febrero de ese año de 1886 a su hermano Theo que apenas conseguía lo suficiente para poder comer de vez en cuando. Tampoco su estado físico es muy bueno debido a la sífilis que padece y que le había hecho perder la mayor parte de su dentadura. Theo trabajaba en París como marchante en la Galeria Goupil y Cía y conocía gracias a su profesión a algunas de las personalidades artísticas más importantes de París, entre las que se encontraban Toulouse Lautrec (1864-1901), Camille Pisarro(1830-1903), Paul Gaugin (1848-1903), Paul Cézanne (1839-1906), el propio Émile Bernard al que ya he citado antes y en general toda la pléyade de grandes pintores que entonces se concentraban en la que era, sin duda, el principal centro cultural de Europa.

De esta forma Vincent entra en contacto directo con el impresionismo, con sus brillantes colores y luminosidad que va incorporando a sus propias obras. También en esta época se despierta su entusiasmo por el arte japonés , entusiasmo compartido por otros pintores impresionistas . El propio Vincent escribe sobre este arte "Envidio a los japoneses por la increíble claridad de la que están impregnados todos sus trabajos. Nunca resultan aburridos ni hacen el efecto de haberlos realizado deprisa... Su estilo es tan sencillo como respirar. Son capaces de hacer una figura con solo unos pocos trazos seguros, que hace que parezca tan fácil como abrocharse el chaleco" También en esta época comienza a utilizar algo que sería característico de la nueva etapa en la pintura de Vincent, el uso de un intenso y brillante amarillo que encontraremos en obras tan célebres como "Los girasoles". Pero la vida en París, de constantes juergas con otros artistas, el abuso del alcohol y los efectos de la persistente sífilis minaban poco a poco su salud y además el ambiente de la ciudad que tan excitante le había parecido a su llegada ahora le causaba agobio. De nuevo había llegado el momento de partir.

"El puente en la lluvia" pintado por Vincent Van Gogh en 1887 copia de una obra del pintor japonés  Utagawa Hiroshige (1797-1858). Vincent admiraba la pintura japonesa y escribía a su hermano que contemplarlas le hacía sentirse "mucho más alegre y feliz"  sin duda por su brillante colorido en comparación con la oscuridad de sus primeras obras como acabamos de ver en "Los comedores de patatas"  y afirmaba que  "Todas mis obras están basadas en algo del arte japonés." Cuando en 1888 llega a Arlés se sentirá feliz porque le parece estar en Japón, y así se lo escribe a su hermano Theo "Por mi parte no necesito las imágenes japonesas aquí, todo el tiempo me digo a mí mismo que aquí yo estoy en Japón" (imagen y citas procedentes de http://www.uchina.com.ar )

En febrero de 1888 Vincent deja la casa de su hermano en París y siguiendo los consejos de Toulouse Lautrec se dirige hacia el sur de Francia y se establece en Arlés . Nace en su mente la idea de crear allí una especie de refugio para artistas y parece que por fin recupera la serenidad perdida, aunque acusa la soledad al no hablar el dialecto utilizado en Arlés . Esta incomunicación le hará centrarse en su trabajo y comienza la etapa más productiva de su vida , pintando al aire libre y todo aquello que ve , usando verdes, azules y amarillos de gran intensidad . Escribe "Aquí no me hace falta para nada el arte japonés, porque me imagino estar en el Japón y nada más necesito abrir los ojos y ver lo que tengo delante", entre las obras de estos primeros meses en Arlés destaca "El puente de Langlois.", "El peral en flor" o "El melocotonero" cuyos títulos muestran cual era el interés principal de Vincent, la naturaleza, los cultivos, las flores, los árboles frutales, todo aquello que se ofrecía a sus ojos y que le deslumbraba por su luz y colorido. En el terreno afectivo Vincent ya no volvería a mantener una relación estable y su contacto con las mujeres se limita a sus frecuentes visitas a los burdeles de la región.

"El melocotonero" pintado en la primavera de 1888, uno de una serie de cuadros dedicados a árboles frutales durante la primavera. El color y la luz del cuadro es característico del impresionismo que comenzaba a adoptar Van Gogh, mientras que el gusto por los temas florales y decorativos procede de la influencia que sobre él tenía la pintura japonesas, como ya hemos visto  (imagen procedente de http://www.allposters.com ) 

Durante el verano de ese año comienza a retratar a las gentes del pueblo e inicia una amistad con el cartero Joseph Roulin , al que retratará y también a la familia de éste en numerosos cuadros de esta época a la que pertenecen obras como El campesino, Retrato de Patience Escalier, El zuau, El lugarteniente Millet y El cartero Roulin aunque la obra más importante de esta época es "La terraza de un café en la Plaza del Foro durante la noche" . Pero entre esta incesante actividad Vincent encuentra el tiempo suficiente para insistir a su amigo Paul Gaugin para que acuda a Arlés y le ayude a montar el refugio de artistas que soñaba crear desde su llegada allí. En el mes de mayo Vincent había alquilado   una casa que le había llamado la atención por el color amarillo de su fachada   Cuando este le anuncia que se dirige allí Vincent se entusiasma , prepara con esmero la habitación que ocupará su amigo y la decora pintando en sus paredes girasoles y naturalezas muertas. Su hermano Theo, una vez más, le había enviado el dinero necesario para acondicionar su querida casa amarilla para convertirla en su soñado estudio para artistas al que pensaba llamar "L´atelier du Midi" . Vincent había invitado a otros artistas pero Gaugin era el único que había respondido ante la insistencia de Theo.

"La terraza de un café en la Plaza del Foro durante la noche" Ya en esta época comienza a utilizar intensos colores verdes, amarillos y azules que iban a dominar su obra durante los últimos años de su vida . Esta realizada en Arlés en septiembre de 1888  , representa a un café que había en el pueblo que se llamaba Cafe Terrace y que años después, en honor del pintor, cambiaría su nombre por el de Café Van Gogh. Es la primera de sus obras donde utiliza un cielo estrellado para dar una mayor luminosidad y alegría a la composición  (imagen procedente de http://futuroshechos.blogspot.com )

Gaugin, que había trabajado como agente de bolsa antes de dedicarse a la pintura, era un hombre de carácter difícil, arrogante pero muy consciente del valor artístico de su obra, justo lo opuesto a Vincent, siembre inseguro sobre el auténtico valor de lo que hacía aunque una vez escribiera "yo no tengo la culpa de que mis cuadros no se vendan. Pero llegará el día en que la gente se dé cuenta de que tienen más valor de lo que cuestan las pinturas" Aunque estaba lejos de imaginar las cifras astronómicas que se pagaría durante el último tercio del siglo XX por sus cuadros. Antes de la llegada de Gaugin , Vincent había escogido los girasoles como protagonistas de sus cuadros a los que dedicaría cuatro cuadros en el mes de agosto de 1888, variando el número de girasoles en cada uno de ellos, desde los tres girasoles, pasando después a cinco, doce y quince girasoles en los que iba variando el fondo de la pintura. Cuando Gaugin llega allí el 21 de octubre espera establecer una relación con Vincent como la de un maestro con su alumno, y durante las primeras semanas Vincent le sigue a todas partes casi como haría un niño. Gaugin le anima a que pinten juntos diferentes partes  históricas de Arlés.

"Jarrón con doce girasoles" pintado en agosto de 1888 y actualmente conservado en la Neue Pinakothek de Munich, es uno de la serie de cuadros pintados por Van Gogh en agosto de 1888 con los girasoles como protagonistas y donde emplea toda la gama cromática del amarillo, un color que le atraía particularmente y hasta su casa de Arlés era de este color . Uno de estos cuadros de girasoles lo utilizaría para decorar la habitación de su amigo, el pintor Gaugin , cuando supo que iría a visitarle en el mes de octubre de ese año 1888 . En 1987 se pagaría por una de estas obras titulada "Jarrón con quince girasoles " casi cuarenta millones de dólares, aunque sería ampliamente superado dentro de la obra de Van Gogh por "Retrato del doctor Gachet" por el que se llegó a pagar 82.500.000 dólares , lo que no está nada mal para un artista que sólo consiguió vender una de sus obras por cuatrocientos francos (imagen procedente de http://es.wikipedia.org )   

Sin embargo , el carácter de Vincent no estaba hecho para ser sumiso durante mucho tiempo y actuar como un alumno ante su maestro, y pronto comenzarán las discusiones y los enfrentamientos ante las diferentes formas de ver el arte que ambos mantienen. La situación llega a un punto de no retorno la noche del 23 de diciembre de 1888 . Sobre lo que pasó entonces hay diferentes versiones, ya que Vincent nunca habló de ello en sus cartas y la versión que tenemos de Gaugin debe ser mirado con precaución ya que él estaba implicado directamente en este hecho. Me remito a las palabras de Juan Antonio Cebrián en su obra "Pasajes de la historia", que relata así lo que pudo haber sucedido "Gaugin le dice a Van Gogh que piensa regresar a París; entonces , Vincent, en un arranque de rabia inusitado, empuña una navaja de afeitar intentando agredir a un templado Gaugin, que se limita a mirar fijamente al embrutecido Vincent; esto es suficiente para que Vincent, destrozado por lo que había estado a punto de cometer, corte de un tajo el lóbulo de su oreja derecha;era su forma de pedir perdón por el demonio que le ahogaba por dentro" Como veis se cortó nada más que el lóbulo y no la oreja entera, Cebrián dice la derecha en otros libros dicen que es la izquierda, como nos ha dado a conocer el cine en algunas de sus versiones sobre este hecho.

"Autorretrato con oreja vendada" realizado por Van Gogh después de autolesionarse el 23 de diciembre de 1888. Se conservan más de una veintena de autorretratos del pintor pero más por su dificultar por conseguir modelos que por narcisismo de Vincent. Apenas unas semanas después de pintar esta obra sería de nuevo internado en el hospital aquejado de manía persecutoria.Su equilibrio mental  después del episodio de la oreja sería cada vez más débil . Un detalle que hasta ahora no os había indicado es que debido a los enfrentamientos que mantuvo con su padre y a lo que él consideraba una infancia y adolescencia desgraciada firmaba todos sus cuadros sólo con su nombre, Vincent, y no con el apellido (imagen procedente de http://www.theartwolf.com)

Pero no acaba aquí la truculenta escena pues "con la oreja ensangrentada , lleva la parte seccionada a un prostíbulo que él frecuentaba para que Rachel, su favorita, cuide de aquel trozo" La versión de Gaugin era que el propio Vincent se había autolesionado después de enterarse de la noticia del matrimonio de su hermano con Johana Gesina Bonger (1862-1925) . Sea como fuere la mañana del 24 de diciembre el comisario de policía de Arlés halló a Vincent en la cama de su casa con la oreja ensangrentada y el lóbulo seccionado. Fue traslado al  hospital Hôtel-Dieu  de Arlés mientras que Gaugin se alejaba de allí y no volvería a ver nunca más a Vincent. Al regresar a casa, Van Gogh pintaría su "Autorretrato con oreja vendada" . Su equilibrio mental está muy afectado , sufre de manías persecutorias, piensa que le quieren envenenar por lo que vuelve a ser ingresado. De nuevo en Arlés su comportamiento hace que los vecinos del pueblo soliciten que sea llevado de nuevo al hospital porque le tienen miedo y temen que pueda hacer daño a alguien o a sí mismo. El propio Vincent, dándose cuenta de su estado mental, solicita voluntariamente ser ingresado en un centro psiquíatrico tanto por su tranquilidad como por la de todos aquellos que le rodean.

La maravillosa y conmovedora en su belleza "Noche estrellada sobre el Ródano" Dicen que cuando pintaba llegaba en ocasiones a llorar por la emoción que sentía en el momento de la creación y cuand contemplas obras como esta puedes llegar a sentir esa emoción y para eso no es necesario saber de arte, basta con dejarnos arrastrar por la belleza de su color con la que Vincent nos habla a través del tiempo, compartiendo ese corazón cálido que en vida nadie quiso explorar. Lo pintó en 1888 antes de la llegada de Gaugin, una época esperanzada en la vida de Vincent y las estrellas que pueblan el cielo de esta obra serían el símbolo de las ilusiones que ponía en el futuro. Cuando sabes algo más de la vida de un artista es más sencillo entender y , sobre todo, dejarse cautivar por su obra . Esta obra sería expuesta en 1889 en el Salón de los Independientes de París  (imagen procedente de http://observatorio.info)

En abril se casa Theo y se ocupa de que Vincent sea trasladado a la institución psiquiátrica  de Saint Paul, en la localidad de Saint Rémy de Provence a unos treinta kilómetros de Árles, ingresando allí el 4 de mayo de 1889. Sin embargo, a pesar de haber pasado esos meses entre episodios de locura´y constantes ataques epilépticos ,Vincent no sólo no había dejado de pintar sino que envía a su hermano dos cajas llenas de cuadros que se encuentran entre lo mejor de su obra. Durante su estancia en Saint Paul sigue pintando de manera obsesiva todo lo que ve , como los lirios . Luego realiza una serie de pinturas donde los protagonistas son los olivos, los pinos  y los cipreses. Pero de nuevo tiene que detener su trabajo cuando se repiten sus ataques en los que llega a comerse la pintura de los tubos que empleaba en sus cuadros, pinturas que además usaban plomo, mercurio y arsénico que pudieron contribuir a un empeoramiento de su enfermedad mental. Será dos de las obras realizadas durante esta época "La noche estrellada sobre el Ródano" e "Iris" las que se expondrán en el Salón de los Independientes entre los meses de mayo y octubre. Este Salón , que había nacido en 1884, era el escaparate de las nuevas corrientes artísticas que iban a dominar el final del siglo XIX y comienzos del XX.

"La viña roja" pintada por Vincent en 1888 y adquirida por la pintora belga Anna Boch en 1890 por cuatrocientos francos en la exposición de Bruselas del grupo Les XX . Sería la única obra que vendió en vida y que actualmente se conserva en el Museo Puskhin de Moscú. Por una carta que Vincent escribió a Theo se cree que también pudo haber vendido un autorretrato  (imagen procedente de http://www.insht.es )

También a finales de 1889 recibe una invitación de un grupo de artistas belgas conocidos como "Les XX" para participar con seis de sus obras en la exposición que están preparando en Bruselas. Será en esta exposición cuando Vincent venda su único cuadro en vida del que se tiene noticia, "La viña roja", que es adquirido por cuatrocientos francos por la pintora belga Anna Boch(1848-1936), que quería apoyar a los pintores jóvenes o desconocidos y admiraba el talento de Van Gogh , que además era amigo de su hermano Eugène Boch. Este mismo mes , el 31 de enero, el hermano de Vincent, Theo, tiene a su primer hijo al que pone de nombre Vincent Willem en honor al hermano de Theo.Vincent comunica a su hermano su deseo de abandonar el sanatorio de Saint Remy de Provence . Su hermano le convence para que sea tratado por un doctor amigo suyo y de otros pintores de París, Paul Ferdinand Gachet(1828-1909) que tenía una clínica en Auverse-sur -Oise y se ofrecía a atenderle. Vincent acepta y se instala en Auverse-sur-Oise el 20 de mayo de 1890. Ya bajo los cuidados del doctor Gachet, él mismo pintor aficionado, Vincent tendrá una nueva etapa de producción frenética, pintando setenta y nueve cuadros, treinta y cinco dibujos y un aguafuerte con la imagen del doctor Gachet en apenas setenta días.

"Retrato del doctor Gachet" de 1890. El doctor cuidaría a Vincent durante sus últimos meses de vida, en los meses en los que Vincent tuvo una actividad más frenética, realizando hasta setenta y nueve cuadros. Sobre este retrato Vincent escribe a su hermano "He hecho un retrato de M. Gachet con una expresión melancólica, que bien podría parecer una mueca a aquellos que lo vean.Triste pero amable, y aún así clara e inteligente, así es como muchos retratos deberían hacerse. Hay cabezas modernas que podrían mirarse durante mucho tiempo, y que se volverán a ver, quizás, con nostalgia, cien años después." Una nostalgia que hoy sentimos al contemplar este cuadro realizado apenas un mes antes de su muerte . Esta es la primera versión  por la que se pagarían ochenta y dos millones de dólares . Hay una segunda versión echa con unos días de diferencia que se conserva en el Museo de Orsay de París. Sobre la mirada del doctor escribiría Vincent a Gaugin, con el que aún se escribía,  que era "la expresión desencantada de nuestro tiempo" (imagen procedente de http://es.wikipedia.org )

Sin embargo, Vincent no confiaba mucho en la capacidad del doctor para tratarle, ya que escribió a su hermano Theo "esta más enfermo que yo "  aunque probablemente tampoco hizo nada por seguir sus consejos, pues ese era su comportamiento habitual, incapaz de someterse a ninguna norma. En esta carta dirigida a su madre muestra como se encuentra completamente absorbido por la pintura y por los paisajes de Auverse "Estoy plenamente absorbido por estas llanuras inmensas de campos de trigo sobre un fondo de colinas, vastos como el mar, de un amarillo muy tierno, un verde muy pálido, de un malva muy dulce, con una parte de tierra labrada, todo junto con plantaciones de patatas en flor; todo bajo un cielo azul con tonos blancos, rosas y violetas. Me siento muy tranquilo, casi demasiado calmado, me siento capaz de pintar todo esto" En el mes de julio viaja a París para visitar a Theo, a su esposa y al pequeño Vincent. No puede ocultar su orgullo porque el primogénito de su hermano lleve su nombre, pero también se marcha entristecido porque su hermano tiene dificultades económicas y él se siente como una carga para la familia.

"Cuervos sobre un campo de trigo" . La última obra que pintó Vincent Van Gogh aquel 27 de julio de 1890. Después de terminarla disparó contra su abdomen. No moriría hasta dos días después pero la herida era mortal. Los cuervos en pintura son aves proféticas, símbolo de una muerte próxima . Dicen que aquel día Vincent había pedido una pistola para espantar a las aves del campo de trigo que quería retratar. Al terminar se disparó. Los expertos en pintura dicen que los tres caminos que se pueden apreciar en la pintura eran las tres salidas a su situación que Vincent veía en su mente. Si es así, no sabemos que significaban los otros dos caminos pero eligió el de la muerte, quizás para él el de la liberación . Para todos la pérdida de un gran artista y de un hombre incomprendido. Pero como suele decirse, Vincent Van Gogh sigue con nosotros , a través de sus cuadros y después de conocer un poco más de su vida al menos yo no podré contemplarlos sin sentirme más cerca de aquel que llamaban "el loco del pelo rojo" (imagen procedente de http://arte.observatorio.info ) 

De regreso a Auverse, el 27 de julio Vincent da las últimas pinceladas a un cuadro titulado "Campo de trigo con cuervos". No sabemos que sucedió, aunque la mayoría de las versiones sostienen que Vincent se disparó un tiro en el abdomen, quizás pretendía aliviar a su hermano de la carga que él representaba, pero no es más que una especulación. Minutos después fue a la pensión Ravoux donde se había alojado desde su llegada a Auverse y subió a su habitación sin decir nada a nadie. Así nos relata la escena Juan Antonio Cebrián "los clientes contemplaron con sorpresa los movimientos de Vincent. Éste descansó unos instantes sobre la mesa de billar que se encontraba en el centro  de la sala; más tarde , subió a trompicones los diecisiete escalones que lo separaban de su cama; cuando llegó a ésta, se desplomó sobre ella sin musitar ningún lamento. Algunos hombres que lo habían seguido lanzaron de inmediato la voz de alarma" Sería el doctor Gachet quién acudiera junto al lecho de Vincent sólo para comprobar que la herida era mortal. Escribió a Theo que apenas tuvo tiempo de llegar para ver morir a su hermano . Vincent agonizó durante dos días y murió en la  madrugada del 29 de julio de 1890. En diez años había pintado 841 cuadros y 1600 dibujos, aunque sólo había vendido uno de ellos. Su amado hermano Theo, que siempre había cuidado de él, agotado por el trabajo, por la sífilis que padecía y hundido por la muerte de su hermano moriría apenas seis meses después en un hospital de Utrecht, el 25 de enero de 1891.

Las tumbas de los dos hermanos Van Gogh, Vincent y Theodore, que estuvieron unidos en vida y hoy sus tumbas les mantienen unidos aunque sólo sea para los que las contemplamos y para aquellos amantes del arte, de la belleza, de aquello que hace más hermosas nuestras vidas y que debemos a grandes artistas como Vincent Van Gogh. Cuando Vincent murió el doctor Paul Gachet puso uno de los amados girasoles que Vincent había pintado en tantas ocasiones sobre el vientre herido del pintor mientras Theo sujetaba entre sus brazos el cuerpo del hermano al que tanto amaba. Quizás no recibió en vida el cariño que habría necesitado para salvarse de su enfermedad mental, pero si hay otra vida hoy recibirá el cariño de todos aquellos que nos emocionamos al contemplar sus cuadros. Gracias por crear belleza (imagen procedente de http://www.aloj.us.es )

Y aquí termino el relato de la vida de este hombre atormentado, que nunca conoció la paz más que en unos pocos  instantes de su vida, que no halló el reposo del amor correspondido ni el reconocimiento de su obra que llegaría demasiado tarde ya en el siglo XX. Hoy podemos disfrutar de su obra en los museos y espero que los que lean este artículo , que no es más que una síntesis de diferentes lecturas, os sirva, sino para conocer mejor su obra en lo que yo no tengo suficientes conocimientos para explicarla mejor, si para comprender algo más del ser humano que se asoma en estas obras, que plasmó en ella sus angustias, sus pasiones, sus miedos y , sobre todo , su amor a la belleza , al arte y a la vida, aunque esta nunca fue demasiado generosa con él. Quiero cerrar esta historia con una frase que ya cité en la primera parte y que creo que concentra en ella lo que fue la vida de Vincent Van Gogh, uno de los mejores pintores de la historia  "Se puede tener, en lo más profundo del alma, un corazón cálido, y sin embargo, puede ser que nadie acuda a él." Hoy, cada vez que nos acercamos a sus obras es como si nos aproximásemos a ese cálido corazón


PROGRAMA  DE JUAN ANTONIO CEBRIÁN SOBRE LA VIDA DE VINCENT VAN GOGH

No es un vídeo al uso, no se trata de un documental , sino de un relato radiofónico sobre la vida de Vincent Van Gogh. Mientras Juan Antonio Cebrián, un divulgador con el que algunos como yo aprendimos a amar la historia, relata la vida de Van Gogh se suceden las obras del pintor. Creo que os puede interesar e incluso emocionar. Ojalá que estos artículos os haya despertado más curiosidad por la obra de Van Gogh y acudáis a fuentes más autorizadas que la mía, pero para amar la pintura , para amar el arte, es suficiente con dejarse cautivar por él. Y Van Gogh lo consigue.