martes, 26 de abril de 2016

GEORGES DE LA TOUR: EL ARTISTA DE DÍAS Y NOCHES (SEGUNDA PARTE)



En la primera parte de éste relato sobre la vida y obra del pintor francés Georges de la Tour (1593-1652)  que me decidí a escribir a raíz de la visita a la exposición que a su figura dedica el Museo del Prado, una oportunidad única para contemplar su producción artística pues se exponen treinta y uno de sus  cuarenta cuadros reconocidos  lo que supone casi un 75% de su obra total . vimos algunos de los pocos datos que conocemos sobre su biografía. Que había nacido en la pequeña localidad de Vic sur Seille, en el ducado de Lorena gobernado en aquel momento por el duque Carlos III de Lorena (1543-1608) ,  que fue bautizado el 14 de marzo de 1593, siendo hijo del panadero Jean de la Tour y de su esposa Sybille de Crospaux, que también procedía de una familia de panaderos. Y aquí terminaba lo que sabemos de su infancia y adolescencia que transcurrió al final de las guerras de religión que durante medio siglo habían convulsionado Francia,  y ya no volvíamos a encontrarlo hasta el año 1617, cuando otro documento,el registro de su matrimonio, nos dice que se casó en Vic sur Seille con Diane Le Nerf, según algunas fuentes hija de un platero, según otras hija del tesorero del duque de Lorena, que en aquel momento era el hijo del ya fallecido Carlos III,  Enrique II de Lorena (1563-1624). Fuera como fuese , Georges de la Tour  aparece aquí registrado por primera vez como pintor. Os hablé de la dificultad de establecer una cronología de su obra e incluso de determinar su autoría , pues apenas cuatro de sus cuatros aparecen firmados y con la fecha de su realización, pero en la exposición del Prado se ha hecho el esfuerzo de establecer un recorrido con una cronología aproximada que nos presenta entre sus primeras obras  una serie dedicada a los apóstoles que durante mucho tiempo fueron exhibidos en la catedral de Albi, hasta que tras el estallido de la Revolución Francesa de 1789  quedaron dispersos y algunos de ellos se perdieron para siempre. 

Así se pueden contemplar en la exposición del Museo del Prado, tal y como es posible que Georges de la Tour las concibiera y que apoyaría la idea de que representan a una aldeana realizando algún tipo de reproche a su dócil esposo  representando así dos personajes característicos del teatro de su época, la mujer dominante y el esposo dócil como os comentaba más arriba.
(Imagen procedente de unpaseoporelprado.elmundo.es



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"Vieja " es el sencillo título de esta obra de Georges de la Tour expuesta en el MH De Young Museum de la ciudad estadounidense de San Francisco,  perteneciente a su primera etapa  y que parece que formaba pareja  con la obra obra que tenéis bajo estas líneas, "Viejo", con la que coincide  en dimensiones y características de la obra. En ellas  vemos a dos ancianos  retratados con el naturalismo característico de la primera etapa de la producción de La Tour  aunque como explican en la exposición  ataviados con una vestimenta tal vez demasiado lujosa  para dos aldeanos. El cuidado en el detalle de las ropas de sus retratados recuerda a un contemporáneo de Georges de La Tour, el pintor español Francisco de Zurbarán (1598-1664) con el que a menudo se han confundido sus obras igual que con las de otros pintores españoles de su tiempo, como Diego Velázquez (1599-1660) o José de Ribera (1591-1652) lo que lleva a decir al actual director del Museo del Prado, Miguel Zugaza(1964), que  el pintor del ducado de Lorena
"Es el más español de los pintores franceses"
(Imagen procedente de https://fr.wikipedia.org)




"Viejo", la obra que probablemente fue realizada conjuntamente con "Vieja"  y que en la actualidad se pueden contemplar juntas en el MH De Young Museum de San Francisco. Como os decía al hablaros de "Vieja" ambas obras se consideran  pertenecientes a su primera etapa. Al desconocer la cronología exacta de sus obras al carecer de fecha e incluso de firma, se considera que son obras de  su primera etapa aquellas  cuya fecha de realización se estima anterior a 1640, cuando su estilo cambiará hacia otro tipo de pinturas que sen engloban la mayoría de ellas dentro de los denominados  "Cuadros nocturnos" en contraposición a los "Cuadros Diurnos"  de sus primeros años una distinción de la que os hablo un poco más abajo. Volviendo sobre "Viejo" y "Vieja" y dentro de la ambigüedad y dificultades de interpretación que encuentran los historiadores del arte  frente a su obra, los hay que consideran que se trata de un relato fiel  de los aldeanos de la campiña de Lorena , mientras que para otros  vendría a ser una representación  de dos estereotipos o personajes del teatro de su tiempo, la mujer dominante y el esposo dócil, interpretación apoyada por las posturas de ambos, ella  con los brazos en jarra como si estuviera  regañando al anciano y él mostrando con su lenguaje corporal que acepta dócilmente la regañina. Fijaos en el fondo de ambas obras, donde Georges de la Tour combina diferentes planos de luz y color, uno más oscuro y otro más luminoso con los personajes iluminados por una luz diurna cuya procedencia no vemos
(Imagen procedente de www.amolenuvolette.it)   
  



Os contaba como en estas primeras obras religiosas como en otras de carácter profano como "La riña de músicos" o "Comedores de guisantes" se hacía patente la influencia del pintor italiano Michelangelo Merisi da Caravaggio (1571-1610),el hombre que había conocido un gran éxito en Itlaia durante la primera década del siglo XVII inspirando una nueva corriente artística, el tenebrismo, precursora del Barroco,  una influencia que se hace patente  sobre todo por el tratamiento naturalista de sus personajes, pues incluso los apóstoles y santos, como  sus diferentes versiones del "San Jerónimo leyendo una carta",  se apartan de cualquier pretensión de idealización para ofrecernos en sus rostros y cuerpo los estragos causados por el paso del tiempo.¿Viajó Georges de la Tour en estos años de juventud  , entre 1610 y 1615, a Italia donde habría conocido la obra del maestro italiano?¿Tal vez viajó a los Países Bajos donde habría estado en contacto con la Escuela Caravagesca de Utrecht representada por seguidores de Caravaggio como los pintores flamencos Gerritt Hermansz  van Honthorst (1590-1656) y  Hendrick Jansz Ter Brugghen (1588-1629)?  Como sucede con casi todo acerca de la biografía de Georges de la Tour, si estuvo en estos lugares no ha quedado constancia documental de ello. Según los historiadores de arte , camino que siguen los dos comisarios de la exposición del Prado, el conservador del Museo del Louvre Dimitri Salmon, y el  jefe de Conservación de Pintura Italiana y Francesa de Museo del Prado , Andrés Úbeda, la pintura de Georges de la Tour se dividiría en dos etapas diferencias,  y a esta primera etapa  la podríamos llamar de los Cuadros Diurnos que hemos empezado a conocer y que se caracterizan sobre todo por  su gran realismo y por centrarse, al margen de sus cuadros dedicados a los apóstoles e incluso en algunos de ellos ,  en escenas de la vida cotidianas  cuyos protagonistas suelen ser mendigos, músicos ambulantes , campesinos   y también pícaros a los que vemos jugar a las cartas, pelearse, comer o tocar un instrumento musical, sin embellecer sus rostros y mostrando las emociones , el sufrimiento , la rudeza  de sus rasgos. 



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"Tañedor de Zanfoña con su perro"  que se conserva en la actualidad en el Museo du Mont de Piété de la ciudad  francesa de Berges . Es un ejemplo representativo de los rasgos principales de la obra de Georges de La Tour en su primera etapa, donde retrata con crudo realismo a los ancianos, los mendigos y los aldeanos  que  constituían la realidad cotidiana  del ducado de Lorena, desterrando todo intento de idealización . Obra de grandes dimensiones, 1,86 metros de alto por 1,20  metros de ancho, sería la más grande de las conservadas del pintor de Lorena y también la  primera en la que habría tratado el tema del músico ciego y pobre sobre el que realizará numerosas variaciones como era costumbre  en Georges de la Tour , como veremos en otros  temas como  los retratos de San Jerónimo penitente, los de las Magdalenas o  los de los tramposos en el juego.  En esta obra  vemos a un mendigo ciego cantando mientras se acompaña con la zanfoña (o zanfonía) , con un perro tumbado a sus pies que probablemente le sirva como lazarillo o guía para poder moverse.  Como e los cuadros de "Viejo" y "Vieja"  la combinación en el fondo de una zona luminosa y otra en sombras sirve para dar profundidad al cuadro. Característico también de la obra de Georges de la Tour es la completa ausencia de decorado, que acentúa la desoladora soledad del nuestro cantante ciego que parece entonar  en ese mismo momento una canción, como muestra su boca abierta mientras que el mendrugo de pan depositado en el suelo muestra su extrema pobreza, pues eso es todo lo que tiene para comer.
(Imagen procedente https://fr.wikipedia.org)



Quería poneros este detalle de la obra que acabamos de contemplar, "Tañedor de zanfonía con su perro"  para que pudierais contemplar el extraordinario realismo de  su pincelada  en el otro protagonista del cuadro, su perro, que alza sus ojos como si estuviera observándonos , unos ojos brillantes y vivos que contrastan con los ojos cerrados del anciano ciego en una escena que mueve a la piedad  por la situación de éste pobre hombre, tal vez la misma piedad que hacía que Georges de la Tour quisiera ofrecer estas imágenes en su cruda realidad, sin adornos que pudieran embellecerla  o suavizarla de algún modo. Este cuadro, como le sucedió a otros muchos de Georges de la Tour, tuvo diferentes atribuciones hasta que en el siglo XX finalmente se atribuyó su autoría al pintor de Lorena
(Imagen procedente de https://fr.wikipedia.org



 
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"Tañedor de zanfonía con una mosca"  que se exhibe en el Museo de Bellas Artes de Nantes, una nueva  variación sobre el tema de los músicos ciegos , aunque en éste caso vemos que la zanfonía que utiliza  es un instrumento más lujoso que el anterior al igual  que sus ropas, retratadas con el cuidado y el amor al detalle que de La Tour ponía en las ropas de sus retratados . En la exposición del Museo del Prado se explica que  era habitual que  estos intérpretes, a pesar de su pobreza, vistieran con ropas  de cierta calidad  pues así atraían a más gente para que les entregaran una limosna. En cuanto a la zanfonía no era un instrumento demasiado apreciado por las autoridades  pues consideraban que  invitaba al baile y la diversión en fiestas y verbenas, lo que a su vez podía ser el origen de comportamientos desordenados por parte del pueblo llano. En cuanto al uso de la zanfonía por estos músicos ciegos  tiene su explicación en que se trataba de un instrumento que, incluso sin tocarlo con pericia,tenía un sonido agradable  para aquellos que no tenían conocimientos musicales, que eran la mayoría.  Al igual que otros cuadros de Georges de La Tour la autoría de ésta obra  se atribuyó a diferentes pintores españoles,  de Velázquez a Zurbarán pasando por Bartolomé Murillo (1617-1682). Por cierto, aquí no se aprecia, pero la mosca a la que se refiere el título del cuadro  se encuentra sobre la zanfonía que toca el mendigo ciego
(Imagen procedente de https://fr.wikipedia.org)




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Para cerrar esta serie de músicos ciegos , y aunque signifique romper la cronología establecida en la exposición del Museo del  Prado , aquí tenemos  "Ciego tocando la zanfonía"  la otra obra que , junto al "San Jerónimo leyendo una carta" que veíamos en la primera parte, se exhibe de forma permanente en el Museo del Prado Os decía que rompía el orden cronológico de la exposición porque esta es una obra muy posterior a las otras dos que acabamos de ver, es el ultimo de los músicos ciegos pintados por Georges de la Tour  y también la última de sus obras consideradas diurnas. En ella vemos a un músico ciego retratado de perfil tocando la zanfonía con la que se gana el sustento  pero retratado con una dignidad a pesar de su humilde condición superior a la que encontramos en los dos anteriores cuadros con el mismo tema, tal vez porque coincidió con su segunda etapa marcada por una mayor espiritualidad al tiempo que se alejaba del realismo más descarnado 
(Imagen procedente de https://fr.wikipedia.org)





LA ZANFONA, ZANFONÍA O ZANFOÑA  

Quería completar esta relación de los cuadros de Georges de la Tour dedicados a intérpretes ciegos de zanfonía con este vídeo realizado por el músico catalán  Marc Egea (1973) en el que nos muestra el funcionamiento y el sonido de este instrumento que era tan utilizado por los músicos ambulantes franceses en el siglo XVII cuando los retrataba La Tour. y escuchando su sonido se entiende que fueran tan apreciado por el pueblo para animar sus fiestas.   




Sabemos que poco después de su matrimonio, en algún momento entre 1618 y 1620 se había establecido en la corte del duque de Lorena  Enrique II en  Lunéville, cuya fortaleza había renovado  el duque para convertirla en uno de sus lugares de residencia más habituales..Mientras,  en Europa se producían importantes cambios. En Europa seguían alimentándose las tensiones religiosas entre católicos y protestantes mezcladas con contrapuestos intereses políticos. En 1618 la nobleza protestante de Praga, capital del reino de Bohemia, se sublevaba contra el emperador católico   del Sacro Impero Matías I de Habsburgo (1557-1619) , que en los años anteriores había restringido la libertad religiosa del reino  y limitado la autonomía municipal de la capital bohemia. Esto provocaría finalmente la rebelión de los nobles checos  el 23 de mayo de 1618 cuando un grupo de ellos entraron en el Palacio  Real de Praga y arrojaron por la ventana a dos gobernadores imperiales. Este acto fue conocido como la Defenestración de Praga, un desafío al poder del emperador que sería el detonante del estallido de un conflicto que llevaba muchos años larvándose en el interior del Sacro Imperio  , aunque lejos estaban entonces de imaginar que la confrontación se prolongaría durante tres décadas y en la que participarían las principales potencias de su tiempo, conflicto que pasaría a la historia con el nombre de  la Guerra de los Treinta Años , y Lorena no escaparía a los efectos de la guerra aunque en vida del duque Enrique ii, el ducado permanecería neutral y trató de actuar como mediador entre las diferentes partes enfrentadas.pero no podía evitar que ejércitos de mercenarios cruzaran por su territorio para dirigirse a los escenarios principales del conflicto en suelo del Sacro Imperio ,   lo que le obligó a reforzar sus fortalezas para proteger en lo posible al territorio y los habitantes del ducado. Sin descendencia masculina, Enrique II  tampoco podía entregar el ducado a su hija mayor Nicole de Lorena (1608-1657), pues  el duque Renato II de Lorena (1451-1508), fundador de la Casa de Lorena-Vaudémont en el poder en Lorena desde entonces, habría establecido que los derechos sobre el ducado sólo se podía transmitir a través del linaje masculino, aunque esta era una afirmación rechazada por Enrique II.



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"El pago del dinero " que se encuentra en el Museo de Bellas Artes de la ciudad ucraniana de Lviv es una precursora de lo que será la segunda etapa en la obra de Georges de la Tour y es considerada la más temprana de sus pinturas nocturnas. . En ella vemos a un anciano que cuenta las monedas ante la mirada expectante de un grupo de hombres  , uno de los cuales sostienen la vela que ilumina el centro  de la escena, donde se fija nuestra mirada, mientras el resto del cuadro se va difuminando en las sombras . Encontramos por primera vez  el elemento de la vela como foco de iluminación que dominará las obras de sus últimos años. Por lo demás el cuadro está lleno de incógnitas ¿por qué nos oculta su rostro la mujer vestida de rojo que vemos en primer plano a la izquierda?¿qué están haciendo estos personajes?¿por qué les paga?  Pero, como explica uno de los comisarios de la exposición del Museo del Prado, Dimitri Salmon, conservador del Louvre
"Uno no sabe si alegrarse o no, aunque es cierto que la ambigüedad que caracteriza sus lienzos hace aumentar su atractivo"
(Imagen procedente de https://fr.wikipedia.org)



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"San Jerónimo penitente"  conservado en el Museo de Grenoble , otro de los temas de Georges de la Tour sobre los que haría variaciones, como podéis ver en la obra justo debajo de estas líneas, el "San Jerónimo penitente" del Museo Nacional de Estocolmo (Suecia) con los que casi podríamos jugar al juego de buscar las diez diferencias. En ambos  cuadros vemos a San Jerónimo(hacia 340-420), doctor de la Iglesia y primer traductor de la Biblia al latín  en una edición conocida como "La Vulgata",  arrodillado , sosteniendo en una mano el crucifijo  y en otra una soga para flagelarse . La Biblia abierta en el suelo nos recuerda que fue San Jerónimo el traductor de su texto al latín lo que acercó su contenido a todos los habitantes del Imperio Romano, que se apoya en una calavera, tal vez un recuerdo de nuestra mortalidad, el "memento mori"  "recuerda que vas a morir" de la Antigüedad . Aunque aquí no se aprecia bien , la piedra a sus pies presenta manchas rosáceas, la sangre derramada por Jerónimo mientras se mortifica.  Georges de la Tour recoge aquí  el episodio del retiro de San Jerónimo al desierto  para vivir en soledad y expiar sus culpas.  Observamos como el rostro queda en penumbra  mientras que la frialdad de la luz acentúa la sensación de soledad  de éste anciano retratado con gran realismo y que se halla a solas ante Dios , enfrentado al riesgo permanente de caer en la tentación
(Imagen procedente de  https://fr.wikipedia.org



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El "San Jerónimo penitente" del Museo Nacional de Estocolmo(Suecia) casi idéntico al anterior aunque aquí  el santo aparece cubierto con un calzó de color blanco y a sus espaldas se encuentra un capelo cardenalicio . En las dos obras el cuerpo de San Jerónimo ocupa la práctica totalidad del lienzo  y Georges de la Tour inclina el suelo hacia nosotros para acentuar la sensación de inestabilidad del santo con el que quería transmitir  la idea de que el hombre está siempre en riesgo de cometer pecado cayendo en la tentación. En la exposición del Museo del Prado se señala que este Jerónimo penitente del Museo Nacional de Estocolmo  fue en su momento propiedad del Cardenal Richelieu , el auténtico gobernante de Francia durante el reinado de Luis XIII y al parecer  aficionado a la pintura del pintor de Lorena, pues poseía varios cuadros de él.
(Imagen procedente de https://fr.wikipedia.org)



Para asegurar que su hija no perdiera su condición de duquesa  de Lorena, Enrique II concertó su matrimonio con el primo de  Nicole y sobrino suyo, Carlos de Vaudémont (1604-1675), hijo a su vez del hermano de Enrique II de Lorena, el conde Francisco  II de Vaudemont (1572-1632), que se había opuesto con firmeza a que el ducado pasara a manos de su sobrina Nicole pues consideraba que una mujer estaba excluida de la herencia del ducado y  en caso de muerte de Enrique II, le correspondería a él y a su hijo Carlos  hacerse cargo del  gobierno. Se abrieron negociaciones y finalmente se llegó al acuerdo de la boda entre Carlos y Nicole. Enrique II, que se había ganado durante su gobierno  el sobrenombre de "El Bueno", moría el 31 de julio de 1624  y en su testamento disponía que sólo su hija ostentaría el título de duquesa de Lorena, mientras que su esposo Carlos sería designado príncipe consorte de Lorena. Francisco II no aceptará estas disposiciones y un año después se hace con el control del gobierno y es reconocido como  duque de Lorena por los Estados Generales del ducado en noviembre de 1625 y apenas cinco días después abdica en su hijo  que se convertía en el nuevo duque Carlos IV de Lorena. Aunque su hermano Enrique había pasado a la historia con el sobrenombre de el Bueno por  su amor por la cultura y la bondad de su carácter  los gastos por la renovación de la fortaleza de Lunéville y, sobre todo, la de reforzar las fortificaciones del ducado para hacer frente a la amenaza de los ejércitos mercenarios que cruzaban su territorio para tomar parte en el conflicto militar que se había desatado en el Sacro Imperio , sumieron a la Lorena en una profunda crisis económica ahogándola en deudas. Además la llegada al poder de Carlos IV enrareció las relaciones entre Lorena y el reino de Francia, pues el rey francés  Luis XIII (1601-1643) pretendía unir la Lorena a Francia a través de un matrimonio con Nicole y un miembro de la Casa Real francesa por lo que la unión de Carlos IV y Nicole había arruinado sus planes. 



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"El tramposo del as de tréboles" que se exhibe en el Kimbell Art Museum de Fort Worth en Texas. Al igual que su obra hermana, "El tramposo del as de diamantes", fue pintada durante la década de 1630 , cuando su pintura evoluciona hacia una etapa intermedia entre las pinturas diurnas y las pinturas nocturnas , en las que su pintura se vuelve más luminosa  y las expresiones de sus protagonista se tornan menos dramáticas y más dulcificadas .¿Os acordáis de "Los jugadores de cartas" realizado por Caravaggio  en 1594 y que veíamos en la primera parte? Aquí retoma Georges de la Tour el tema de Caravaggio , el de un joven noble (el personaje de la derecha que se distingue por su lujosa vestimenta)   que va a ser engañado por el joven tahúr que a la izquierda nos muestra las cartas que  tiene en la mano mientras se dispone a sacar de su espalda  el as de tréboles que da el título a la obra y con la que despojará  al inocente aristócrata de su dinero, mientras en el centro de la composición vemos a una cortesana (meretriz de lujo) que hace un gesto de complicidad con la mirada a su criada mostrando que son participantes en el engaño  del que está siendo víctima el joven rico
(Imagen procedente de https://fr.wikipedia.org/)






"El tramposo del as de diamantes"  del Museo del Louvre , que, según los historiadores de arte, es posterior a la que acabamos de ver del Kimbell Art Museu, y aunque en un primer vistazo son bastante parecidas, presentan notables diferencias.  De nuevo centra el pintor su atención  en el juego de gestos y miradas de los personajes  que delata la minuciosa mecánica del engaño organizado entre los tres  (la meretriz, la criada y el tahúr) a costa del crédulo aristócrata . Vemos diferencias en el colorido pero también en la disposición de los personajes. Si os fijáis , en esta segunda versión la meretriz aparece desplazada hacia el centro de la obra separándose un poco más del joven engañado, un recurso del pintor para acentuar la sensación de soledad del joven frente a los tres truhanes que le rodean. Vemos como el tahúr nos muestra también las cartas y saca de su espalda un as de diamantes que, como sucedía en el otro cuadro, da el título a la obra. También vemos en ella como se hacen más intensos los juegos de luces y sombras que parecen anunciar  la etapa de los cuadros nocturnos que se estaba acercando. Sobre el tema de la mirada y  los ojos en la obra de Georges de la Tour he leído una curiosa referencia  en el periódico español "El País"  en la que el doctor Enrique Santos -Bueso de la unidad de Neurooftalmología del Hospital San Carlos de Madrid advierte que
"En casi todos los artistas hay personajes con defectos en la vista, pero en la obra de La Tour so muy evidentes porque sus miradas están muy bien dibujadas. Con seguridad , La Tour era consciente de los defectos que pintó en sus personajes pues quería reflejar fielmente la realidad 
Y en estas dos obras que nos ocupan , cree advertir que
"Nos encontramos con un pseudoestrabismo, más evidente en la muchacha que en el noble, además de telecanto (distancia excesiva entre un ojo y otro) No son problemas de salud especialmente significantes . Se les daba poca importancia "
Aunque no es necesario para la comprensión de su obra si nos muestra la información que puede llegar a aportarnos el detallado realismo de la obra de Georges de la Tour
(Imagen procedente de https://fr.wikipedia.org/



Georges de La Tour (French, Vic-sur-Seille 1593–1653 Lunéville) - The Fortune Teller - Google Art Project.jpg
"La buenaventura"  que se exhibe en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York y la que para los historiadores de arte, y apreciación que  un profano como y  también comparte, es la más bella obra de los cuadros diurnos de Georges de la Tour  y probablemente uno de los cuadros más hermosos de la pintura francesa del siglo XVII.  Se cree que fue realizado hacia el año 1639 cuando Georges de la Tour habría viajado  a París, en el caso de éste pintor siempre hay que hablar en condicional pues todo lo que sabemos de él entra dentro del terreno  no de la certeza sino de la conjetura más o menos probable , para establecerse en el Palacio del Louvre como pintor del rey Luis XIII, permaneciendo allí hasta 1643 cuando habría retornado a  Lorena donde continuaría viviendo hasta su muerte en 1652. Pero también hay otros historiadores que establecen su realización años antes , hacia 1635 o 1637.
 De nuevo Georges de la Tour se inspira en un tema de Caravaggio.  Con un fondo de color neutro , nos encontramos ante una escena de un joven rico  a tenor de sus ropas que parece  recibir en una de sus manos una moneda de plata que le entrega la anciana que vemos a la derecha ataviada con ropas de calidad. Ella y las otras tres mujeres más jóvenes que rodean al hombre parecen ser gitanas por sus ropas que aprovechan la distracción del joven para  desvalijarle. Fijaos en la joven de la derecha, entre la anciana y el joven aristócrata, como intenta cortar la cadena  de oro  mientras a la izquierda otra de las jóvenes introduce su mano para robar el contenido de los bolsillo. Como sucedía con los cuadro de los tramposos, del que algunos aventuran que hacía pareja, destacaba su brillante colorido y el juego de miradas entre los protagonistas, bellas y desalmadas jóvenes que no dudan en desvalijar al ingenuo  joven.
Su autenticidad fue puesta en entredicho en dos ocasiones en los años setenta y ochenta y en 1960  también fue el centro de una polémica en Francia por la salida de la obra del país tras ser vendida al  Museo Metropolitano de Nueva York.
(Imagen procedente de https://fr.wikipedia.org)




Además, Luis XIII y su valido, Armand Jean du Plessis, más conocido como el cardenal Richelieu (1585-1642), ambicionaban expandir la frontera norte de Francia, lo que suponía ocupar , entre otros, los territorios del Franco Condado, en ese momento bajo soberanía española, la Alsacia, territorio del Sacro Imperio Romano Germánico, y los estados soberanos del ducado de Bar y el ducado de Lorena. Carlos IV tuvo que buscar nuevas alianzas , abandonando la neutralidad  y su política católica para acercarse a los hugonotes  y también a los enemigos del cardenal Richelieu dentro de la propia corte francesa, entre ellos el hermano pequeño  de Luis XIII, Gastón de Orleans(1608-1660), que conspira contra el cardenal. Gastón de Orleans participaría en una rebelión en 1630 en un intento de hacerse con el poder , pero la rebelión fracasa y Gastón de Orleans huye , buscando refugio en 1632 en la corte de Carlos IV de Lorena que, en ese tiempo, había enviado sus tropas para apoyar al emperador del Sacro Imperio, Fernando II de Habsburgo (1572-1637) que tenía que enfrentarse al imparable avance de un nuevo actor en la guerra de los Treinta Años, el rey protestante de Suecia Gustavo II Adolfo (1594-1632). Carlos IV además aprobó el enlace entre su hermana Margarita de Lorena (1615-1672) con el propio Gastón de Orleans, lo que no favoreció sus relaciones con Francia. Ese enlace fue el pretexto que el cardenal Richelieu aprovechó para iniciar la ofensiva contra Lorena. En dos ocasiones diferentes, en junio de 1632 y en septiembre de 1633  Lorena será invadida por las tropas francesas y el ducado comenzó a sufrir las terribles consecuencias de la guerra,que iba acompañada por saqueos, destrucción de poblaciones , hambre y enfermedades que asolarían buena parte de Europa durante el conflicto. Una vez más parece que me he olvidado de nuestro pintor, pero sabemos tan poco acerca de su vida que para explicar  el entorno en el que se desarrolló su obra  es necesario contar , aunque sea con brevedad, los acontecimientos históricos  en los que se desenvolvió su existencia. 



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"Niño soplando una lámpara" que se encuentra en el Museo de Bellas Artes de Dijon  y con ella entramos en la última etapa de la producción artística de Georges de la Tour, la de sus cuadros nocturnos, la que más celebridad ha dado al pintor del ducado de Lorena y en la que un único foco  de luz centra nuestra atención iluminando parte de la escena mientras el resto queda sumido en penumbras  . En ella vemos a un niño que se aplica a la tarea de prender con un tizón una lámpara de aceite. La figura  parece fundirse con el fondo del que se diferencia  sólo por ligeros cambios de color . En la exposición del Museo del Prado  se explica que esta obra,al  igual que la que vemos justo debajo de estas líneas, "Niña soplando un brasero" se inspiraban  en obras de pintores de la Antigüedad Clásica cuyas obras están desaparecidas pero que conocemos por referencias del escritor romano Plinio el Viejo(23-79) ,  como el griego Antífilo de Egipto (que vivió en el siglo IV a. C) y que había sido puesto de moda en Venecia por pintores como Jacopo Bassano (hacia 1515-1592)
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"Niña soplando un brasero" procedente de una colección privada en Alemania  donde el brasero incandescente es el único punto de luz  de la misma forma que en la obra que acabamos de ver más arriba ese foco de luz era la lámpara, mientras  el resto del cuadro queda sumido en la oscuridad. El cálido reflejo de la luz nos descubre el rostro de la niña, creando una sensación de intimidad y cercanía, como si nos encontráramos en la misma habitación que ella contemplando una escena de la vida cotidiana en el interior de un hogar cualquiera de Lorena. Como sucede con otras obras de Georges de la Tour su autenticidad ha sido objeto de debate hasta hace unos pocos años
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Parece que durante la década de los años veinte del siglo XVII los vaivenes  políticos de Lorena  no  afectaran a la acomodada situación de Georges de la Tour  que sigue realizando sus lienzos  de  músicos ciegos  como "Tañedor de Zanfonía con su perro"  o el "Tañedor de zanfonía con una mosca", nuevas versiones de San Jerónimo en este caso  no leyendo una carta, sino como penitente  en dos cuadros parecidos pero no idénticos que se conservan en los Museos de Grenoble y de Estocolmo, los "Comedores de guisantes" que ya conocemos o los retratos "Un viejo" y "Una vieja" obras todas ellas caracterizadas por su naturalismo , dentro de los denominados cuadros  diurnos. donde todavía no hace uso de los efectos luminosos de las pinturas nocturnas de su segunda etapa . De todas estas obras os voy contando lo que sobre ella se explica en la exposición para que en cierto modo fuera como si todos juntos camináramos por ella adentrándonos en el mundo tan desconocido de Georges de la Tour.  Pero si durante la década de los años veinte del siglo XVII el ducado de  Lorena no había sufrido los rigores de la guerra ya vimos que las cosas cambiaron  en la década de los años treinta con las invasiones de Francia en 1632 y 1633. Después de éstos reveses, el 19 de enero de 1634 Carlos IV  decidía abdicar como duque de Lorena y entregaba el gobierno a su hermano Nicolás François de Vaudémont (1609-1670) que se convierte así en el duque Nicolás Francisco  de Lorena.  El nuevo duque había tenido una mejor relación en estos años con el rey Luis XIII y Carlos esperaba que con el nombramiento de su hermano como nuevo  duque mejoraría la situación política del ducado.. Nicolás Francisco era cardenal pero renuncia a la dignidad cardenalicia para contraer matrimonio con Claudia Francisca de Lorena (1612-1648), que era hija del antiguo duque Enrique II de Lorena y , por lo tanto, prima   del nuevo duque y hermana de Nicole de Lorena, la esposa de Carlos IV.  Pero ese mismo año Nicolás Francisco y su nueva esposa, que habían sido puestos bajo vigilancia en su propio palacio por las tropas de Luis XIII, escapan y abandonan Lorena que ahora se quedan por completo en manos de Francia. 



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"San José carpintero"  procedente del Museo del Louvre  y una de mis obras preferidas de la exposición . Se cree que habría sido realizada entre 1638 y 1645 pero estuvo desaparecida y  no fue redescubierta hasta el año 1938, cuando el historiador de arte británico Percy Moore Turner(1905-1952) a halló en un castillo y cuatro años más tarde, en 1942 , la autentificaba como un Georges de la Tour.   En ella vemos a un San José, sin signos externos que revelen su santidad, trabajando en su taller de carpintero . Georges de la Tour lo retrata  en el momento en que detiene su labor  para mirar a su hijo, Jesús,  cuyo rostro, al igual que el reto de la escena, aparece iluminado una vez más por la llama de una vela.  Vemos que la herramienta con la que trabaja San José  simula la forma de una cruz un anuncio del futuro que le espera a su pequeño hijo, que sujeta la vela y su luz se transparenta entre sus sus dedos al tiempo que ilumina su rostro  donde su piel  fina contrasta con la tez curtida y arrugada de su padre.  Es una escena íntima entre un padre y un hijo , que por su sencillez, alejada de cualquier solemnidad religiosa , y por ello más conmovedora.
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Georges de La Tour - The Dream of St Joseph - WGA12344.jpg
De nuevo San José como protagonista en este cuadro titulado "Aparición  del Ángel a San José" que cuelga de los muros  del Museo de Bellas Artes de Nantes  Como es característico de la obra de Georges de la Tour  los personajes divinos  reciben un tratamiento humanizado por sus pinceles. En este caso el ángel  es representado por una figura infantil  que podría ser tanto un niño como una niña , que se aproxima  a un anciano  dormido ¿un nieto que se acerca a su abuelo para despertarlo o un ángel que visita a San José  para anunciarle el nacimiento virginal de Jesús? Podría ser ambas cosas. El conservador del Museo del Louvre ,Dimitri Salmon, nos explica que :
"La mayoría de sus cuadros admiten dos lecturas: una religiosa y la otra, profana. Una natividad donde aparecen la Virgen y el niño Jesús también puede ser interpretada como u simple nacimiento anónimo, como una escena de género"
Y eso es lo que sucede con ésta obra ¿el niño es un ángel? Si lo es no vemos las alas que desaparecen en la penumbra del cuadro, mientras que la escena es iluminada por la vela que reposa en la mesa  y cuya llama queda oculta por el brazo del niño-ángel, centrando nuestra atención en los dos rostros iluminados directamente por ella
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Georges de La Tour 044.jpg
"Job y su mujer " , obra que se encuentra expuesta de forma habitual  en el Museo Departamental de Arte Antiguo y Contemporáneo de la ciudad francesa de Épinal. No fue atribuida a Georges de la Tour hasta el año 1922 aunque es una de las pocas que tienen la firma de su autor, la cual fue descubierta en 1972 con un "De La Tour fecit" (hecho por De La Tour)  y en cuanto a su fecha de realización sigue habiendo un debate abierto, pues algunos la consideran una obra de juventud mientras que otros historiadores de arte  la sitúan entre sus últimas obras. Lo que aquí presenta el pintor del ducado de Lorena es a la mujer de Job célebre por su paciencia ante la adversidad  y lealtad a Dios , regañando a su esposo por mantenerse leal a Yahvé después de que éste le hubiera despojado de todo lo que tenía . En la historia que cuenta la Biblia Job es un próspero  ganadero que tiene diez hijos y profundamente creyente. Satanás, celoso , cree que la devoción de Job a Dios se debe a su buena situación familiar y económica, pero que lo abandonaría si fuera golpeado por  la adversidad. Pide a Yahvé que lo ponga a prueba, y Yahvé acepta el desafío de Satanás que le irá arrebatando todo menos la vida: así  sufre enfermedades, como la sarna, sus criados son atacados por los caldeos, su ganado muere al igual que sus hijos , queda sumido en la pobreza y su mujer lo abandona . A pesar de ello Job sigue fiel a Yahvé y por ello será recompensado recuperando todo lo que Satanás le había arrebatado.. En la escena retratada por  Georges de la Tour  vemos a Job en plena regañina de su esposa , con una vasija de barro rota a sus pies  con las que se frota las heridas causadas por la sarna que le atormenta  mientras  la luz de la vela ilumina a los dos esposos dejando el resto en penumbras (Imagen procedente de https://fr.wikipedia.org)



En 1635 Carlos IV tratará sin éxito de recuperar el ducado mientras Georges de la Tour y su familia sufren, como todos los habitantes del ducado, las consecuencias de la inestabilidad en forma de  un incremento de las bandas de forajidos y de la   inseguridad, se producen rebeliones y , por si fuera poco, se suceden las epidemias y hambrunas. Ya en 1638 Lunéville sufre un gran incendio y es probable que muchas de las obras de Georges de la Tour desaparecieran en ésta época. Un año después, siempre rodeado por el desconocimiento que tenemos de su vida, lo encontramos trabajando en el Palacio del Louvre en París como pintor ordinario del Rey Luis XIII. Al parecer habría sido también muy apreciado por el cardenal Richelieu . En estos años Georges de la Tour vive una etapa intermedia de su obra entre las obras Diurnas y las Nocturnas, donde la pintura se vuelve más luminosa  y los gestos menos dramáticos. A esta etapa pertenecerían, siempre con las dificultades para ordenar cronológicamente su obra, pinturas como "La buenaventura" del Museo Metropolitano de Nueva York, y dos obras casi idénticas,  "El tramposo del as de diamantes" del Museo del Louvre y "El tramposo del as de tréboles" del  Kimbell Art Museum de Fort Worth en Texas , que parecen claramente inspiradas en "El jugador de cartas" realizado por Caravaggio  en 1594 y que veíamos en la primera parte. Entre tanto, el 2 de abril de 1641 el duque Carlos IV de Lorena firma un tratado con Luis XIII en virtud del cual el duque recupera sus dominios pero se compromete a quedar bajo la tutela de Francia y romper su alianza con los emperadores de la Casa de Habsburgo que gobiernan en el Sacro Imperio, en ese momento el emperador Fernando III(1608-1657) Pero poco después de la firma del acuerdo se descubre que Carlos IV ha participado en una nueva conspiración contra Richelieu  liderada por el conde de Soissons, Luis de Borbón (1604-1641), que ya había participado en una anterior conspiración en 1636 liderada por  Gastón de Orleans, y ahora  reincidía contando con el apoyo de España. La conspiración fue descubierta y un enfermo Richelieu todavía tuvo fuerzas para derrotar a los conspiradores  en una batalla librada el 6 de julio de 1641 en la que Luis de Borbón encontró la muerte, mientras que el cardenal Richelieu ordenaba la detención del duque de Lorena. 



Georges de La Tour - The Magdalen with the Smoking Flame - Google Art Project.jpg
"Magdalena penitente" que se encuentra en Los Angeles Country Museum de la ciudad californiana de Los Ángeles . Otro  de los temas que Georges de la Tour repite en sus obras es el de María Magdalena arrepentida del que justo bajo estas líneas  os traigo otro de los que pueden verse en la exposición "La Magdalena penitente del espejo" Ambas coinciden tanto en tamaño como en su composición, pues los elementos son casi los mismos excepto la presencia del espejo.  Vemos como ésta joven se halla rodeada de instrumentos de penitencia, como el flagelo que se encuentra sobre la mesa, . También vemos  libros de las Sagradas Escrituras y una calavera sobre su regazo sobre la que posa su mano pareciendo reflexionar sobre lo efímero de la existencia humana y lo inevitable que es la muerte. Al margen de cualquier otra reflexión  creo que es casi imposible detenerse ante estos cuadros y no quedarse atrapado en su belleza enigmática
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Georges de La Tour - The Penitent Magdalen - WGA12339.jpg
"La Magdalena penitente"  del Museo Metropolitano de Arte de Nueva York , la primera obra que yo conocí de Georges de la Tour  gracias a la portada de un libro del escritor irlandés Bram Stoker(1847-1912), cuya belleza y misterio me cautivó desde  el mismo momento en que me detuve en su contemplación. La vela  que ilumina la escena simboliza la luz física  y también espiritual  evocando la presencia silenciosa de la divinidad. El espejo sería otra metáfora de Cristo  en la que la Magdalena se halla entregada a su contemplación, la mirada perdida, ausente, absorta en su pensamiento . De nuevo encontramos la calavera sobre su regazo , lo que nos induce a pensar que está meditando sobre la muerte, la vida eterna y la vanidad de las cosas terrenales que tanto nos quitan el sueño y que luego para nada nos valen. En la exposición junto a la anterior Magdalena, la Magdalena penitente  del Museo de Los Ángeles, se puede contemplar también otra de las Magdalenas realizadas por el pintor de Lorena, la "Magdalena penitente del espejo" de la National Gallery of Art de Washington pero he preferido elegir ésta porque  es la que me hizo fijarme por primera vez en Georges de la Tour y creo que la supera en belleza y poder evocador
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Carlos IV vuelve a la lucha contra Francia y Georges de la Tour decide regresar a su Lorena natal en 1643. Tal vez fue en esta época cuando   entra en la segunda etapa  de su producción artística,  la de los cuadros nocturnos, la más característica de su obra y creo que la mejor conocida por los que no somos expertos en arte.  Os contaba en la primera parte como mi primer contacto con la pintura de Georges de la Tour  fue con una de sus "Magdalenas penitentes" , una obra de gran simplicidad en su contenido, una joven sentada ante un espejo con una calavera en su regazo y una vela que es el único foco de luz que ilumina toda la escena. En estas escenas representa figuras religiosas pero desprovistas de cualquier signo físico que nos pueda hacer pensar que se trata de santos , vírgenes o personajes bíblicos,  de ahí que algunos historiadores del arte , al referirse a estas obras, hablen de pinturas de una religiosidad laica porque lo que interesa a Georges de la Tour es lo que tienen de humanos y no de santos o vírgenes, aunque si que incluye símbolos y objetos que hacen referencia a su naturaleza religiosa. A estos años pertenecen obras de belleza arrebatadora, como "La Magdalena penitente"  de Los Angeles Country Museum o "La Magdalena del Espejo"  de la Washington Gallery of Art,  todas ellas con un elemento en común, las escenas son iluminadas por un único foco de luz, normalmente una vela que puede estar a la vista o cubierta , dejando el resto del cuadro en una suave penumbra , creando la sensación  de ser los invitados a una escena de íntima soledad  y de profunda espiritualidad en las que casi sientes la presencia material del silencio rodeando a las solitarias figuras iluminadas por la vela, por un brasero o por una lámpara , como esas dos obras mucho menos conocidas que las Magdalenas pero no menos hermosas en su simplicidad,  el "Niña soplando un brasero"  y el "Niño Soplando una lámpara".



Femme à la puce, Georges de la Tour.jpg
"Mujer espulgándose" una de las obras más enigmáticas de Georges de la Tour. Vemos a una mujer semidesnuda  que es espulga a la luz de una vela. Entre los pulgares sujeta uno de los insectos mientras que en su vientre sobresale otro. En la exposición advierten que es sorprendente que junto a ella no haya una jofaina o palangana donde arrojar las pulgas , como era habitual . Pero el enigma se halla en que es lo que nos quiere contar aquí el pintor ¿quién es ella? Su rostro se parece al de la criada  de los cuadros de los jugadores de  cartas que veíamos antes ¿será ella ?¿o tal vez una joven embarazada acogida en una institución benéfica de Nancy, capital de la Lorena, donde por un tiempo habría vivido Georges de la Tour? También se aventura en la exposición que fuera otra Magdalena penitente o la misma Virgen María pero no creo que llegara a retratar a ninguna de las dos en una situación así . En todo caso un enigma más entre tantos que rodean la vida y obra de de Georges de la Tour
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L'adoration des bergers (La Tour).jpg
"La Adoración de los pastores"  obra conservada en el Museo del Louvre,  que fue la primera adquisición de  una obra del pintor  realizada por el museo parisino en el año 1926 y pertenece a  sus últimas obras .  En ella vemos como dispone a todos sus personajes formando un semicírculo alrededor del niño , con los tres pastores  ocupando el centro  a los que da la misma importancia por tamaño y posición que a la Virgen María y San José que ocupan los extremos y a los que, como es habitual en la obra de La Tour, no los distingue ningún halo de santidad  ni ningún  otro signo que desvele su vínculo con Dios.  La luz de la vela que permanece oculta a nuestra  mirada la mano de San José ilumina directamente el cuerpo de Jesús, representado aquí de una forma que me impresiona, pues aunque nada dicen de ello en la exposición, a mi me recuerda al cuerpo de un bebé muerto envuelto en su sudario. Todos contemplan con ternura  al niño, hasta el cordero que estira su cabeza en dirección a su pequeño cuerpo  
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Pero no todas son figuras solitarias en esta última etapa, encontramos también escenas religiosas  de grupo como  "La Adoración de los pastores"  o esa maravilla que es   "El recién nacido" qué podéis ver también en éste artículo  y donde vemos las constantes de su obra, el tratamiento humanizado de los personajes bíblicos, que podrían ser cualquiera de nosotros aunque se traten de la Virgen María o de San José, una profunda humanidad que se hace patente en una de mis obras favoritas además de las Magdalenas, "San José carpintero", donde contemplamos  a un San José como un hombre ya en la edad madura que alza los ojos mientras trabaja para observar el rostro de su hijo iluminado por la cálida luz de una vela  irradiando ternura., una escena cotidiana en la vida de un padre y su hijo, si no fuera porque son San José y  Jesús. Como explica Dimitri Salmon "La mayoría de sus cuadros admiten dos lecturas, una religiosa y la otra profana . Una natividad donde aparecen la Virgen y el niño Jesús también puede ser interpretada  como un simple nacimiento anónimo, como una escena de género·"y personalmente creo que esa cualidad, la humanidad de sus retratados, es lo que hace que su obra siga tan viva hoy como cuando la realizó porque podemos identificarnos con sus modelos, no son figuras sagradas, son seres humanos de carne y hueso sorprendidos en una escena  íntima de su vida cotidiana y casi sentimos la necesidad de hablar en voz queda y caminar con suavidad para no perturbar ese momento íntimo inmortalizado por la maestría artística del pintor de Lorena.  Su arte evolucionó desde el realismo descarnado e incluso violento de su primera  etapa, recordemos aquella "Riña de músicos", hacia obras que irradian calidez, ternura y espiritualidad aunque con alguna obra difícil de clasificar como  "Mujer espulgándose" donde vemos a una mujer semi desnuda quitándose un parásito con los dedos mientras sobre el vientre observamos otro de esos parásitos., manteniendo la escena ilumina por una vela, como corresponde a sus pinturas nocturnas. 



Georges de La Tour - Newlyborn infant - Musée des Beaux-Arts de Rennes.jpg
Otra de las obras que encuentro de una belleza fascinante, "El recién nacido" que se halla en el Museo de Bellas Artes de Rennes y que se cree que fue realizado hacia 1648. Es una extraña Natividad, porque queda excluido San José de la composición siendo sustituido por Santa Ana, madre de María y abuela de Jesús, pues se cree que es ella la mujer que a la izquierda sostiene la vela que ilumina la escena aunque permanezca oculta por su mano. Una vez más cualquier signo religioso queda borrado para que la escena adquiera una naturaleza de vida cotidiana que a la vez la hace eterna y universal, por  encima de credos y tradiciones. Vemos como el pintor se limita al uso de tres colores, rojo, blanco y marró cuya intensidad varía en función de la intensidad de la luz que reciben de la vela que sostiene  Santa Ana y , una vez más, a destacar el extraordinario realismo del rostro del bebé, realismo que también se puede observar en otros detalles menos llamativos como el brillo de las uñas de María que reflejan la luz de la vela o el brillo de los ojos de Santa Ana. La sensación que causa contemplar la obra de Georges de la Tour es la que expresa en un artículo dedicado al pintor el escritor español Antonio Muñoz Molina (1956)
"Cuanto más atentamente se mira más cosas se van viendo en esa penumbra"
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He querido  incluir este detalle de  "El recién nacido" para que podáis observar el increíble realismo de cada uno de los detalles de su obra. Fijaos en el reflejo de la luz de la vela en el rostro del bebé o en las manos y las uñas de María que lo sostienen.  En el catálogo de la exposición del Museo del Prado el director del Museo, Miguel Zugaza, subraya que la obra de Georges de la Tour está rodeada de incógnitas, al igual que su vida:
"Quedan muchas cuestiones sin respuesta - escribe Zugaza - como la cronología de sus pinturas, sobre las que todavía se debate. Hasta ahora no ha sido localizado ninguno de sus dibujos. Se espera con impaciencia que se identifique algún cuadro de historia, algún retrato, algún bodegón o algún paisaje  que confirmarían que La Tour no se contentó únicamente con la representación de escenas de género, de cruel realismo, sin concesiones, y de cuadros de tema religioso , graves e intemporales"
Para los profanos como yo , aunque no se encuentre ninguna otra obra de Georges de la Tour,  ya quedamos seducidos para siempre por la belleza subyugante de la obra que ha llegado hasta nosotros, lo que hace más increíble todavía que su nombre y su obra permanecieran casi olvidados por completo durante trescientos años
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Uno más de los muchos elementos enigmáticos y desconcertantes que añadir a la larga lista de ellos en la vida y obra de Georges de la Tour  en la que también es singular la completa ausencia de paisajes en sus obras . Como dice el comisario español de la exposición del Museo del Prado, Andrés Úbeda, "La mejor definición  que he leído sobre él es que Georges de La Tour no ama el mundo. El mundo no está en su pintura. No hay ventanas al exterior, ni vegetación, ni apenas animales. Sólo rocas lunares "  Pero si no pinta ni bodegones, ni paisajes ¿podríamos decir que su pintura es religiosa por los motivos que dominan su última etapa? ¿qué quieren decirnos esas Magdalenas solitarias en la penumbra de su habitación? No sabemos como fue su infancia, no sabemos como  se formó como pintor, ignoramos si viajó a Italia o los Países Bajos para completar su formación artística, desconocemos su apariencia física  y sobre su carácter, excepto la referencia a que llegó  apuntar con una pistola a un recaudador de impuestos no sabemos mucho más ¿amaba a su mujer,?¿cómo era la relación con sus hijos?¿qué pensaba de la situación que vivía el mundo en el que vivía azotado por la guerra , las enfermedades, el pillaje, las hambrunas? Desconocemos los años en que realizó sus obras e incluso cuantas llegó a realizar lo que ha contribuido a la intensa polémica que rodea su obra a la hora de autentificar la autoría del pintor sobre algunas de las obras cuya  atribución sigue siendo dudosa.  Mientras nuestro protagonista sigue trabajando en Lunéville la Guerra de los Treinta Años llega a su fin en 1648 con la firma de la Paz de Westfalia , que en realidad estaba constituida por dos acuerdos, el Tratado de paz de Osnabrück el 15 de mayo  y el Tratado de Münster firmado el 24 de octubre de ese año de 1648 que puso punto final de manera definitiva a la guerra. Lorena fue apartada de las discusiones del tratado y el duque Carlos IV mantuvo su enfrentamiento con Francia después de fracasar las negociaciones que mantenía con el sucesor del cardenal Richelieu al frente del gobierno francés, el cardenal Giulio  Mazarino (1602-1661).




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"San Pedro arrepentido" o "Las lágrimas de San Pedro"  que se conserva en el Museo de Cleveland y es una de las cuatro obras firmadas y  fechadas por Georges de la Tour, por lo que sabemos que fue realizada en 1645, dos años después de que el pintor regresara al ducado de Lorena. Aquí contemplamos a San Pedro llorando arrepentido  por haber negado hasta en tres ocasiones ser uno de los discípulos de Jesús.  Su rostro arrepentido se nos muestra gracias a la luz p que entra por una ventana que no vemos  y que revela las lágrimas que brillan en su rostro y sus  ojos humedecidos por el llanto  mientras los alza hacia el cielo al tiempo que junta sus manos implorando el perdón de Dios . Una vez más , sin necesidad de acudir a símbolos religiosos, Georges de la Tour sabe conmovernos con la escena de un realismo extraordinario , desde la vestimenta de San Pedro hasta el mismo gallo que nos recuerda las palabras de Jesús
"Desde ahora te digo; antes que cante el gallo, me negarás tres veces"(Mateo 26, 34-35)
Georges de la Tour habría realizado varios cuadros sobre éste tema pero éste es el único que se conserva , un cuadro que es diurno y nocturno a la vez, nocturno por la luz que procede del farol y diurno por la luz del atardecer  que parece iluminar con su luz rojiza el rostro de Pedro
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"San Juan Bautista en el desierto" que se encuentra en el Museo de Georges de la Tour que abrió sus puertas en su localidad natal, Vic-sur Seille. Se cree que  pudiera ser su última obra , al menos la última de las conocidas, y habría sido realizada alrededor de 1649-1651. En ella vemos  a un casi adolescente  Juan , con un largo y brillante pelo lacio, cubierto su cuerpo apenas con una piel de oveja , mientras alimenta con una de sus manos a un pequeño cordero. Una vez más  su naturaleza religiosa  más se adivina que se muestra,  y  lo adivinamos a través de elementos que presagian  su trágico destino, como el mechón  de pelo que cruza su cuello en el que podemos ver un anuncio de su futura decapitación, o también los libros que apenas vislumbramos al fondo, apilados uno sobre otro, tal vez el Antiguo Testamento  y el Nuevo Testamento. San Juan parece sumido en sus pensamientos meditando  en la soledad  de su vida de ermitaño  acerca de su propia vida y del mundo que le rodea, mientras su cuerpo es iluminado por una luz que Georges de la Tour oculta a nuestros ojos y que parece querer transmitirnos la fragilidad de éste joven meditabundo, que es San Juan, pero que podría ser cualquier adolescente que se preguntase acerca del futuro que le aguarda
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Pero el desenlace de éste conflicto queda ya fuera de nuestra historia porque Georges de la Tour morirá mucho antes. El 15 de enero de 1652  fallece su esposa víctima de una de las epidemias que asolaba periódicamente Europa ,  y dos semanas después, el 30 de enero de 1652 moría también Georges de la Tour y comenzó el largo período de olvido  y silencio de su obra, hasta el extremo de que sus cuadros eran atribuidos a otros pintores, sobre todo pintores españoles y neerlandeses, como grandes pintores españoles del Barroco como Francisco de Zurbarán (1598-1664), el mismo Diego Velázquex (1599-1660) o José de  Ribera "el Españoleto" (1591-1652)  o neerlandeses, entre ellos los caravaggistas de la Escuela de Utrecht, nuestros viejos conocidos van Honthorst (1590-1656) y  Ter Brugghen (1588-1629). Como si alguien hubiera decidido que había que borrar su presencia de la historia fueron desapareciendo  todos los objetos relacionados con su existencia y finalmente incluso con su muerte, porque su tumba también desapareció. Habría que esperar hasta el siglo XX para que el historiador  de arte alemán Hermann Voss (1884-1969) identificara en el Museo de Bellas Artes de Rennes,  dos obras de Georges de La Tour que , de forma sorprendente, estaban firmadas y una de ellas incluso fechada , algo que ya hemos visto que era muy inusual en las obras de La Tour. Se trataba de "·La Aparición del Ángel a San José" y  el "San Pedro arrepentido", esta última es la que estaba firmada y fechada, ambas exhibidas en la exposición del Museo del Prado.. Casi veinte años después de su redescubrimiento, Georges de La Tour volvía a ser contemplado por el público en general en una exposición que se celebraría en la Orangerie de París entre noviembre de 1934 y febrero de 1935. Desde entonces cobró una fama que no ha mermado con el paso de los años sino que incluso se ha incrementado hasta el punto de que  todos los museos han deseado tener una de sus obras y han proliferado las falsificaciones y las atribuciones erróneas. Hoy podemos recorrer los pasillos del Museo del Prado dejándonos cautivar por la belleza y el misterio que emana de su obra, en particular de esas escenas nocturnas iluminadas por la vacilante luz de una vela. Apenas sabemos algo de su vida , pero no hace falta saber más para amar su obra artística y dejarnos atrapar por la belleza de sus cuadros. Para terminar este relato, que espero que os haya servido para acercaros un poco más a un pintor que merece la pena conocer  de mano de personas con mucho más conocimiento que el mío , quiero recoger las palabras que vienen en el catálogo de la espectacular exposición del Museo del Prado, que creo que resumen todo lo que necesitamos saber sobre Georges de la Tour " Es un pintor de excelencia, de soledad y de paz". 


COMENTARIO DE LA EXPOSICIÓN DEL MUSEO DEL PRADO DE GEORGES DE LA TOUR 

Para terminar os incluyo este vídeo donde uno de los comisarios de la exposición, el jefe de Conservación del Museo del Prado  Andrés Úbeda nos presenta la exposición y nos introduce en la vida y obra de Georges de la Tour





Enlace con la primera parte de "Georges de la Tour: el artista de días y noches"
http://chrismielost.blogspot.com.es/2016/04/georges-de-la-tour-el-artista-de-dias-y.html



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